La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

Arsenal Le Comte

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Arte en Fotografía – Caroline Knopf (Renaissance)

Renaissance en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Caroline Knopf (Serie, de nombre Renaissance) Arte en la Fotografía

El arte de los cuentos y narraciones a través de imágenes

Estaba esta mañana trasteando por mi página de Facebook, cuando en el apartado de noticias vi una imagen que compartió mi amiga Evita Medina en su muro de Facebook y al verla me dio algo que me ocurre siempre que algo me fascina, los estudiosos de estas cosas lo llaman Síndrome de Stendhal. Y me pasé varios minutos admirando esa belleza que os he puesto arriba en este post. Le pregunté que me diera detalles, pues al principio pensé que era una fotografía retocada con acrílicos por ella, pues como sabéis Evita Medina está tocada por la caricia de algún Dios y todo lo que realiza es sublime. A lo que ella me contestó que no, que la había visto por Pinterest y que la había compartido para desear un feliz viernes a sus contactos, (cosa que es un orgullo para mi ser uno de ellos) y a esta imagen le añadió una cita que me encantó. “Si precisas una mano, recuerda que yo tengo dos“. (San Agustin).

Renacimiento en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Bueno pues ya expuesta la razón por la que conocí esta obra,  como siempre que algo me gusta me puse a indagar, a buscar y recopilar información y esto es lo que conseguí para vosotros, los seguidores de Arsenal Le Comte Arts.

Caroline Knopf nació en el Sur de los Estados Unidos, creo que en Charleston, Carolina del Sur, cosa que ya os confirmaré más adelante a la espera de un correo que le envié para que me diera algunos detalles de su biografía que no tenía claros,  como es el año y lugar de nacimiento entre otras cosas. Estas raices sureñas y la rica tradición narrativa de esa zona de Estados Unidos, impregnan su trabajo como fotógraf@ contándonos bellas historias a través de la lente de su cámara.

Caroline Knopf en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La fotografía es también una tradición familiar, llamándole la atención ya de pequeña, pues su padre lo fue y su abuelo también, pues fue un fotógrafo de guerra que documentó la rendición japonesa a finales de la II Gerra Mundial.

Cuando se traslada a Nueva York, sus trabajos pronto llamaron la atención de una sociedad que busca una visión narrativa y creativa en imágenes. Esto la lleva a mantener largas relaciones laborales con Neiman Marcus, Conde Nast, Elle, entre otros monstruos de la moda, lo que la dio a conocer en galerías de París, Japón y Nueva york

Conde Nast en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La visión de Knopf es, en la fotografía actual, consumada y singular.  Su amplio conocimiento técnico está bien acompañado por su ojo para el detalle y amor por la moda. El pasado y el futuro se mezclan en su creación de imágenes atemporales.

Las historias que realiza pueden ser cortas como esta que os muestro, transmitiéndonos una emoción, plasmando alguna idea o un simple estado de ánimo. Pero es un elemento que logra llevar nuestro estado a otro nivel, dándole a la imagen un significado más valioso y trascendente, llevándole esta visión narrativa a crecer como fotógraf@ y ser mundialmente admirada y reconocida.

Romanticismo en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Estas imágenes que os estoy poniendo de Caroline Knopf son de una serie que como os digo en ellas, conmemoraba el 75º aniversario de la revista para novias Conde Nast Brides. Para celebrarlo, la revista convocó a varios fotógrafos que les hacen trabajos para que mostraran su arte con una idea inspirada en el estilo de la revista.

Trajes de novia en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Siendo elegida por la revista para realizar una tirada con sus fotografias, al ser la edición que más llamó la atención, llamada Renaissance al explorar y trabajar la idea de una novia renacentista,  inspirada en la vida en la Edad Media. Como si tuviera Caroline Knopf el dominio de los viajes en el tiempo, logra con su arte transportar a su modelo en el tiempo, mediante el uso sublime de maquillaje y vestuario, exhibiendo una floritura de opulentos vestidos, desde los tradicionalmente blancos y espumosos hasta los más coloridos adornados con artísticos bordados de flores.

