Maestros de la luz – Michael de Bono, renacimiento contemporaneo

Otro gran artista para la serie “Maestros de la luz” en Arsenal Le Comte Arts.

Michael de Bono, renacimiento contemporaneo.

Michael de Bono en Arsenal Le Comte Arts "Maestros de la luz"

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – Juego de luces, óleo sobre panel de madera.

Creo que salta a la vista observando sus obras porqué me he decidido encasillar a este artista en la serie de grandes Maestros de la luz, aunque sea un artista contemporáneo y no pertenezca a la época de los grandes del Renacimiento tanto flamenco cómo italiano, pero si bebiendo de ellos.

Michael de Bono nació en Caerphilly, Inglaterra  en 1983, donde vivió durante un corto tiempo antes de trasladarse a Cardiff.

Aprendizaje

Se enseño a pintar viviendo y trabajando en el Pais de Gales, lentamente a traves de pruebas y errores, practicando desde muy temprana edad con el dibujo. Enseguida se queda prendado de los maestros italianos y flamencos renacentistas. Van Eyke, Memling, Leonardo y Giorgione son los autores que más admira hasta la época de Caravaggio. Pues estos artistas pintan con mucho refinamiento y acentúan la forma realista y natural en que aparecen las personas y objetos a la vista.

La elegancia, la primacía del mundo natural, un marcado énfasis en los efectos de la luz, le hacen realizar bellas pinturas al óleo dotándolos de una intimidad en la luz y la expresión que me invitan a reflexionar largamente, embelesado sobre su contexto narrativo, siendo por ello que lo catalogo dentro de los grandes Maestros de la luz contemporáneos.

Michael de Bono. Maestros de la luz en arsenallecomte.com

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – The Gathering, óleo sobre panel de madera

Naturalidad

El naturalismo que transmite este pintor, no es un fin en si mismo, no es algo vacío de contenido, sino que Michael de Bono lo utiliza cómo un medio de llevar,  lo que quiere decirnos con su obra a la vida, nos narra una historia de una acción llena de juegos de luces, colores magistralmente mezclados que dan vida propia a una acción cotidiana cómo puede ser el escanciar dos copas de vino en la obra que os he puesto arriba de este párrafo, dotándolo de una naturalidad tan suave que acaricia el observar ese simple gesto.

Esta forma de expresarse la asimiló al observar por primera vez la obra de Caravaggio “Cena en Emaús” que se puede admirar en la Galería Nacional de Londres. Esta obra le causó una fuerte impresión perdurable hasta el dia de hoy en su mente, tratando de emularla en sus espléndidas obras.

Caravaggio, Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Caravaggio (1571 – 1610) – Cena de Emaús. 1601. Óleo sobre lienzo. 141 x 196 cm. National Gallery de Londres Inglaterra.

Y hasta aquí este artículo dedicado a este artista contemporaneo, que lo encuadro dentro de la sección los Maestros de la luz.¿Conocias este artista? ¿Sabes algo más de sus obras? Déjalo en comentarios y así nos informamos toda la comunidad.

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  • Si deseas saber más del artista, AQUÍ te dejo su web.

  • AQUÍ su Twitter.

  • Y te dejo un album con sus obras AQUÍ

Venga un saludo y hasta otra próxima entrada. Dewww

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Arte en Fotografía – Caroline Knopf (Renaissance)

Renaissance en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Caroline Knopf (Serie, de nombre Renaissance) Arte en la Fotografía

El arte de los cuentos y narraciones a través de imágenes

Estaba esta mañana trasteando por mi página de Facebook, cuando en el apartado de noticias vi una imagen que compartió mi amiga Evita Medina en su muro de Facebook y al verla me dio algo que me ocurre siempre que algo me fascina, los estudiosos de estas cosas lo llaman Síndrome de Stendhal. Y me pasé varios minutos admirando esa belleza que os he puesto arriba en este post. Le pregunté que me diera detalles, pues al principio pensé que era una fotografía retocada con acrílicos por ella, pues como sabéis Evita Medina está tocada por la caricia de algún Dios y todo lo que realiza es sublime. A lo que ella me contestó que no, que la había visto por Pinterest y que la había compartido para desear un feliz viernes a sus contactos, (cosa que es un orgullo para mi ser uno de ellos) y a esta imagen le añadió una cita que me encantó. “Si precisas una mano, recuerda que yo tengo dos“. (San Agustin).

