La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

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La academia de Platón – El arte de Jean Delville

La academia de Platón de Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Historia de la belleza – La academia de Platón. 1898

Obra super cargada de simbolismo,  del maestro Jean Delville.

Hace ya bastante tiempo leí “Historia de la belleza”  de Umberto Eco (Un gran libro que aunque ilustrado con cientos de excelentes imágenes de obras maestras de todos los tiempos,  no es una historia del arte.  Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, desde Pitágoras hasta nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas, canones, estilos y formas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica). Pues dicho esto, casi al final de la historia en la página 322 aparece este cuadro pintado por el simbolista, seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía, Jean Delville, llamada “La academia de Platón” 1898.

Bélgica fue, a fines del siglo XIX, uno de los grandes focos del simbolismo europeo. La obra, pictórica y literaria, de Jean Delville expresa de éste la vertiente más esotérica. A mediados de los años 1880, el descubrimiento por el artista del mundo simbolista Parisino, y las relaciones que entabla, le hacen romper con el naturalismo heredado de su formación académica.
De modo que su amistad con  Sâr Péladan y su frecuente participación en los Salones de la Rosacruz, demuestran su adhesión a un arte de ideas, dedicado a la evocación más que a la descripción.

Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts.

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Jean Delville nació en la ciudad belga de Lovaina, trasladándose a Bruselas a los seis años. Ya adulto, vivió principalmente en el suburbio de Bruselas “del Bosque”, pasando también algunos años en París, Roma, Glasgow y Londres. Desde muy joven su habilidad artística era excepcional.  Se formó académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans y de Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,… dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889. Comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de Bruselas cuando tenía doce años, continuando allí hasta 1889 y ganó varios premios.  Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

La academai de Platón en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Con lo cual dicho todo lo anterior llegamos a esta colosal obra que creo que fue el SUMMUN de su carrera.

La academia de Platón, es un óleo sobre lienzo espectacular, haciendo 2,60 metros de altura por 6,05 metros de ancho. Esta impactante obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, perteneciente a la colección de Hervé Lewandowski. En la web del museo reza esta leyenda, dicen que esta al pie de la obra en el museo, más como esta obra la vi de lejos, pues debido a su gran tamaño, es así como hay que verla, al ser un viaje organizado, con las prisas de los guias, no le presté atención y no lo se cierto, si alguien lo puede corroborar que lo ponga debajo en comentarios:

(La Escuela de Platón, decoración destinada a la Sorbona que jamás se colocó).

Disculpas por si la traducción de esta leyenda no es la correcta pues hace tiempo que no utilizo el Francés y con ayuda del Santo Google Translate, hice lo que pude de la información de la web del Museo d´Orsay.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Se puede observar cómo asocia el artista la figura del filósofo griego con la imagen habitual de Jesucristo, además de ilustrar a la perfección el componente erótico de la filosofía platónica. En su pintura hay un gusto evidente por lo oculto y la Iniciación, siendo cada detalle de la obra debido a su gran nivel, otra obra en si, por ello he seleccionado fragmentos de la obra para que se pueda apreciar y estudiar más a fondo.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

La academia de Platón, es además de un título, una obra sobrecogedora. Sus dimensiones monumentales, la ambición de su propósito, una interpretación de la filosofía clásica vista por el prisma del ideal simbolista, señalan en seguida la singularidad de la obra. Se nos manifiesta  proclamando  sus referencias en cada pincelada, de Rafael a Puvis de Chavannes; pero embelleciéndolas con una extraña seducción de una gama cromática obviamente irreal. La ambigüedad que se desprende de este manierismo de fin de siglo, nubla a propósito, cualquier frontera entre pureza y sensualidad.

Aquí os dejo una galería con fragmentos con bastante resolución de la obra y podréis apreciar el nivel de detalle del artista. Haced clic para agrandar las imágenes.

AQUÍ os dejo un enlace por si queréis adquirir el libro de Umberto “Historia de la belleza

Nos leemos en la próxima entrada. Atte: Arsenal Le Comte.

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El arte de Toshiyuki Enoki – Emociones de Occidente en Oriente

Arte oriental en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Héroe 2010. Tecnicas de grabado orientales con técnicas de arte occidentales, usando acrílicos y hojas de pan de oro sobre lienzo.