La sesión contó también con el apoyo ni más ni menos que del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, “Metropolitan Museum of New York”  Cediendo sus instalaciones para realizar el reportaje y manteniendo una exhibición de arte basada en el amor en tiempos del Renacimiento. Esa exhibición constaba  de 150 obras maestras que incluyen pinturas, joyas, objetos, realizados desde el 1400 hasta mediados de siglo XVI, que celebran el amor en todas sus formas. Esa magnífica exposición exploraba los diferentes y excepcionales objetos inspirados en el amor durante el Renacimiento en Italia.

Novias en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Esto le valió a Caroline Knopf que su arte se reconociera mundialmente y fue premiada en Graphis Photography Annual.

Y que mejor que terminar esta entrada con saber como se inspira la artista, de sus propios labios:

las ideas detrás de una imagen se originan con una pieza de ropa, una pintura, un poco de visión que captura la imaginación y las imágenes se despliegan en mi mente como las páginas de un libro.

Metropolitan Museum en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides. Sublime composición tomando como decorado una cama de la muestra del Metropolitan Museum

Bueno pues por hoy creo que ya os he dejado algo para que paséis un rato agradable como lo pasé yo, si quereís saber más del arte que tiene esta fotógraf@ clicar AQUÍ  y también AQUÍ.

Si os ha gustado la entrada pues me dejáis comentarios bajo la entrada y si compartís en vuestros sitios de internet pues cara a Google me hacéis un favor del copón.

Venga saludos y hasta la proxima entrada

Arsenal Le Comte Arts

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La escultura funeraria, el arte de un adiós

Angel con su Game boy en Arsenal Le Comte Arts
Bellísima escultura de un cementerio de la zona de Madrid. Si alguien tiene más datos por favor me los pase y los añado. Posiblemente el autor sea del taller de Jesús Pizarro en la zona de Madrid, pues en su web se encuentra la imagen de este angel jugando con su Game boy.

El arte de un adiós

Arte funerario en cementerios, lugares tranquilos que nos transportan a otros sitios.

Al ir a un cementerio lo que más me ha hecho sentir en calma aparte de la paz que se respira en ellos, es ver  hermosos monumentos funerarios que destacan frente a sencillas lápidas nichos o estelas funerarias, personajes destacados de la sociedad del momento, políticos o bien personajes relacionados con el mundo del arte y la cultura que han permitido que éste adornara su última morada.

La escultura funeraria forma parte de las manifestaciones artísticas más antiguas de la humanidad. Es común en todas las épocas y en todas las sociedades sentir una gran fascinación incluso obsesión por el tema de la muerte, ya que procura realizar el mayor deseo de los hombres: permanecer eternamente presentes en la memoria de los vivos.

El arte funerario tenía una gran importancia, conociendo expresiones excepcionales desde las civilizaciones más antiguas (Egipto por ejemplo). Reflejando en cada una de estas expresiones, las creencias y las formas de ver la muerte de de cada una de las culturas en las que se desarrolló, todos los pueblos intentaban e intentan prepararse para la vida en el más allá y de algún modo permanecer en el mundo de los vivos como es en el caso de los cementerios, mediante exposiciones más o menos artísticas en sus enterramientos, llegando a su máxima expresión artística en Europa durante los siglos XV, XVI y XVII de las divinas manos de los grandes Miguel Angel, Bernini, Verrocchio, Borromini, Cortona y tantos otros grandes maestros.

Bernini en Arsenal Le Comte Arts
Gian Lorenzo Bernini.(Nápoles, 1598 – Roma, 1680). Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni. Mármol. 1671-1674. Capilla Altieri-Albertoni.
Iglesia de San Francisco a Ripa. Roma. Italia.