Renacimiento en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Bueno pues ya expuesta la razón por la que conocí esta obra,  como siempre que algo me gusta me puse a indagar, a buscar y recopilar información y esto es lo que conseguí para vosotros, los seguidores de Arsenal Le Comte Arts.

Caroline Knopf nació en el Sur de los Estados Unidos, creo que en Charleston, Carolina del Sur, cosa que ya os confirmaré más adelante a la espera de un correo que le envié para que me diera algunos detalles de su biografía que no tenía claros,  como es el año y lugar de nacimiento entre otras cosas. Estas raices sureñas y la rica tradición narrativa de esa zona de Estados Unidos, impregnan su trabajo como fotógraf@ contándonos bellas historias a través de la lente de su cámara.

Caroline Knopf en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La fotografía es también una tradición familiar, llamándole la atención ya de pequeña, pues su padre lo fue y su abuelo también, pues fue un fotógrafo de guerra que documentó la rendición japonesa a finales de la II Gerra Mundial.

Cuando se traslada a Nueva York, sus trabajos pronto llamaron la atención de una sociedad que busca una visión narrativa y creativa en imágenes. Esto la lleva a mantener largas relaciones laborales con Neiman Marcus, Conde Nast, Elle, entre otros monstruos de la moda, lo que la dio a conocer en galerías de París, Japón y Nueva york

Conde Nast en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La visión de Knopf es, en la fotografía actual, consumada y singular.  Su amplio conocimiento técnico está bien acompañado por su ojo para el detalle y amor por la moda. El pasado y el futuro se mezclan en su creación de imágenes atemporales.

Las historias que realiza pueden ser cortas como esta que os muestro, transmitiéndonos una emoción, plasmando alguna idea o un simple estado de ánimo. Pero es un elemento que logra llevar nuestro estado a otro nivel, dándole a la imagen un significado más valioso y trascendente, llevándole esta visión narrativa a crecer como fotógraf@ y ser mundialmente admirada y reconocida.

Romanticismo en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Estas imágenes que os estoy poniendo de Caroline Knopf son de una serie que como os digo en ellas, conmemoraba el 75º aniversario de la revista para novias Conde Nast Brides. Para celebrarlo, la revista convocó a varios fotógrafos que les hacen trabajos para que mostraran su arte con una idea inspirada en el estilo de la revista.

Trajes de novia en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Siendo elegida por la revista para realizar una tirada con sus fotografias, al ser la edición que más llamó la atención, llamada Renaissance al explorar y trabajar la idea de una novia renacentista,  inspirada en la vida en la Edad Media. Como si tuviera Caroline Knopf el dominio de los viajes en el tiempo, logra con su arte transportar a su modelo en el tiempo, mediante el uso sublime de maquillaje y vestuario, exhibiendo una floritura de opulentos vestidos, desde los tradicionalmente blancos y espumosos hasta los más coloridos adornados con artísticos bordados de flores.

La sesión contó también con el apoyo ni más ni menos que del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, “Metropolitan Museum of New York”  Cediendo sus instalaciones para realizar el reportaje y manteniendo una exhibición de arte basada en el amor en tiempos del Renacimiento. Esa exhibición constaba  de 150 obras maestras que incluyen pinturas, joyas, objetos, realizados desde el 1400 hasta mediados de siglo XVI, que celebran el amor en todas sus formas. Esa magnífica exposición exploraba los diferentes y excepcionales objetos inspirados en el amor durante el Renacimiento en Italia.

Novias en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Esto le valió a Caroline Knopf que su arte se reconociera mundialmente y fue premiada en Graphis Photography Annual.

Y que mejor que terminar esta entrada con saber como se inspira la artista, de sus propios labios:

las ideas detrás de una imagen se originan con una pieza de ropa, una pintura, un poco de visión que captura la imaginación y las imágenes se despliegan en mi mente como las páginas de un libro.