Sentimientos entre Oriente y Occidente

Fuerte simbolismo usando tenicas ancentrales oirentales con toques maestros occidentales.

Toshiyuki Enoki nace en Tokyo Japón en 1961. Se formó en los estrictos estilos ancestrales de arte japoneses, por ello podemos decir que su obra lleva impresa la historia pictórica del japón, desde la era Muromachi donde nos deleita con sus espectaculares obras monocromáticas de sus grabados en tinta, pasando por la era Azuchi-Momoyama fascinándos con el uso del pan de oro y lápices de oro carácterísticos de esa época como principales fuentes de estilos, sin olvidarse de guiños hacia las eras o periodos Edo y Meiji con su occidentalización.

Completa esta unificación de estilos y disciplinas orientales con la introducción de usos occidentales como pueden ser los acrílicos con sus diferente estilos de trabajo, la introducción de personajes de la cultura occidental como  las hadas, los seres mitólogicos o sus modelos de rasgos occidentales.

Era Muromachi en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Caballo en invierno. Grabado monocromático en tinta china y pan de oro, realizado golpeando agujas en cañas sobre papel antiguo chino. Como os decía fiel al estilo de la era Muromachi. Magnífica la representación de este caballo en una mañana de invierno, plasmando el vapor que sale de su cuerpo jadeante como si una locomotora se tratase. Recordad que es un grabado a caña menos el hilo de oro de las riendas.

Enoki tiene un estilo de arte muy personal, creando un sutil trabajo con elementos de la pintura tradicional japonesa (tinta, agujas, cañas, papel etc…) y de la pintura e ilustración contemporanea occidental.

Su paleta de colores es suave, de colores cálidos y muy limitados, optando por una exuberante flora o acogedoras telas utilizando sútiles matices en tonos sepia, que nos evocan según mi forma de ver su obra, la forma en que se ve el mundo cuando los párpados nos pesan, al entrarnos sueño antes de quedarnos dormidos. Pero a pesar de esa apariencia placida, pego un respingo que me despierta al observar el simbolismo de algunas de sus obras, cayendo en la cuenta que el trabajo de Enoki contiene elementos más oscuros e intrigantes. Por ejemplo,  en una pieza encuentro un personaje que tiene fuertemente atadas sus extremidades en posición supina. En otra, la cual me fascina y os la pongo a continuación, una mujer recibe el abrazo protector de un hombre, rodeados ambos por afilados espinos.

Toshiyuki Enoki - Rosas y espinas en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Flores y espinas 1987. Acrílico y tinta sobre lienzo

Gracias a los límites de su paleta de colores, nos permite en sus obras centrarnos en los detalles de sus texturas, maravillándome como dispersa el pan de oro por sus obras, evocándome de alguna manera los mosaicos bizantinos de la época del imperio, trayéndome además el recuerdo en algunas de sus obras a  eso que hace maravilloso al maestro Gustav Klimt. Consiguiendo crear con estas técnicas un universo en sus obras de magia y tranquilidad.

Invernalia en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Invernalia. Acrílico, tinta y pan de oro sobre lienzo. De la serie estaciones del año. Me evoca mucho al estilo de Klimt.

Las composiciones intimistas y misteriosas que son casi todas, son las que más éxitos le han dado, siendo un gran referente a nivel mundial pues ha expuesto en muchas galerias de Asia y de su país Japón en particular, así como en Europa y América. Llegando sus obras a ser muy cotizadas por coleccionistas tanto públicos como privados de todo el mundo.

Aquarium en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Aquarium. 1990. Acrílicos y pan de oro sobre lienzo.

Según el artista en esta obra (Aquarium):

El mar es el inicio del camino de la evolución de la vida. El mar es también un objetivo del ciclo diario de la circulación del agua. La vida evolucionó de la incursión del mar a la tierra, de pronto el cielo y se convirtió en el objetivo del universo“。

Toshiyuki Enoki

A continuación os dejo una pequeña galería de unas cuantas obras del artista. si queréis saber más sobre su obra, os dejo su sitio web AQUÍ, está en japonés, pero se navega instintivamente. Para ver más arte oriental en esta página de Facebook AQUÍ

Si os ha gustado la entrada me hacéis comentarios y  la compartís en vuestras redes sociales y sitios de internet y así me hacéis un favor del copón de cara a Google, gracias.

