Alexander Dolgikh – Símbolos y mitos

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Alexander Dolgikh: El arte de pintar las sombras y profundidades de nuestro inconsciente

Para comenzar a entender a este genial artista, nada como dos párrafos de su forma de pensar y entender el arte:

“Un mito es una historia que tiene un propósito: por ejemplo explicar  el origen de algo como lo hizo Tintoretto en su obra  “Orígenes de la Vía Láctea“, o para dar una advertencia como hizo Tiziano en su “Diana y Acteón“, o para servir como un ejemplo o un símbolo. Esta historia es generalmente fácil de entender, que involucra las emociones fuertes y simples y relaciones claras y básicas. Pero no cualquier historia. Los grandes mitos ilustran y explican a cada generación algo sobre el fin del mundo “.

“El viaje de cuento de hadas puede parecer una caminata hacia el exterior a través de llanuras y montañas, a través de castillos y bosques, pero el movimiento real es hacia adentro, hacia las tierras del alma. El camino oscuro del bosque de cuento de hadas se encuentra en las sombras de nuestra imaginación, las profundidades de nuestro inconsciente. Para viajar a la madera, para hacer frente a sus peligros, y emerger transformado por esta experiencia “.

Pintura de Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? – 1968?.

 

Este genial artista nació y creció en Crimea, (actualmente perteneciente al sur de ¿Rusia-Ucrania?) en 1968. Alexander Dolgikh creció en un ambiente artístico, pues su abuela Nadezhda Kucher fue profesora de Arquitectura en la prestigiosa Academia de Arte de San Petersburgo. Tenía como vecinos de patio de viviendas al artista ruso Andrei Panteleev y a la conocida narradora local Angelina Alexandrova, que luego más tarde fue su niñera.

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra cargada de simbolismo de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania?1968).

 

A la edad de ocho años, su abuela le regaló un libro de reproducciones de la Galería de Arte de Dresden en Alemania. Quedándose encantado por la belleza de las obras, dándose cuenta de que ese era su sueño, naciendo en él la vocación, entrando en el Colegio de Arte de N. S. Samokish de Simferopol en Ucrania, graduándose en la Academia de bellas artes de Kiev. En 1992 regresó a su ciudad natal, trabajando como pintor y decorador en el Teatro Dramático Académico Ruso M. Gorki.

Simbolismo en Arsenal Le Comte Arts

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea, Rusia. 1968).

Alexander Dolgikh domina diversas técnicas de dibujo y pintura poniéndo mucho énfasis en la figura humana. Tiene un profundo aprecio y siente fascinación por la historia antigua, la mitología, las leyendas y los cuentos de hadas, reflejándose en todas sus obras.

Su sólida formación académica le ha convertido en un gran profesional en los diversas tecnologías de los materiales artísticos. Creando métodos que le permite mezclar óleos y acrílicos para convertirlos en un nuevo producto con su mezcla Esta idea tomó forma por el seguimiento y estudio que hacía del artista flamenco Franz Hals, el cual conseguía mezclas para sus obras de diferentes medios, en especial el éxito que obtenía con la mezcla de aceites con acuarelas. Consiguiendo Alexander Dolgilkh desarrollar y mejorar estas técnicas con productos y materiales.

Surrealista obra de Alexander Doligkh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Curiosamente su gran debut internacional no fue en la órbita de influencia rusa, sino que fue en Barcelona (España) en 1996 en la Barcelona ArtExpo. Después se trasladó a vivir a Praga en la República Checa, exhibiendo sus obras en Dublín, Londres o Melbourne. Desde el año 2005 Alexander Dolgikh tiene una exposición permanente en Praga donde podemos apreciar el arte de sus creaciones. En el Reino Unido, sus obras las lleva en Exclusiva la prestigiosa galería de arte contemporaneo Graham Fine Art.

Curiosamente este gran artista no dispone de página web, página de Facebook ni nada por el estilo, asi que si alguien sabe donde poder encontrar algún sitio oficial de él, lo ponga en comentarios.

Aquí os dejo unas cuantas obras de Alexander Dolgikh para que aprecieis su arte. Haced click en las imágenes para agrandarlas. Si os gusta la entrada pues me dejáis comentarios y me compartís en redes sociales y así me hacéis un favor de cara a posicionar con Google. Nos leémos en la próxima entrada.