Metropolitan Museum en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides. Sublime composición tomando como decorado una cama de la muestra del Metropolitan Museum

Bueno pues por hoy creo que ya os he dejado algo para que paséis un rato agradable como lo pasé yo, si quereís saber más del arte que tiene esta fotógraf@ clicar AQUÍ  y también AQUÍ.

Si os ha gustado la entrada pues me dejáis comentarios bajo la entrada y si compartís en vuestros sitios de internet pues cara a Google me hacéis un favor del copón.

Venga saludos y hasta la proxima entrada

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Virgen o Madonna del Magnificat – Sandro Botticelli.

Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Uffizi, Florencia. Italia.
Aquí se aprecia la fina obra de orfebreria realizada con hilo de oro, sobre la cabeza de la virgen y la corona.

Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510)

Virgen del Magnificat o Madonna del Magnificat

Es una de las grandes obras del maestro renacentista del Quattrocento italiano. La obra es lo que se llama un TONDO o cuadro circular, teniendo 118 cm de diámetro, por lo cual las figuras representadas en la obra son casi de tamaño natural. Está realizada al temple con hilo de oro sobre panel de madera o tabla.

En la actualidad se encuentra en la galería de los Uffizi de Florencia en Italia.

Tondo de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, 1481. Tondo al temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia.

La obra muestra unos contornos bien definidos con presencia de bastantes curvas debido a su composición circular. Destaca la luz producida por los colores, que son una preciosa mezcla de cálidos y frios, predominando los rojos y los azules, los cuales crean un juego destacado de luces dando una sensación más cercana y recogida, al combinarlos con la luz procedente del exterior que nos da una sensación más mundana y alejada, prestando gran atención  a los detalles, siendo un fina labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos, realizados con finos hilos de  oro.

Detalle de uno de los angeles
Sandro Botticelli (Florencia, Italia.. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Aquí apreciamos el fino trabajo de orfebreria realizado con hilo de oro sobre la cabeza de los ángeles.

Botticelli creo esta obra sobre 1480, siendo uno de los cuadros  más famosos de su época, ya que fue motivo de muchas réplicas, de las cuales han llegado hasta nuestros días, cinco de ellas.

La obra fue cubierta con abundante pintura, hilos y pan de oro. Contiene como ya dije antes figuras de tamaño casi natural, siendo la virgen coronada por dos ángeles sin alas cómo reina de los cielos. La corona es un delicado trabajo de orfebreria con pintura e hilo de oro como bien podéis apreciar en la imagen con la que abro esta entrada, que consiste en multitud de estrellas, siendo una alusión a la “Stella Matutina” (Estrella de la mañana), uno de los himnos de la época dedicados a María.

Destaca la proporción de las figuras, haciendo que aquellas de mayor importancia devocional como son la virgen y el niño sean de mayor tamaño que las demas, creando en tan poco espacio una solución tan compleja delante de la ventana de piedra, que podemos mirar por ella hacia fuera, entre María y los ángeles de la izquierda, dejándonos ver un amplio panorama trazado con las reglas de la perspectiva atmosférica, influenciado por los grandes maestros flamencos de la época.

Detalle de los angeles de la izq. de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. “Detalle”. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Detalle de los tres ángeles de la izquierda de la obra.

En esta obra crea un dinamismo espectacular, los tres angeles de la izquierda se mueven hacia la madre y el niño. El de la parte delantera está arrodillado, sosteniendo un libro abierto y un tintero. La virgen es animada por el niño Jesús para que moje la pluma y escriba las últimas palabras del “Magnificat” (De ahí le viene el nombre a la obra), que comienza en la página de la derecha con la gran “M” inicial, dándole esa acción un movimiento fluido a la obra. A continuación os dejo un detalle para que lo aprecieis.

Detalle de las manos de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de las manos de la virgen y el niño animándola a escribir el Magnificat

Tenemos otro detalle simbolista excepcional, debajo de la obra apreciamos como la madre y el niño sostienen ambos una granada, con toda la carga simbólica que ello conlleva. Ambos celebran ese símbolo de la pasión, símbolo también de la resurrección, sumándose al estado de ánimo básico con el que desea Botticelli introducirnos, de melancolía y meditación con la pintura, haciendo que la virgen nos anticipe la pasión por la que pasará su hijo, concentrada en escribir, dejando entrever el lugar importante que ella ocupa.