Esta representación artística, sufrió una marcada decadencia en el siglo XVIII. “Según mi punto de vista, después de los últimos monumentos funerarios de Bernini, poco hubo que valiera la pena en este arte hasta el siglo XIX“.

El historiador de arte Erwin Panofsky (Hannover, Alemania. 1892 – 1968) dijo poco antes de morir durante una de sus conferencias, que quien quisiera escribir la historia del arte de los siglos XVIII, XIX y XX, no podría encontrar su inspiración en los cementerios e iglesias. Con esto, quería recalcar su opinión de que el arte funerario, había alcanzado su máxima expresión y protagonismo en el Renacimiento, para luego ir cayendo en una nefasta conbinación de (pomposidad, sentimentalismo y arcaismo) lo cual hizo que perdiera el lugar destacado que tenía dentro de las bellas artes.

Ya bien entrado el siglo XIX esta tradición artístico cultural esperimenta un nuevo impulso al haber un profundo cambio en las prácticas funerarias occidentales (A grosso modo consistió en la emergencia de un llamemosle entre comillas “nuevo culto a los muertos” propiciado por la creación de cementerios a extramuros de las ciudades a los que se comenzó a visitar asiduamente)

Estos cementerios decimonónicos europeos y su radio de influencia como es América Latina, se llenaron de arquitecturas adornadas, bajo relieves y esculturas, hasta ya entrado el siglo XX.

Se suscitó un interés muy fuerte en las clases pudientes de la época que hizo que gran parte de la producción escultórica fuera destinada a los cementerios, sobre todo al llamemosle mercado americano, exportando una gran cantidad de figuras de mármol con destino a los cementerios del otro lado del Atlántico.

Barrio la recoleta en Arsenal Le Comte Arts
Escultura en el cementerio del barrio de La Recoleta en Buenos Aires Argentina.

Los gustos, la percepción de lo que es bello y qué no lo es, cambian con los tiempos, de pueblo en pueblo, de cultura a cultura, delimitando estos objetos artisticos la función y el rol social, las creencias y valores dentro de una cultura, en la que cobran un valor adicional como testimonios del paso de esa cultura que los creó e hizo posibles.
Bajo esta perspectiva el arte funerario y en especial el de los cementerios históricos adquieren una relevancia particular, permitiendo que nos asomemos a la vida de hombres y mujeres a los que se les rinde homenaje, a los que los construyeron, conocer sus costumbres, crencias,  junto con los valores de esa sociedad, se reconstruyen los momentos históricos en los que aparecieron, (por ejemplo la Dama de Elche y tantas otras obras de arte encontradasa en tumbas que nos permiten conocer mejor esa época histórica). Haciendo que estudiemos su iconografía, el espacio ocupado en el cementerio, la datación de su época, los materiales de los que están hechos y se utilizaban en ese periodo histórico, a través de su estructura y composición.

El angel de Sel en Arsenal Le Comte Arts
Francisco Cossío y Molina – Angel de bronce en el panteón de la familia Sel realizada en 1909,  se encuentra en el cementerio de La Ballena en Castro Urdiales, Cantabria España. Para saber más clic AQUÏ

Por ello pienso que los cementerios históricos, aunque no se hayan diseñado para ese fin son museos al aire libre, archivos históricos de la cultura material, lugares idóneos para el estudio de cambios culturales ya que nos dan esa información para su estudio las fechas de las lápidas, no siendo sólo sitios usados para enterramientos.
Con los cementerios decimonónicos se inaugura un cambio, una fase concreta de las prácticas funerarias nuestras, las occidentales que reflejan una preocupación por hacer de la muerte algo bello, digno, solemne y exquisito. El embellecimiento de los cementerios, el intento de procurar una “muerte poéticamente bella” a través de la escultura funeraria, permiten que encontremos un principio estético, no de lo que es o no es arte, sino como un hecho cultural, social, con un fin intencionado y con su respectiva consecuencia en la manera de pensar de la persona a la que va dedicada y el estudio de su autor.