Atte: Jesús = Arsenal Le Comte Arts. Saludos

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La penumbra del Arte – Stephen Mackey (Neo surrealismo)

El surrealismo de Stephen Mackey en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Óleo sobre madera

 

Stephen Mackey – La hermosura del miedo en el arte

La iluminacion de la penumbra en el surrealismo

Nace en Inglaterra, actualmente vive y trabaja en Manchester (Inglaterra), Stephen es un gran artista conocido por sus pinturas y dibujos que los voy a llamar realmente “dulcetenebrosos”, creando en ellos una atmosfera bien cargada de misticimo, haciendo etereo el miedo, realzado por el uso de colores apagados y ajustes muy personales de la fantasía.

Contre printemps en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Contre Printemps. Óleo sobre madera. Fantasmal y exquisita imagen
Voy a dejar los títulos originales de las obras sin traducirlas al español para que nos metamos en lo que deseas expresar el artista con sus títulos. Pueden llegar a ser un contrasentido, pero es lo que a mi por ejemplo, me hace ahondar más en la contemplación de la obra.

¿Miedo?

Sí, esa podría ser la primera sensación al primer instante de contemplar el retorcido (sin dejar de ser bello) mundo del artista, niños, gatos, supuestos murciélagos, supuestas mutilaciones, velos, cabezas tapadas, fantasmales criaturas. Todas ellas enigmáticas pinturas tenebrosas en las que recrea un mundo imaginario que vive en lo más escondido de sus neuronas, lo cual hace que nos presente una gran variedad de personajes que gracias al logrado detalle de las expresiones de sus caras, los colores que utiliza en ellos y los escenarios que nos presenta, adquieren un nivel tétrico que pocas veces habíamos visto.

Lady Canker en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Lady Canker. Óleo sobre madera. Visceral y bella imagen de una dulce joven con insectos en su cara y pelo

Esta faceta tétrica y oscura del autor contrasta y llama la atención con otros de sus trabajos por los que es mundialmente también reconocido, pues es escritor e ilustrador de cuentos para niños, donde las hadas y su mundo tan dulce e iluminado de fantasia lo han hecho un idolo entre los más jóvenes, es autor de la serie de cuentos “MIKI” siendo una serie de obras llenas de dulzor y poesia, deliciosamente expresado en sus ilustraciones.

Miki en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Miki, portada de uno de los libros que narran las peripecias de una muchacha esquimal y sus amigos los animales, destilando un dulzor y poesia realmente bello

Salvo cuando tiene que realizar libros que obviamente tiene que usar papel para sus trabajos, él prefiere el óleo y la madera, siendo pocas las obras que realiza sobre lienzos, en las cuales da vida a toda una serie de oscuras y surrealistas pinturas que al contemplarlas me siento transportado a una realidad donde nada es lo que parece, al estilo de Alicia de Lewis Carroll.

Stephen logra recrear una atmósfera tétrica cargada de misterio que me incita a intentar descubrir que hay más allá de los elementos que consta la pintura ya que tiene el maravilloso arte de presentarnos una historia sin ser demasiado explicito y que poco a poco a medida que nos vayamos embebiendo dentro de ella crear  un toque digamos mágico variando el estilo y la tematica en la obra sin cesar, pero sin ningún caos, dejándonos con el sabor de querer investigar y descubrir nuevos elementos en ella.

Reina ciega en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The bind Queen. Óleo sobre madera. Me atrae mirarla, os la dejo a gran resolución pra que se pueda apreciar bien.

En las obras podemos apreciar cuerpos humanos con cabezas de animales, personajes escondidos, pequeñas y tétricas niñas posando como si fuesen adultos o cubiertas con sabanas simulando fantasmas; todo esto habitando lo que parecen ser desolados bosques y acompañado además, de lúgubres elementos como espejos, ventanas o velos, ¿Os imaginais algo más tenebroso usando todos esos elementos en una escena?

Retrato de niña con cabeza de gato en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Mademoiselle Moucheté. Óleo sobre madera

Sus obras también recuerdan el arte de los pintores flamencos y franceses como Johannes Vermeer, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Paul Delvaux, Odilon Redon, Cecil Beaton, los cuales se encuentran entre sus artistas favoritos. Y por citar algunos más contemporaneos, nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli o Mark Rayden entre otros.