Detalle de la granada en las manos de la virgen y el niño en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de la granada sostenida por la virgen y el niño, símbolo de pasión y de la resurrección. (Disculpar pues al agrandar la imagen se pixeló algo, pero se aprecia aún bien el detalle de la fruta)

En el fondo de la imagen se nos abre un paisaje, donde permite tener al observador una visión del paisaje exterior. Estos paisajes presentes en algunas de sus obras, nos apuntan a las influencias que en Botticelli ejercieron los grandes maestros flamencos de la época, como fueron Jan van Eyck, Rogier van der Weyden y Hubert van der Goes.

Las relaciones comerciales entre Italia y los paises bajos, habían sido muy intensas desde el siglo XV. Haciendo que muchos mercaderes y banqueros florentinos, viajasen hacia el norte. Entre los recuerdos que estas personas se traian de sus viajes, eran pinturas que revelaban otras concepciones e ideales artísticos. Los pintores italianos, particularmente admiraban la ejecución detallada de los motivos pictóricos individuales, la confección realista de las figuras en las imágenes, y el efecto de la atmósfera de los paisajes, tomando prestadas algunas ideas de sus colegas del norte de los Alpes y adaptándolas a su forma de pintar.

Detalle del ange de la derecha de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle del rostro del angel de la derecha, posiblemente sea Lorenzo el mágnifico

Esta obra fue la más cara y costosa que Botticelli creo en toda su vida, por lo que nos hace adivinar que el empleo liberal del oro en la obra, sin restricciones, habría sido por deseo expreso de la persona que encargó el trabajo. Se dice, que están idealizados los retratos de los hijos de los Medici. La cabeza de la figura detrás de la Virgen es el retrato de Lorenzo el Magnífico en su juventud. Glorificando su nombre con el Magnificat que la virgen escribe.

El Magnificat que escribe la virgen es el siguiente, (Os lo pongo traducido del Latín):

Mi alma glorifica al Señor,
Y mi espíritu se regocija en Dios mi Salvador.
Porque ha mirado la humillación de su esclava,
Porque he aquí, ahora todas las generaciones
me llamarán bienaventurada.
Porque el Poderoso ha hecho obras grandes por mí,
y santo es su nombre.
Y su misericordia es de los que le temen
de generación en generación.
Él hace proezas con su brazo.
Él dispersa a los soberbios
en el pensamiento de sus corazones.
Quitó los poderosos de sus tronos
y exaltó a los humildes.
Ha llenado el hambre con las cosas buenas;
ya los ricos los despide vacíos.
Él ha ayudado a Israel su siervo,
acordándose de la misericordia;
Como habló a nuestros padres,
a Abraham y a su descendencia para siempre.

Gloria al Padre y al Hijo y al Espíritu Santo.
Como era en el principio, ahora y siempre será,
un mundo sin fin.
Amén

Saludos y hasta la próxima entrada.

Arsenal Le Comte Arts

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Fernando Yañez de la Almedina – Santa Catalina.

Yañez de la Almedina - Santa Catalina

Fernando Yañez de la Almedina. (Almedina, España. 1475 – 1540) – Santa Catalina. Entre 1505 – 1510. Óleo sobre tabla. 212 x 112 cm. Museo del Prado, Madrid, España

Fernando Yañez de la Almedina. (Almedina, España. 1475 – 1540). fue un destacado pintor renacentista que introdujo en España las enseñanzas de Leonardo da Vinci después de regresar de Italia en 1506. Ese año se instaló en Valencia y realizó en colaboración con Fernando de los Llanos el Retablo de los Santos Médicos para la iglesia catedral basílica metropolita de la Asunción de Nuestra Señora de Valencia. Entre 1526 y 1531 trabajó en la catedral de Santa María y San Julián de Cuenca, destacando el Retablo La adoración de los pastores. Su obra maestra es la que aquí os traemos, Santa Catalina (realizada entre 1505 y 1510).