El beso de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Joan Font Bernat – El beso de la muerte. Tumba del hijo de la familia Llaudet en Poble Nou Barcelona.
Un esqueleto alado, la muerte, en una actitud casi erótica besa la sien de un joven que se desploma. En torno al año 1930 la familia Llaudet perdió un hijo en plena juventud y quiso hacer una escultura para su tumba que representase los siguientes versos de jacinto verdaguer
“Más su joven corazón no puede más; en sus venas la sangre se detiene y se hiela y el ánimo perdido con la fe se abraza sintiéndose caer al beso de la muerte“
El encargo se hizo al taller familiar de esculturas de mármol de Jaume Barba, a quien desde siempre se le ha adjudicado la creación de la esta bella escultura, referencia en muchas exposiciones de arte funerario. Pero la obra maestra de dicho obrador (que contaba en los años 20 del siglo pasado con dos talleres, uno en Sant Gervasi y otro en Poblenou, cerca del cementerio, donde se hizo esta escultura) fue concebida por Joan Fontbernat, yerno del dueño y considerado el escultor más cualificado del taller, salvo la parte trasera de las costillas, de un realismo impactante, que fue esculpida por Artemi Barba, pariente también de Jaume.
La obra representa la muerte con alas (y no con el atributo de la guadaña como es tradicional) e intenta captar el momento en que el aliento abandona el cuerpo y la persona pasar a manos de la Muerte, que lo acoge con fuerza, casi cómo una enamorada.

 

En la actualidad, la banalización de la muerte, los recursos de las familias,  está llevando a nuestros cementerios a convertirse en auténticas colmenas, en las que ya no hay lugar para este tipo de escultura. El concepto de aprovechamiento del suelo ha llegado ya a estos lugares, lo que lleva a reducir al máximo el espacio, optando por una planificación impersonal, repetitiva y carente de imaginación, que se traduce en largas hileras de bóvedas y tumbas que aquí llamamos nichos.

Pero en estos cementerios siempre hay algunos sitios que se respetan por el valor artístico, historico y cultural que tienen. Muchos de ellos son declarados BIC “bien de interés cultural”,  e incluso se hacen visitas guiadas con el cada vez más en auge del sector del Necroturismo.

En este sector quiero destacar el cementerio monumental e histórico de Granada,  que este año ha sido seleccionado finalista en el II Concurso de Cementerios de España, en las categorías de monumento, escultura, historia documentada y actuación medioambiental. Y en especial a su guía Vanessa Jurado, pues gracias a ella tuve razón de las actividades que se llevan en ese lugar tan mágico como es el cementerio de Granada. Donde se realiza una visita guiada nocturna teatralizada que en cuanto pueda tengo que ir a ver. Si queréis más información clic AQUÍ y AQUÍ.

Cementerio de Granada en Arsenal Le Comte Arts
Momento de una representación nocturna en el cementerio de granada

Como curiosidad, el necroturismo, que así se denomina esta nueva corriente, da pie a numerosas anécdotas y momentos como por ejemplo ver a mujeres besar-tocar-frotar la tumba de Victor Noir en el monumental cementerio de Père Lachaise en París. Victor era un periodista del diario La Marseillaise, que murió a manos de Pierre Bonaparte tras una acalorada discusión por la defensa del honor del tío de Pierre, Napoleón Bonaparte. La estatua que cubre su tumba le muestra tumbado boca arriba, tal y como debió quedar tras el disparo. Al parecer, sobresalía de su entrepierna un bulto debido al tamaño de sus atributos, algo que ocasionó el rumor que decía que si una mujer lo tocaba aumentaba su fertilidad. De esta manera, la estatua, que durante un tiempo cercaron para evitar escenas subidas de tono, luce un brillo dorado en la boca y en la entrepierna debido a los roces y tocamientos a los que es sometida.

Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts
En el cementerio parisino de Père Lachaise se halla esta tumba, la de Victor Noir, periodista francés asesinado en 1870 por el primo hermano de Napoleón III .
La escultura muestra la forma exacta en la que quedó el periodista tras ser asesinado.
La tumba y la estatua que la cubre, es célebre por su generosa entrepierna y es visitada por cientos de mujeres,que subidas sobre la escultura y frotándose sobre la parte más llamativa, piden quedarse embarazadas, ya que se le atribuye el don de la fertilidad.

Algunos cementerios como este monumental Père Lachaise de París, están tan introducidos en la sociedad que para los habitantes de París es como si fuera un parque, donde familias enteras salen a pasear por él, siendo introducido en las visitas de los Tour Operators en sus excursiones principales a la ciudad de París, recibiendo más de dos millones de visitas anuales

Chopin, Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts.
Tumba de Chopin en el cementerio Père Lachaise de París

Y acabo esta entrada con la escultura de un gran escultor como es Josep Llimona i Bruguera (Barcelona 1864 – 1934) que siempre me ha fascinado, (Espero visitarlo algún día).

Se trata del Angel exterminador. Es una escultura de piedra de estilo Modernista, realizada en 1895, se levanta sobre los restos de un antiguo cementerio que a su vez está construido sobre los restos de una iglesia gótica en el municipio de Comillas en Cantabria. Por cierto os dejo esta curiosa historia del cementerio AQUÍ.

Angel. de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Josep Llimona i Bruguera (Barcelona. 1864 – 1934) – Angel exterminador 1895. Cementerio de Comillas. Cantabria.

Nos leemos en la próxima entrada.

Atte: Arsenal Le Comte

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Sabina Nore – En busqueda de la inmortalidad “Inmortal quest” – Simbolismo

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Sabina Nore

Pequeña biografia:

 

Sabina Nore nace en Belgrado, Serbia el 22 de Junio de 1974, pronto marcha a Viena, Austria, donde actualmente reside y trabaja.

De niña pasaba tiempo  visitando el taller de su tía, seducida por los aromas y la atmósfera mágica que de allí emanaba, cazando tesoros con el corazón, establecieron la base para su desarrollo artístico. Fascinada  con la diversidad de las culturas y de las personas, se enamoraba especialmente de todo lo que parecía diferente o exótico, ya fueran baratijas de paises lejanos, costumbres de tierras lejanas, buscando nuevas formas de acercarse a los viejos hábitos. Llevándole esta curiosidad convertida en pasión a interesarse por la psicología.

Va a clases de danza, no le acaba de gustar y cambia por el Hockey sobre hielo, en ambas sobresalió. Habla fluidamente tres idiomas: Alemán, Inglés y Serbio, su lengua natal. A los doce años estudia música en el conservatorio de Viena, Austria, uniéndose a las clases del Profesor Inge Scholl-Kremmel de guitarra clásica, extendiendo su talento y conocimiento, pero el foco de sus gustos y pasiones más firmes se mantuvo en las artes visuales, la psicología y la escritura. Llevándola pese a ser una gran figura musical, a dejar el conservatorio y centrarse en la pintura, estudiando bellas artes y psicología.

A la edad de 26 años se convierte en co-fundadora de una empresa internacional de diseño y desarrollo web, centrando su talento en las artes bajo modelos comerciales, aprendiendo el dificil arte de la codificación.