Surrealismo en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Unspeakable Fortuna. Óleo sobre madera

No miento si os digo que su arte me llevó de viaje por el pais de las maravillas que Lewis Carroll soñó, aunque seguramente desde un punto de vista distinto. También me ha guiado junto a Edipo a intentar resolver el enigma de la esfinge, así como me ha hecho visitar a una sensual y elegante Perséfone que tiene la vista en la granada que la condenó.

Perséfone en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Sin duda alguna, Stephen Mackey logra transmitir miedo y angustia cuando saca el arte del Hyde que lleva dentro, cuando no está haciendo esas delicadas ilustraciones llenas de poesia y candor para sus cuentos,  se pasa al lado oscuro a través de sus tenebrosas pinturas, sensación que se ve acrecentada con la forma en la que titula cada una de sus obras, por lo que no he querido traducirlas para que no pierdan su contexto, haciéndonos conscientes que es claro el sentimiento que quiere provocar en aquel que como yo, admira su trabajo.

Si queréis saber más de él y su obra, haced clic AQUÍ, AQUÍ y AQUÍ.

También os dejo una pequeña galería de imágenes. Haced clic sobre ellas para verlas más grandes.

 

 

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nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli Mark Rayden …

Nicolás Obery – El universo oscuro

Alegoría de Nicolás Obery a Gustave Courbet en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Courbet desesperado. Arte digital y Scratch – Board.

Nicolás Obery

Sumergido en su Fantasmagorik

Bienvenidos a un universo oscuro, a medio camino entre espectros misteriosos de humo y scratch-boards para adultos, nacidos de la mente creativa del prolífico artista digital parisino Nicolas Obery.

En la cumbre de su carrera como director artístico, (Trabaja para: Adidas, Nespresso, Biotherm, Nuxe, Martell, Mumm, Casio… Y muchas más). Se propuso crear una colección de obras de arte a caballo entre lo real y la fantasía, emergiendo una creación fascinante a la que llama Fantasmagorik.

Alegoría de Dalí y Da Vinci de Obery en Arsenal Le Comte Arts
Nicolás Obery (Francia) – Memento Monna. “Detalle” Surrealista recreación de la Gioconda de Da Vinci con el rostro de Dalí en un Memento Mori. Medios Digitales, scratch-board monocromo.

Fantasmagorik

Este sueño, es una serie de retratos numéricos monocromo, empleando en muchos de ellos aparte de medios digitales, técnicas de scratchboard. Cada retrato está compuesto por muchas digamos, “esculturas digitales” más pequeñas, que va uniendo y montando como un puzzle hasta conseguir estas impresionantes obras de marcadas tendencias Steampunk, siendo el objetivo principal de Nicolás el recrear un universo paralelo en el mundo surrealista, reinterpretando  y reproduciendo elementos y personajes míticos.

Alegoría de Obery de Marilyn en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Monroe, Scratch-board y medios digitales

Photoshop es su caja de herramientas principal, con la cual Nicolás dibuja y esculpe diversos e intrincados pequeños objetos para crear una biblioteca de imágenes (pelo, flores, tubos, ojos, bocas, animales, insectos, …) los cuales añade a trozos de imágenes y como ya dije antes en algunas utiliza el Scratch-board, para crear las obras finales. Usando un juego contínuo de contrastes (sobre todo entre blancos y negros), enfatizando la figura sobre fondos completamente oscuros. Estoy seguro que detrás de cada una de sus obras deben de haber un montón de horas de trabajo, Superman, Batman, Marilyn, Lady Gaga, Hellboy, los muñequitos de Lego y muchos más, son sólo unas de las caras conocidas que nacen de nuevo después de pasar por la imaginación sin freno de Nicolás. ¿Cuales son las fuentes de inspiración de Nicolás? La lista es larga e incluye a Salvador Dalí, Arcimboldo, Da Vinci, Magritte, Philippe Pasqua, Oleg Dou, Smirkmasks, Kris Kuksi, entre otros sin distinguir de épocas ni de estilos.

Hellboy en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Hellboy. Scratch-board y medios digitales

Fantasmagorik es una serie de más de doscientas pinturas digitales. Mezclando ingeniosamente referencias a la cultura pop e iconos como (Marilyn Monroe, Madonna, etc) y homenajes a artistas surrealistas como Salvador Dalí, Magritte e incluso renacentistas como Arcimboldo o Da Vinci, (su Memento Monna es fascinante). Nicolas compone retratos intrincados, sus composiciones complejas recuerdan la obra de Kris Kuksi, que cita como fuente de inspiración. Sus rostros pálidos extravagantes también muestran los guiños a la religión, el Steampunk y el día de los muertos en Méjico. (Sus Catrinas son bellísimas).  Un verdadero placer para los ojos y la mente que conduce al espectador a un mundo de fantasía, sensualidad y humor.