Nos vemos en la próxima entrada

 

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La penumbra del Arte – Stephen Mackey (Neo surrealismo)

El surrealismo de Stephen Mackey en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Óleo sobre madera

 

Stephen Mackey – La hermosura del miedo en el arte

La iluminacion de la penumbra en el surrealismo

Nace en Inglaterra, actualmente vive y trabaja en Manchester (Inglaterra), Stephen es un gran artista conocido por sus pinturas y dibujos que los voy a llamar realmente “dulcetenebrosos”, creando en ellos una atmosfera bien cargada de misticimo, haciendo etereo el miedo, realzado por el uso de colores apagados y ajustes muy personales de la fantasía.

Contre printemps en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Contre Printemps. Óleo sobre madera. Fantasmal y exquisita imagen
Voy a dejar los títulos originales de las obras sin traducirlas al español para que nos metamos en lo que deseas expresar el artista con sus títulos. Pueden llegar a ser un contrasentido, pero es lo que a mi por ejemplo, me hace ahondar más en la contemplación de la obra.

¿Miedo?

Sí, esa podría ser la primera sensación al primer instante de contemplar el retorcido (sin dejar de ser bello) mundo del artista, niños, gatos, supuestos murciélagos, supuestas mutilaciones, velos, cabezas tapadas, fantasmales criaturas. Todas ellas enigmáticas pinturas tenebrosas en las que recrea un mundo imaginario que vive en lo más escondido de sus neuronas, lo cual hace que nos presente una gran variedad de personajes que gracias al logrado detalle de las expresiones de sus caras, los colores que utiliza en ellos y los escenarios que nos presenta, adquieren un nivel tétrico que pocas veces habíamos visto.

Lady Canker en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Lady Canker. Óleo sobre madera. Visceral y bella imagen de una dulce joven con insectos en su cara y pelo

Esta faceta tétrica y oscura del autor contrasta y llama la atención con otros de sus trabajos por los que es mundialmente también reconocido, pues es escritor e ilustrador de cuentos para niños, donde las hadas y su mundo tan dulce e iluminado de fantasia lo han hecho un idolo entre los más jóvenes, es autor de la serie de cuentos “MIKI” siendo una serie de obras llenas de dulzor y poesia, deliciosamente expresado en sus ilustraciones.

Miki en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Miki, portada de uno de los libros que narran las peripecias de una muchacha esquimal y sus amigos los animales, destilando un dulzor y poesia realmente bello

Salvo cuando tiene que realizar libros que obviamente tiene que usar papel para sus trabajos, él prefiere el óleo y la madera, siendo pocas las obras que realiza sobre lienzos, en las cuales da vida a toda una serie de oscuras y surrealistas pinturas que al contemplarlas me siento transportado a una realidad donde nada es lo que parece, al estilo de Alicia de Lewis Carroll.

Stephen logra recrear una atmósfera tétrica cargada de misterio que me incita a intentar descubrir que hay más allá de los elementos que consta la pintura ya que tiene el maravilloso arte de presentarnos una historia sin ser demasiado explicito y que poco a poco a medida que nos vayamos embebiendo dentro de ella crear  un toque digamos mágico variando el estilo y la tematica en la obra sin cesar, pero sin ningún caos, dejándonos con el sabor de querer investigar y descubrir nuevos elementos en ella.

Reina ciega en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The bind Queen. Óleo sobre madera. Me atrae mirarla, os la dejo a gran resolución pra que se pueda apreciar bien.

En las obras podemos apreciar cuerpos humanos con cabezas de animales, personajes escondidos, pequeñas y tétricas niñas posando como si fuesen adultos o cubiertas con sabanas simulando fantasmas; todo esto habitando lo que parecen ser desolados bosques y acompañado además, de lúgubres elementos como espejos, ventanas o velos, ¿Os imaginais algo más tenebroso usando todos esos elementos en una escena?