Su arte es tan versatil como su personalidad, pudiéndolo enfocarlo en varias tendencias, ya sea surrealista, fantástico o visionario, poético y otros, pero todo, absolutamente todo, impregnado con un gran carga de simbolismo, como la que lleva esta pintura impactante que he elegido de su amplia obra, la cual paso a analizar, eso si, siempre es un análisis bajo mi punto de vista, es la impresión que a mi me causa después de contemplarla largo y tendido. Si queréis saber más de la obra de esta artista, pinchad aquí y aquí.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Análisis

Mis impresiones de la obra:

Me impactó a primera vista esta obra, recordándome esta mujer guerrera a Palas Atenea. Detrás de la mujer guerrera vemos el planeta Venus en la cima de su trayectoría con una gran carga simbólica  ya que lo plasma la autora con un círculo, representando lo absoluto, la perfección, uniéndolo a la vestimenta guerrera de la mujer, símbolo de una dominación femenina que abarca toda la obra.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La escena representada como una mujer herida, sentada en un campo de batalla, sin disminuir para nada su dignidad por el hecho de estar herida, irradia un gran magnetismo, más allá de sus rasgos físicos ocultos por el yelmo, no causando indiferencia. Tiene flores en la mano, siendo otro símbolo de feminidad al igual que Venus. Podría parecer un símbolo de paz (pacifismo hippie representado con flores), pero no lo es, ya que la mujer lleva el casco en la cabeza,  sin duda la obra no lleva ningún mensaje de paz, sino que se afirma en el dominio de lo femenino en toda la pintura. Los colores para nada son cálidos, en su mayoria son frios, predominando los azules, símbolo del poder por su relación con el espacio, y el cielo, de  altura y profundidad por su relación con el cielo y el mar. Símbolo de poder para los egipcios, sus reyes se vestían con aderezos de color azul, significando para los simbolistas, lo intangible, lo etereo, la entereza y el cumplimiento de la palabra dada.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

El cabello revuelto muestra la energía y la fuerza de la mujer junto con su gran capacidad de amar al ser de color negro. Adentrándonos en la carga sensual de la obra pues como vemos, está rodeada de flechas ardientes, símbolo masculino por excelencia. Su gemelo es traspasado por una flecha, haciendo manar un torrente de sangre. Pierna; zona erógena femenina, flecha; símbolo masculino, herida manando, flechas ardientes alrededor, todo se une para mostrarnos un símbolo de penetración puro con alta carga sexual, dominado por Venus en el amanecer, con la luz de la transición de la noche al día, un ensueño, un retrato onírico en azul que, “vuelvo a repetir, bajo mi punto de vista”  la artista quizás nos esté representando un momento de éxtasis, después de un acto sexual.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

¿Podría ser la pérdida de la virginidad?

Los símbolos así me lo dicen:

Venus = Virgo.

Flechas = Símbolo masculino.

Flechas encendidas = Ardor masculino.

Flores = Símbolo femenino: (Blancas = Virginidad; – Rosas = Poesía, romanticismo; – Rojas = Pasión).

Herida = Penetración.

Sangre = Desfloramiento, pérdida de la virginidad.

Sangre en la punta de la lanza = Eyaculación.

Como he comentado varias veces esto es todo bajo mi punto de vista después de contemplar la obra durante un rato, admirando cada detalle de ella, me gustaría que me escribieseis abajo, en los comentarios, vuestros puntos de vista junto con vuestras sensaciones y así conversamos un rato sobre arte.

Hasta la próxima.

Atte: Arsenal Le Comte

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Venganza bajo juramento – Francesco Hayez, (Venecia, Italia. 1791 – 1882)

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento. 1851. Óleo sobre lienzo. 237 x 178 cm. Firmado y fechado: Fran. Hayez / en Venezia 1851 Liechtenstein Museum –  Palacio de verano de Liechtenstein.  – Liechtenstein.

Francesco Hayez pintó esta magnífica obra en Venecia en el año 1851, “Venganza bajo juramento”.  La composición está dominada por las dos figuras de tamaño natural casi en su centro, su tratamiento detallado del fondo, desencadena un fondo sugerente de los palacios venecianos junto con una bella fuente.

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Venganza bajo juramento – Detalle del fondo de la obra donde se aprecia el buen gusto de Hayez al interpretar los clásicos palacios venecianos.