Catrina, Scratch board en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Catrina. Scratch-board y medios digitales

A continuación os dejo una galería con algunas de sus obras. Haced Clic en ellas para ampliar las imágenes.

Si queréis saber más sobre su vida y obra, en su web, haced clic AQUÍ, Su site en Béhance, AQUÍ y su pagina de Facebook AQUÍ.

Si te gustó o no el artículo, dame tu opinión en comentarios y compártelo en tus redes sociales.

Nos léemos en la próxima entrada. Saludos

 Arsenal Le Comte

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El maestro del enigma – Robert Peluce (Nueva York 1937 – 2004)

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Cap Flap 46 x 46 cm. Acrílico sobre lienzo.

Robert Peluce – Maestro del enigma

Mucho antes que el movimiento Steampunk se consolidara, ya había grandes maestros de este estilo Diesel Punk Surrealista.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – “10 – 75”. 61 x 46 cm. Acrílico sobre lienzo.

Tenía ganas de hacer una entrada en el blog de Arsenal Le Comte Arts sobre este artista gran maestro del enigma en sus pinturas. Viendo obras en alguna página de algún museo vi una de él y me dije que ya era el momento de hacerla. Espero sea de vuestro agrado.

Robert Peluce fue un pintor, escultor, y animador que nació en Brooklyn, Nueva York, en 1937. Peluce estudió en el East Los Angeles City College y en el Chouinard Art Institute. Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones individuales y colectivas y ha ganado muchos premios estadounidenses e internacionales, incluyendo el Premio Peabody en 1997. Robert Peluce murió el 12 de abril de 2004.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce en homenaje al Greco
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – El Gecko. 122 x 122 cm. Junto con la obra “Madame Zippo”, forma parte de un díptico, la siguiente imagen que os publico, es la obra que lo completa. Es un homenaje alegoría a “El greco” realizando el artista su forma de ver al caballero de la mano en el pecho del genial autor.

Robert Peluce era un artista con una imaginación fantasiosa y una técnica bien elaborada, que tenía una capacidad excepcional para combinar las travesuras de la animación con el sofisticamiento de las bellas artes.

Para Peluce, las debilidades y contradicciones de la vida, eran iluminados a través de gags visuales y juegos de palabras que expresaban el contrasentido de la gravedad y dramatismo del juego y la tragedia y acidez del humor.

Sus obras para mi gusto son “ácidas“. Cuando las veo siento que tienen  ese punto que nos estremece, como al lamer medio limón y que acto seguido lo hechamos de menos y necesitamos volver a lamer, para sentir esa sorpresa, rechazo, deseo y frescura que nos proporciona el ácido del limón, dejándonos satisfechos con la experiencia.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce en homenaje al Greco
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Madame Zippo. 122 x 122 cm. Acrílico sobre lienzo. Esta imagen junto con la anterior, completa el díptico en el que homenajea a El Greco.

Peluce llama nuestra atención empujando sutilmente nuestra sensibilidad, nos atrae a un mundo de relaciones versus reacciones en nuestro cerebro, que se centra en nuestras percepciones del mundo, como en el caso de las obras que os he publicado en homenaje al Greco, aunque podemos aplicárselo a todas sus obras. Después de visualizarlas, ya no podemos escondernos detrás de las máscaras de la normalidad o tomar a la ligera nuestras acciones mundanas. Peluce se encarga muy sutilmente, de que nos demos cuenta de los absurdos de la vida y los peligros de tomarla demasiado en serio.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Fun House. 183 x 152 cm. Acrílico sobre lienzo.

Es considerado artista de artistas, siendo fuente de inspiración para sus contemporaneos y nuevas generaciones de artistas.

Las acciones en los temas de sus trabajos están marcados por los extraños rasgos exóticos que les imprime a sus personajes. Narices alargadas que nunca parecen acabarse,  las manos de muñecas de trapo inconexas. Se encuentran en paisajes de otros mundos de ensueño. Las alegorías a la revolución industrial son omnipresentes, objetos como locomotoras o telares, el vapor y el humo de las refinerías distantes ennegreciendo el cielo. Los temas se plantean en composiciones formales de pureza clásica.