Retrato de niña con cabeza de gato en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Mademoiselle Moucheté. Óleo sobre madera

Sus obras también recuerdan el arte de los pintores flamencos y franceses como Johannes Vermeer, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Paul Delvaux, Odilon Redon, Cecil Beaton, los cuales se encuentran entre sus artistas favoritos. Y por citar algunos más contemporaneos, nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli o Mark Rayden entre otros.

Surrealismo en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Unspeakable Fortuna. Óleo sobre madera

No miento si os digo que su arte me llevó de viaje por el pais de las maravillas que Lewis Carroll soñó, aunque seguramente desde un punto de vista distinto. También me ha guiado junto a Edipo a intentar resolver el enigma de la esfinge, así como me ha hecho visitar a una sensual y elegante Perséfone que tiene la vista en la granada que la condenó.

Perséfone en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Sin duda alguna, Stephen Mackey logra transmitir miedo y angustia cuando saca el arte del Hyde que lleva dentro, cuando no está haciendo esas delicadas ilustraciones llenas de poesia y candor para sus cuentos,  se pasa al lado oscuro a través de sus tenebrosas pinturas, sensación que se ve acrecentada con la forma en la que titula cada una de sus obras, por lo que no he querido traducirlas para que no pierdan su contexto, haciéndonos conscientes que es claro el sentimiento que quiere provocar en aquel que como yo, admira su trabajo.

Si queréis saber más de él y su obra, haced clic AQUÍ, AQUÍ y AQUÍ.

También os dejo una pequeña galería de imágenes. Haced clic sobre ellas para verlas más grandes.

 

 

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nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli Mark Rayden …

Hechizos en la mirada – Carmen G. Junyent (Neo Pop)

Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Mirada de China.
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Mirada de China. Acrílico sobre lienzo. 92 x 72 cm

Carmen Gómez Junyent

Miradas del Mundo

Carmen Gómez Junyent nace en 1954 en Barcelona, España. Se considera dibujante y pintora autodidacta, cuya máxima expresión de su obra se centra en las miradas, ella mismo nos dice que la mirada es el espejo del alma y por ello intenta reflejar en un lienzo el alma de sus personajes, a traves de sus miradas.

Sus técnicas a lo largo de su carrera son variadas, Acuarela, Óleo, Pastel, mixta, decantándose al final por el acrílico sobre lienzo de algodón y el rotulador.

Artista: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - De la serie Glamour
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – De la serie Glamour. Rotulador y acrílico sobre madera. 20 x 20 cm.

Empezó sobre los años 80 realizando historietas cómicas junto con algunos retratos a lápiz y pastel.
Su primera pintura sobre un lienzo la realiza al óleo sobre los años 90, no deja de investigar sobre diferentes tecnicas y materiales, decantándose al final por los acrílicos que antes comenté, sintiéndose comoda con la pintura acrílica y el lienzo de Algodón.

Autora: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Mirada estelar, de la serie "Miradas de otros mundos".
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Mirada estelar, de la serie “Miradas de otros mundos”. Acrílico sobre lienzo. 92 x 73 cm.

Dado que sus colores son suaves y planos de una gran variedad cromática, ella misma define su arte como Pop Art o Neo Pop, siendo siempre realista. Para que os hagáis una idea, su paleta de colores es muy similar al autor surrealista Andrius-Kovelinas, del cual ya os haré una entrada.

Si algo nos llama la atención en su obra es “la mirada“. Carmen es una persona muy viajera y a recorrido muchos paises de Asia y Africa, exponiendo sus obras en algunos de ellos, como es el caso de la exposición que realizó en la 17 Feria Internacional del Lago Oeste“, en Hangzhou. China. De la cual se inspiró para realizar el fantástico trabajo “Mirada de China” un acrílico sobre lienzo de algodón con una viveza de coleres preciosos, predominando los azules y dorados, con la que encabezo esta entrada.

Autora: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Dulces pensamientos, de la serie "Arena y Mar
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Dulces pensamientos, de la serie “Arena y Mar”. Acrílico sobre lienzo 92 x 73 cm.