Hayez, también, era un maestro de la representación de las distintas cualidades de los diversos tipos de tela,  apreciamos como destaca partiendo del patrón de las flores del vestido, por medio del brillo de la seda, a la transparencia del velo.

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Magnífico nivel de detalle en esta trasparecia del velo del vestido, teniendo como fondo la fuente o pileta.

Hayez estaba íntimamente relacionado con el mundo del arte vienés de este período. Había llegado a Viena en 1836 con el fin de contribuir al proceso de reforma puesto en  marcha luego en la Academia de Bellas Artes, y fue presentado al emperador por el príncipe Metternich.

Los pintores vieneses de este período también estaban atentos a la evolución del resto de Europa y el conocimiento de lo que se estaba pintando en Inglaterra, en Francia y en Italia aseguraron una cierta apertura para encontrar su reflejo en la obra producida en Viena.

Es por referencia al arte producido en este periodo en otros países por lo que somos capaces de hacer comparaciones significativas. Tal referencia amplia nos proporcionan los criterios que nos permiten reconocer la importancia y la calidad de la pintura de la era Biedermeier en Viena, incluso para los estándares establecidos por el presente contexto internacional.

Esta pintura pertenece a  una serie inspirada en una novela inédita de Andrea Maffeil. Es parte de un tríptico sobre el amor y la venganza, junto con la Acusación secreta, ahora en la Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía, y La venganza de un rival (La Mujer de Venecia), el paradero de esta tercera obra es actualmente desconocido.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – La acusación secreta. 1847-1848. Óleo sobre lienzo. 153 × 120 cm. Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía. Italia

 

En esta parte que nos ocupa del tríptico, Raquel (enmascarada y con el vestido de flores) ha informado a María (que llevaba un velo), sobre el engaño de su amante. Maria ha quitado la máscara de su cara y está empujando a Raquel distanciándola. En el marco de la obra original, apareció un verso de Maffei con las siguientes palabras: “via dal mio cor si vil pensiero” – “destierra de mi corazón tan vil pensamiento”.

 

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, excepcional el nivel de detalle de las máscaras.

Una figura silueteada en un balcón en el fondo parece estar alejada del drama. Las actividades del canal, desiertas, no existen, creando un espacio semiprivado en el que se revelan los secretos, pero sólo para algunos…

Las colecciones del Principado de Liechtenstein  contienen grandes obras de arte europeo que abarca cinco siglos, encontrándose entre las colecciones privadas más importantes del mundo. Que data del siglo XVII, teniendo sus raíces en el Barroco ideal de mecenazgo principesco de las artes. Durante generaciones, la Casa de Liechtenstein ha nutrido constantemente este ideal, añadiendo sistemáticamente a las participaciones de la colección de acuerdo con una política de adquisiciones un activo que continúa hasta nuestros días. Esto permite que existan áreas focales de la colección a ampliarse y mejorarse a través de la adquisición de obras de arte de la más alta calidad, garantizando así el atractivo perdurable de las colecciones del Principado.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, detalle del busto de María.

Atte: Arsenal Le Comte

José Casado del Alisal – Los dos Caudillos

Gonzalo Fernández de Córdoba ante el cadáver del duque de Nemours o también "Los dos caudillos

José Casado del Alisal (Palencia, 1832 – 1886) – Los dos caudillos. 1866. Óleo sobre lienzo. 256 x 382 cm. Museo nacional del Prado. Madrid, España. Cedido al Palacio del Senado.

También conocido como “Gonzalo Fernández de Córdoba ante el cadáver del duque de Nemours” el cual actualmente se encuentra en el palacio del senado.