La historia de Catalina, santa de origen oriental que murió en el siglo IV en Alejandría, fue popularizada en Occidente por la “Leyenda Dorada”, una célebre recopilación de vidas de santos escrita en latín en el siglo XIII por el dominico genovés Santiago de la Vorágine.

Catalina nació en el seno de una familia ilustre, ya que, según la tradición, era de sangre real. Ya desde niña se había entregado al estudio de las artes y las ciencias, adquiriendo con el tiempo extensos y profundos conocimientos en estas materias.

Maximino II, que compartía por entonces la corona imperial con Constantino el Grande y con Licinio, había elegido la ciudad de Alejandría como capital de su parte del Imperio. Pronto inició la persecución de los cristianos y ordenó la matanza de todos aquellos que se negaran a ofrecer sacrificios a los dioses.

Catalina, que se había convertido al cristianismo, se presentó ante el emperador, mantuvo con él una larga digresión sobre las verdades de la fe cristiana, y se negó a adorar a los dioses. Más tarde, en público debate, confundió con sus argumentos a cincuenta sabios paganos, por lo que es considerada patrona de la Filosofía.

Tras una serie de avatares, la Santa fue finalmente condenada a sufrir una terrible tortura. El emperador ordenó que fuera colocada entre cuatro ruedas cuajadas de agudísimos clavos y de pequeñas sierras dentadas, con la idea de que dos girasen en un sentido y las otras dos en sentido contrario; de esta forma Catalina, colocada en medio, quedaría destrozada. En el instante en que se puso en funcionamiento tan siniestro aparato, un ángel hizo saltar las ruedas, con tal fuerza, que, al dispersarse los fragmentos, mataron a cuatro mil espectadores, todos ellos paganos. Santa Catalina murió finalmente decapitada en el año 307 y su cuerpo fue transportado por los ángeles al monte Sinaí.

Sus atributos específicos son: una rueda rota con púas aceradas en recuerdo de su tormento, la espada con la que fue decapitada, un libro y una corona que aluden respectivamente a su sabiduría y a su estirpe real. La palma sobre el libro, que aquí la acompaña, es atributo generalizado de los santos mártires.

Esta Santa Catalina ha sido considerada unánimemente por la crítica como una de las figuras más bellas del Renacimiento español. Fue realizada por Fernando Yáñez de la Almedina, un pintor castellano que trabajó un tiempo en Valencia en la primera mitad del siglo XVI, y al que se le supone una primera formación en Florencia, tal vez en el taller de Leonardo da Vinci.

Yáñez de la Almedina representa a santa Catalina en primer término de cuerpo entero de pie, delante de una arquitectura, en la parte baja renacentista, asemejando mármol, y en la parte alta morisca, imitando piedra y ladrillo. Aparecen los símbolos martiriales que identifican a santa Catalina: a sus pies la rueda dentada y en su mano derecha la espada con la que fue decapitada; otros símbolos son la corona, que alude a su ascendencia real, el libro en referencia a su sabiduría y la palma que dice que murió siendo virgen. Santa Catalina está vestida con telas lujosas para simbolizar su origen aristocrático; las telas son pesadas, en color azul, oro y rojo, adornadas al modo morisco, con motivos epigráficos; la santa recoge con su mano derecha la túnica formando pliegues angulosos; y adornada con nimbo, velo y un collar de perlas, oro y piedras preciosas. La disposición vertical de santa Catalina se compensa con el movimiento suave de los brazos y la monumentalidad por la expresión leonardesca y  mirada delicada

Detalle de Santa Catalina donde apreciamos la escuela de Leonardo y la mirada delicada de la figura

Detalle de Santa Catalina donde apreciamos la escuela de Leonardo y la mirada delicada de la figura

La trascendencia artística de Santa Catalina se debe a que le sirvió a Yáñez de la Almedina para introducir en España el estilo leonardesco, como se refleja en el rostro y la sonrisa de la santa.

Se desconoce para quién fue pintada esta tabla. Sí se tiene constancia de que, ya en el siglo XVIII, fue comprada en Valencia a la familia Creixell por el grabador Vicente Peleguer. Pasó luego a la colección del marqués de Casa Argudín, quien la llevó a Cuba, y, tras su regreso a España, la conservó en su domicilio de Madrid.