Los hombres son vanos y las mujeres se sienten orgullosas, no hay lógica, pero hay orden, aderezada con tensión sexual en algunas de sus obras, mezclándose con la sensibilidad digamos “infantil” de la fantasía contemporanea, algunos cohetes bien podrian haber sido pintados por Julio Verne.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce. Tensión sexual
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Papa´s Table. 122 x 153 cm. Acrílico sobre lienzo. En esta obra se advierte la tensión sexual de la que os hablaba antes en situaciones tan cotidianas como es el estar en una mesa.

Trabajó durante treinta años como diseñador de animación, os sonarán las películas: Cariño he agrandado al niño, o Jurasic Park,  por decir algunas de las muchas en las que realizó sus trabajos animados.

Durante ese tiempo fue plasmando a su gusto los óleos de los grandes maestros jugando con sus diferentes estilos, adaptándolos a su estilo y cosmología de ver el mundo. Fue influenciado por maestros como Poussin, Georges de La Tour, Velázquez y El Greco. También bebió de los surrealistas contemporaneos Delvaux, Kay Sage y Max Ernst.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Magic Apple. 168 x 147 cm. Acrílico sobre lienzo.

Bajo mi particular punto de vista Peluce es como una carretera provincial que se encuentra en algún lugar entre una realidad física y una metafísica, que une el mundo tangible con el intangible.  Siendo el reino de este artista,  lo que llamo provincia. Y es  esta carretera la linea que divide su mundo imaginario con la realidad.

Para un creador, lo importante no es lo que vagamente definimos como inspiración, ni tampoco es lo que quiere decir o expresar, sino, la forma en que lo expresa, lo importante es la manera en que lo decimos. El estilo del artista es lo que une a la memoria o el recuerdo, la ideología, el sentimiento, la nostalgia, el presentimiento, a la forma en que expresamos todo eso. Por ello lo que hace grande a Peluce no es lo que nos dice en sus obras, sino como nos lo dice.

En Arsenal Le Comte Arts, el arte surrealista, steampunk de Robert Peluce
Robert Peluce (Nueva york. 1937 – 2004) – Transylvania Jack. 122 x 91 cm. Acrílico sobre lienzo

Por desgracía Peluce ya ha fallecido y todo lo que tenemos de su arte que nos asombra y nos hace sentir las sensaciones que os he descrito,  es lo que vamos a tener, creo que es un artista, el cual su arte, su legado vivirá para siempre, pues es fuente de insipiración para muchos artistas contemporaneos. Como bien decía en vida: Tú existes sólo en lo que haces y si creo que existe cada vez que contemplo sus obras. Nos ha dejado un prolífico legado, si deseais ver algo de su extensa obra, podéis hacerlo en  la Glass Garage Fine Art Gallery de California en Estados Unidos. Ojalá pudiera permitirme tener un día para visitarla y admirar las obras de artistas como Charles Malinsky, Steven Kenny, Lui Liu y las obras de este artista que os he traido hoy entre otros. Pero como en esto si soy realista y de momento no puedo permitírmelo, me conformo con una visita virtual AQUÍ.

Aquí os dejo una galería de imágenes de la obra de Robert Peluce, esperando que sea de vuestro agrado. Haced clic sobre ellas para ampliar.

 

 

 Atte: Arsenal Le Comte Arts

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Sabina Nore – En busqueda de la inmortalidad “Inmortal quest” – Simbolismo

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Sabina Nore

Pequeña biografia:

 

Sabina Nore nace en Belgrado, Serbia el 22 de Junio de 1974, pronto marcha a Viena, Austria, donde actualmente reside y trabaja.

De niña pasaba tiempo  visitando el taller de su tía, seducida por los aromas y la atmósfera mágica que de allí emanaba, cazando tesoros con el corazón, establecieron la base para su desarrollo artístico. Fascinada  con la diversidad de las culturas y de las personas, se enamoraba especialmente de todo lo que parecía diferente o exótico, ya fueran baratijas de paises lejanos, costumbres de tierras lejanas, buscando nuevas formas de acercarse a los viejos hábitos. Llevándole esta curiosidad convertida en pasión a interesarse por la psicología.