Cuando Casado fue nombrado profesor de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid estaba ejecutando este lienzo, presentado a la Exposición Nacional de 1866, consiguiendo una primera medalla.
Casado del Alisal logró con esta pintura un nuevo éxito tras su Rendición de Bailén . Reduciendo los personajes a los estrictamente esenciales para la narración, volvía a lo más puro del romanticismo pictórico. A esta tendencia contribuyen la situación de los protagonistas en primer término, la simplicidad del paisaje de fondo, el idealismo de los modelos humanos y la simplicidad de la composición, basada en la diagonal en que dispone las figuras.

El artista repitió en esta obra la estructura de un cuadro de tema idéntico realizado en 1835 por su maestro Federico de Madrazo, aunque algunas figuras como el paje con el cuerpo muerto delatan la influencia de la pintura del romanticismo francés.

Gonzalo Fernández de Córdoba ante el cadáver del duque de Nemours (detalle)

Detalle de la obra de José Casado del Alisal – Los dos caudillos, que representa al paje del Conde de Nemours sujetando a su señor en presencia del Grán Capitán. (Gonzalo Fernandez de Córdoba)

Historia:

Luis de Armagnac, duque de Nemours, cayó muerto de un tiro de arcabuz durante la batalla que el 28 de abril de 1503 mantuvieron las tropas francesas a su mando en la pequeña localidad italiana de Ceriñola, defendida por el ejército español a las órdenes de don Gonzalo Fernández de Córdoba, en una de las batallas más importantes ganadas por las tropas españolas enviadas a Italia por los Reyes Católicos para recuperar el reino de Nápoles, arrebatado por los franceses a la corona española. Al día siguiente del enfrentamiento, con las primeras luces del alba, el Gran Capitán recorrió con sus oficiales el campo de batalla, sembrado con casi 3.000 muertos y heridos. El general español encontró el cadáver desnudo de su enemigo y lo mandó trasladar a la iglesia de San Francisco de Barletta, donde fue inhumado con todos los honores de su rango.

Los dos caudillos (detalle)

Detalle de los dos caudillos en el cual se representa a Gonzalo con la mano sobre la crin de su caballo, mirando a su amigo el Conde de Nemours en la batalla de Ceriñola

En esta escena, Casado inmortaliza el reconocimiento y el respeto del general español vencedor hacia el valor del enemigo, derrotado y muerto en combate. El Gran Capitán ha descendido de su caballo para contemplar el cadáver del duque. El fiel paje que levanta la cabeza del vencido se dirige a don Gonzalo en actitud implorante. A la derecha encontramos varios oficiales españoles que contemplan el episodio desde sus caballos

Los dos caudillos (detalle)

Detalle de la obra “Los dos caudillos” que representa en primer término al Gran Capitán desmontado del caballo en señal de respeto hacia su adversario. Detrás a la derecha, se aprecian varios oficiales españoles que contemplan el episodio desde sus caballos

Casado emplea una diagonal para organizar la composición, arrancando desde la figura del paje arrodillado, continuándola con el caballo, la cabeza del Gran Capitán y las figuras de los generales. Otra diagonal arranca desde la esquina superior izquierda, dirigiéndose en profundidad hacia la zona contraria, acentuada por las figuras de los soldados que se dirigen al fondo.

Detalle de los soldados

Detalle de la parte superior izquierda de “Los dos caudillos” en el cual parte una diagonal desde la esquina superior izquierda, dirigiéndose en profundidad hacia la zona contraria, acentuada por las figuras de los soldados que se dirigen al fondo, con un gran juego de luces del amanecer.

El pintor ha reducido la escena a los principales personajes que aparecen en primer plano, simplificando el paisaje del fondo de suaves llanuras en las que se aprecian movimiento de tropas y lejano humo de incendios. Las influencias de Velázquez en los caballos y de los románticos franceses en los cadáveres siguen presentes en la obra de Casado, apreciándose ecos de Federico de Madrazo en el dibujo y el color.

El cuadro fue adquirido por el Estado en 1.600 escudos, siendo cedido años más tarde al Senado.

Fuente: Museo del Prado y Foros Xerbar.

Atte: Arsenal Le Comte Arts.