En 1923 estuvo expuesta en el Museo del Prado, y en 1946 fue adquirida a los herederos del marqués de Casa Argudín por el Ministerio de Educación Nacional.

Fuente de algunos apuntes: Museo del Prado, Madríd, España.

Estudio de mujer. Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) o bien Leonardo da Vinci (1452–1519)

Leonardo y Giovanni

Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) o bien
Leonardo da Vinci (1452–1519) – Estudio de mujer. Entre 1498 y 1502. Lápiz negro, carbón, y tizas de varios colores, lavado con blanco en papel preparado. 54,5 X 40,5 cm. Biblioteca Ambrosiana de Milán, Italia.

En este boceto al igual que con al autor, existe controvérsia, pues no se sabe a ciencia cierta quien es la mujer retratada. Existen dos posibles candidatas:

Probablemente se trate de Isabel de Aragón, también conocida como Isabel de Nápoles. (Princesa de Nápoles, Duquesa de Milán y de Bari, Princesa de Rossano y pretendiente al título de Reina de Jerusalem por la rama napolitana. (1470-1524).

Y probablemente también pueda ser Lucrecia Borgia. (Señora de Pésaro y Gradara, Princesa de Salernao, Duquesa de Ferrara, Bisceglie, Modena y Reggio). (1480 – 1519).

Tambien la autoría es una incertidumbre, pues aunque se afirma que pertenece a Leonardo da Vinci, en la epoca que entró al servicio de Cesar Borgia.  También se baraja la posibilidad que fuera de su discípulo, Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516)

En 1502 Leonardo da Vinci, después de haber trabajado durante varios años para Ludovico Sforza, duque de Milán, entra al servicio de Cesar Borgia como ingeniero militar, para la construcción de las fortalezas papales. Con Ludovico Sforza, Leonardo llevó a cabo funciones similares como consejero de fortificaciones pero además, fue maestro de festejos y banquetes donde pudo llevar a cabo su viejo sueño de comandar una cocina para experimentar con nuevos ingredientes, sabores y recetas.

Conociendo estos antecedentes Cesar Borgia requirió sus servicios, además para los que fuera contratado, teniendo en cuenta el permanente afán de investigación que siempre imperó en la vida de este genio.

La tarea encomendada consistía en elaborar un veneno que no fuera percibido por los probadores de comidas que estaban al servicio de la nobleza y eclesiásticos, acosados por enemigos que pretendían usurparles cargos, tronos o simplemente para vengarse de alguna trastada. Entonces tenemos a Leonardo encargado de fabricar los famosos venenos de la familia y por ende los de Lucrecia, encargándole ella un retrato del cual Leonardo hizo este estudio pero al acabar mal la historia del veneno sin sabor que ya contaré en otra entrada, se deterioró la relación con la familia, dejando de estar a su servicio en 1503, sin haber comenzado el retrato de Lucrecia.

También se baraja la posibilidad que Leonardo hicera este boceto tomando como modelo a Isabel de Aragón, pues se la señala como uno de los posibles modelos de Leonardo para su Mona Lisa pues Leonardo fue el pintor de la corte del Duque de Milán durante 11 años. Alimenta también esta hipótesis la leyenda de que Isabel se casó clandestinamente con Leonardo, naciendo de esta relación dos hijos y tres hijas, pero esto son todo conjeturas.

Luego también existe la posibilidad que la obra fuese realizada por su discípulo Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516).  Pues el parecido del dibujo con las obras de virgenes con el niño que realizaba tomando como modelo la cara de Isabel de Nápoles, es muy grande.

Virgen con el niño de Boltraffio - National Gallery de Londres

Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) – Virgen con el niño. Entre 1493 y 1499. Óleo sobre panel de madera. 92 X 67cm. National Gallery de Londres.
Aquí vemos el gran parecido entre los dos retratos.

Boltraffio como pintor de la corte del ducado de Milán utiliza el rostro de Isabel de Aragón, duquesa de Milán, para desarrollar la composición facial de la virgen, ya que en aquella época los pintores solo podían representar como santos a personas relevantes; en el caso del ducado de Milán, solo la familia Sforza podía ser retratada como santos.

Atte: Arsenal Le Comte Arts