Va a clases de danza, no le acaba de gustar y cambia por el Hockey sobre hielo, en ambas sobresalió. Habla fluidamente tres idiomas: Alemán, Inglés y Serbio, su lengua natal. A los doce años estudia música en el conservatorio de Viena, Austria, uniéndose a las clases del Profesor Inge Scholl-Kremmel de guitarra clásica, extendiendo su talento y conocimiento, pero el foco de sus gustos y pasiones más firmes se mantuvo en las artes visuales, la psicología y la escritura. Llevándola pese a ser una gran figura musical, a dejar el conservatorio y centrarse en la pintura, estudiando bellas artes y psicología.

A la edad de 26 años se convierte en co-fundadora de una empresa internacional de diseño y desarrollo web, centrando su talento en las artes bajo modelos comerciales, aprendiendo el dificil arte de la codificación.

Su arte es tan versatil como su personalidad, pudiéndolo enfocarlo en varias tendencias, ya sea surrealista, fantástico o visionario, poético y otros, pero todo, absolutamente todo, impregnado con un gran carga de simbolismo, como la que lleva esta pintura impactante que he elegido de su amplia obra, la cual paso a analizar, eso si, siempre es un análisis bajo mi punto de vista, es la impresión que a mi me causa después de contemplarla largo y tendido. Si queréis saber más de la obra de esta artista, pinchad aquí y aquí.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Análisis

Mis impresiones de la obra:

Me impactó a primera vista esta obra, recordándome esta mujer guerrera a Palas Atenea. Detrás de la mujer guerrera vemos el planeta Venus en la cima de su trayectoría con una gran carga simbólica  ya que lo plasma la autora con un círculo, representando lo absoluto, la perfección, uniéndolo a la vestimenta guerrera de la mujer, símbolo de una dominación femenina que abarca toda la obra.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La escena representada como una mujer herida, sentada en un campo de batalla, sin disminuir para nada su dignidad por el hecho de estar herida, irradia un gran magnetismo, más allá de sus rasgos físicos ocultos por el yelmo, no causando indiferencia. Tiene flores en la mano, siendo otro símbolo de feminidad al igual que Venus. Podría parecer un símbolo de paz (pacifismo hippie representado con flores), pero no lo es, ya que la mujer lleva el casco en la cabeza,  sin duda la obra no lleva ningún mensaje de paz, sino que se afirma en el dominio de lo femenino en toda la pintura. Los colores para nada son cálidos, en su mayoria son frios, predominando los azules, símbolo del poder por su relación con el espacio, y el cielo, de  altura y profundidad por su relación con el cielo y el mar. Símbolo de poder para los egipcios, sus reyes se vestían con aderezos de color azul, significando para los simbolistas, lo intangible, lo etereo, la entereza y el cumplimiento de la palabra dada.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

El cabello revuelto muestra la energía y la fuerza de la mujer junto con su gran capacidad de amar al ser de color negro. Adentrándonos en la carga sensual de la obra pues como vemos, está rodeada de flechas ardientes, símbolo masculino por excelencia. Su gemelo es traspasado por una flecha, haciendo manar un torrente de sangre. Pierna; zona erógena femenina, flecha; símbolo masculino, herida manando, flechas ardientes alrededor, todo se une para mostrarnos un símbolo de penetración puro con alta carga sexual, dominado por Venus en el amanecer, con la luz de la transición de la noche al día, un ensueño, un retrato onírico en azul que, “vuelvo a repetir, bajo mi punto de vista”  la artista quizás nos esté representando un momento de éxtasis, después de un acto sexual.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

¿Podría ser la pérdida de la virginidad?

Los símbolos así me lo dicen:

Venus = Virgo.

Flechas = Símbolo masculino.

Flechas encendidas = Ardor masculino.

Flores = Símbolo femenino: (Blancas = Virginidad; – Rosas = Poesía, romanticismo; – Rojas = Pasión).

Herida = Penetración.

Sangre = Desfloramiento, pérdida de la virginidad.

Sangre en la punta de la lanza = Eyaculación.

Como he comentado varias veces esto es todo bajo mi punto de vista después de contemplar la obra durante un rato, admirando cada detalle de ella, me gustaría que me escribieseis abajo, en los comentarios, vuestros puntos de vista junto con vuestras sensaciones y así conversamos un rato sobre arte.

Hasta la próxima.

Atte: Arsenal Le Comte

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Los signos del Zodiaco – Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989)

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Tauro” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Salvador Dalí

Los signos del zodiaco (1967) – Litografías sobre papel gouache

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en una madrugada, era la primavera del año 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: “A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí”.