En estos viajes, con su cámara fotográfica acompañándola, ha realizado múltiples fotografías de rostros con miradas que le han cautivado por su transparencia y alegría, empezando a gestar en su interior una inspiración con alguna de esas miradas, poniendo en marcha la maquinaria de su imaginación que la obliga a plasmar sobre un lienzo los fondos, los colores, la expresión y la fuerza de esa mirada. Creando varias series de obras con ese título como son Miradas del mundo y miradas de otros mundos de las cuales os pongo unas pocas imágenes.

Artista: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - De la serie Glamour.
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – De la serie Glamour. Rotulador y acrílico sobre madera. 20 x 20 cm.

El cinco de Junio de 2015 o sea hoy, comienza una exposición junto a otros artistas en la galería; “BCM ART GALLERY” (Bailén nº 134 de Barcelona – Tno: 93-207 01 92), La exposición se llama; El Tiempo y el lugar. La cual dura hasta el 20 de Junio de 2015, así que si tenéis la oportunidad de visitar la exposición, váis a “flipar en colorines” con sus obras y las de los demás artistas que la componen.

Si os acercais hoy dia cinco, la podréis saludar personalmente a partir de las 19:30 en la presentación de la exposición.

Si queréis saber más de su obra tenéis su página personal AQUÍ. Su Blog AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ.

Su página de Facebook AQUÍ

Hasta la próxima entrada.

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La flor de la juventud – Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

La Flor de la juventud

Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La Flor de la Juventud es un título apropiado para esta bella obra. Una muchacha en la plenitud de la juventud, rodeada de flores en un lujoso interior, arranca delicadamente una flor de un jarrón de bronce. Este trabajo muestra la altura de las habilidades del artista en la que representa temas de género.

Detalle de La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

El rubor de color de rosa de sus mejillas, los tonos de color rosa de su vestido del siglo XVIII que meticulosamente muestran el reflejo de las flores que se extienden de un florero de bronce, sobre una mesa de mármol, con la acción de recoger flores como para hacer un ramo.

Detalle del jarrón de bronce de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Resaltan en las pinceladas la Belleza y la inocencia de la joven que se ponen en camino para deslumbrar en el espléndido y ecléctico ambiente, denotando un gusto sofisticado a la vez de un gran status social de la bella joven.

Detalle de las flores de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Ladislao von Czachorski

Ladislao nace en Grabowczyk un pueblecito de Lublin, Polonia, el 22 de Septiembre de 1850. Fue un pintor académico polaco.

Entre 1866 y 1867 estudia en la clase de carácteres de Rafał Hadziewicz en Varsovia. En 1868 se le encuentra en Dresden, de 1869 a 1873 está en Munich. De 1874 a 1877 viaja a Italia y a Francia, estableciéndose en Munich en 1879. Donde pronto se le reconoció como retratista de la burguesía adinerada de Munich, levantando envidias entres sus compañeros de profesión. Fue un representante de la pintura tardía del siglo XIX de la Escuela piloto de Munich – (Münchner Piloty-Schule). Recibiendo una cátedra honoraria de la Escuela de Bellas Artes de Munich. En 1893 fue galardonado con la Orden Vom Heilingen Michael.

Detalle del busto de la obra  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Pintó escenas de género, sobre todo retratos y naturalezas muertas, así como imágenes de las obras de Shakespeare, imitando el estilo de Gerard ter Borch. No mostrando en sus obras, influencias de las tendencias contemporáneas, sus obras están marcadas por un realismo y por  una precisión fotográfica. En su carrera repitió algunas obras que tuvieron éxito como esta que nos ocupa, con cambios menores,  de la cual os dejo otra obra que realizó sobre la década de 1880 a 1890, tocando el mismo tema.  Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Varsovia en Polonia.

Los críticos de arte debido a lo que os comenté antes que era el retratista de moda de la gente adinerada levantando por ello muchas envidias, lo acusaron de la banalidad de sus obras. Cosa que viendo estas dos obras que os dejo, el argumento cae por su propio peso.

Espero os gusten

Retrato de muchacha con vestido lila con flores
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) -Muchacha con vestido lila 1880 – 1890. Óleo sobre lienzo. 55 × 78 cm. Museo Nacional de Varsovia. Polonia.

Atte: Arsenal Le Comte Arts

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