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Capricornio” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Niño adelantado a su tiempo, a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce estudia las obras de Picasso y se hace cubista y a los quince se convierte en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes reproducciones con ya un marcado estilo personal, para la sección titulada “Los grandes maestros de la Pintura”.

Pero hoy no voy a poneros su biografía pues se merecería una entrada inmensa, sino que lo voy a centrar en la última etapa de su vida artística y en especial a estas 13 litografías representando a los signos del zodiaco.

En 1967, el publicista Leon Amiel encargó a Salvador Dalí una serie de litografías con un tema muy especial, los signos del zodiaco. En esta galería podemos ver el resultado de esta interpretación surrealista muy inspirada en la Edad Media, sobre todo en Géminis que lo pinta como un hermafrodita.  Leo (vitriolo verde, símbolo de la piedra filosofal), Piscis (Pez sin huesos, el azufre naciente) y el cangrejo de Cáncer se vuelve la langosta lunar. Esta serie limitada de 250 ejemplares del excéntrico genio que era de signo Tauro, todavía puede comprarse por varios miles de dólares aquí

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “El Zodiaco” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Bajo su estética singular y que tanto lo caracterizo que fue el surrealismo, Dalí dejó otro gran legado no solo en pinturas y esculturas, sino también en ilustraciones e intervenciones fotográficas, trabajos que pocos conocen.

Dentro de ese gran abanico de obras que no son tan conocidas se encuentran este juego de 13 litografías en papel gouache que realizó el genio en 1967,  como ya comenté antes bajo encargo de un publicista llamado León Amiel.

Dichas litografías las ejecutó de acuerdo a la tendencia que se tenia en ese entonces, ya que durante los sesenta muchas personas eran fieles seguidores de la astrología y creían en lo que los astros les deparaba.

Esta cosmología de Dalí, se inicia a mediados de los años 60, siendo el último período de su vida en el que conservó la lucidez y estuvo en condiciones de comprender el mundo que le rodeaba, es cuando se interesa por el movimiento hippy y, más adelante, por la teoría de las catástrofes. De este período surgieron sus últimas grandes telas, en especial, La Pesca del Atún un cuadro en el que evoca la nueva era de Acuario anunciada por los profetas de la contracultura. Este penúltimo Dalí se siente, él mismo, hippy y está dispuesto a ser considerado como el profeta de los hippis, pero es el período, paralemente, en el que su desbarajuste interior aumenta hasta lo indecible. Su fin está próximo.

La pesca del atún

Aquí os dejo un video en el que presenta su última gran obra “La pesca del atun” en el que podemos apreciar lo tronado que estaba ya el Divino Salvador Dalí

Esta obra monumental fue el Summun que realizó sobre su era de Acuario, la cual está cargada de símbolos, Necesitó dos veranos el de 1966 y el de 1967 para acabar esta tela plagada de personajes dionisíacos. Es una especie de testamento, el resultado de 40 años de experiencia apasionada en la investigación pictórica. Dalí dice de ese cuadro: “Tras leer a Teilhard de Chardin, que según él, el universo y el cosmos eran limitados, me di cuenta de que precisamente esa limitación, contracción y límites del cosmos, hacían posible la energía, todas las partículas elementales poseen esta formidable energía hiperestética en virtud de esos mismos limites y contracciones. De alguna manera, esto nos libera de la angustia terrible extendida por Pascal, que consideraba que los seres eran insignificantes al lado del cosmos, y nos conduce a la idea de que todo el cosmos y el universo convergen en un punto que, en el caso presente, es “La pesca del Atún” ahí reside la energía terrorífica de este cuadro.

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – La pesca del Atún. 1966 – 67. Oleo sobre lienzo. 304 .x 404 cm. Fundación Paul Ricard, Bundol. Francia

La Era de Acuario,

verá la desaparición de las violencias sanguinarias.

Por el momento acabamos de asesinar al Pez“.

Salvador Dalí.

Bueno a lo que íbamos, es que es tan grande la obra de este genio que me salgo del tema central del post embebiéndome y quedándome maravillado con cualquiera de sus creaciones. Vale ya no me extiendo más y aquí os dejo una galería con las 13 litografías sobre papel gouache que creó Dalí en esta etapa tan ya estrmbótica de su vida.

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