Maestros de la luz – Michael de Bono, renacimiento contemporaneo

Otro gran artista para la serie “Maestros de la luz” en Arsenal Le Comte Arts.

Michael de Bono, renacimiento contemporaneo.

Michael de Bono en Arsenal Le Comte Arts "Maestros de la luz"

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – Juego de luces, óleo sobre panel de madera.

Creo que salta a la vista observando sus obras porqué me he decidido encasillar a este artista en la serie de grandes Maestros de la luz, aunque sea un artista contemporáneo y no pertenezca a la época de los grandes del Renacimiento tanto flamenco cómo italiano, pero si bebiendo de ellos.

Michael de Bono nació en Caerphilly, Inglaterra  en 1983, donde vivió durante un corto tiempo antes de trasladarse a Cardiff.

Aprendizaje

Se enseño a pintar viviendo y trabajando en el Pais de Gales, lentamente a traves de pruebas y errores, practicando desde muy temprana edad con el dibujo. Enseguida se queda prendado de los maestros italianos y flamencos renacentistas. Van Eyke, Memling, Leonardo y Giorgione son los autores que más admira hasta la época de Caravaggio. Pues estos artistas pintan con mucho refinamiento y acentúan la forma realista y natural en que aparecen las personas y objetos a la vista.

La elegancia, la primacía del mundo natural, un marcado énfasis en los efectos de la luz, le hacen realizar bellas pinturas al óleo dotándolos de una intimidad en la luz y la expresión que me invitan a reflexionar largamente, embelesado sobre su contexto narrativo, siendo por ello que lo catalogo dentro de los grandes Maestros de la luz contemporáneos.

Michael de Bono. Maestros de la luz en arsenallecomte.com

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – The Gathering, óleo sobre panel de madera

Naturalidad

El naturalismo que transmite este pintor, no es un fin en si mismo, no es algo vacío de contenido, sino que Michael de Bono lo utiliza cómo un medio de llevar,  lo que quiere decirnos con su obra a la vida, nos narra una historia de una acción llena de juegos de luces, colores magistralmente mezclados que dan vida propia a una acción cotidiana cómo puede ser el escanciar dos copas de vino en la obra que os he puesto arriba de este párrafo, dotándolo de una naturalidad tan suave que acaricia el observar ese simple gesto.

Esta forma de expresarse la asimiló al observar por primera vez la obra de Caravaggio “Cena en Emaús” que se puede admirar en la Galería Nacional de Londres. Esta obra le causó una fuerte impresión perdurable hasta el dia de hoy en su mente, tratando de emularla en sus espléndidas obras.

Caravaggio, Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Caravaggio (1571 – 1610) – Cena de Emaús. 1601. Óleo sobre lienzo. 141 x 196 cm. National Gallery de Londres Inglaterra.

Y hasta aquí este artículo dedicado a este artista contemporaneo, que lo encuadro dentro de la sección los Maestros de la luz.¿Conocias este artista? ¿Sabes algo más de sus obras? Déjalo en comentarios y así nos informamos toda la comunidad.

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  • Si deseas saber más del artista, AQUÍ te dejo su web.

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  • Y te dejo un album con sus obras AQUÍ

Venga un saludo y hasta otra próxima entrada. Dewww

Arsenal Le Comte Arts

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La penumbra del Arte – Stephen Mackey (Neo surrealismo)

El surrealismo de Stephen Mackey en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Óleo sobre madera

 

Stephen Mackey – La hermosura del miedo en el arte

La iluminacion de la penumbra en el surrealismo

Nace en Inglaterra, actualmente vive y trabaja en Manchester (Inglaterra), Stephen es un gran artista conocido por sus pinturas y dibujos que los voy a llamar realmente “dulcetenebrosos”, creando en ellos una atmosfera bien cargada de misticimo, haciendo etereo el miedo, realzado por el uso de colores apagados y ajustes muy personales de la fantasía.

Contre printemps en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Contre Printemps. Óleo sobre madera. Fantasmal y exquisita imagen
Voy a dejar los títulos originales de las obras sin traducirlas al español para que nos metamos en lo que deseas expresar el artista con sus títulos. Pueden llegar a ser un contrasentido, pero es lo que a mi por ejemplo, me hace ahondar más en la contemplación de la obra.

¿Miedo?

Sí, esa podría ser la primera sensación al primer instante de contemplar el retorcido (sin dejar de ser bello) mundo del artista, niños, gatos, supuestos murciélagos, supuestas mutilaciones, velos, cabezas tapadas, fantasmales criaturas. Todas ellas enigmáticas pinturas tenebrosas en las que recrea un mundo imaginario que vive en lo más escondido de sus neuronas, lo cual hace que nos presente una gran variedad de personajes que gracias al logrado detalle de las expresiones de sus caras, los colores que utiliza en ellos y los escenarios que nos presenta, adquieren un nivel tétrico que pocas veces habíamos visto.

Lady Canker en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Lady Canker. Óleo sobre madera. Visceral y bella imagen de una dulce joven con insectos en su cara y pelo

Esta faceta tétrica y oscura del autor contrasta y llama la atención con otros de sus trabajos por los que es mundialmente también reconocido, pues es escritor e ilustrador de cuentos para niños, donde las hadas y su mundo tan dulce e iluminado de fantasia lo han hecho un idolo entre los más jóvenes, es autor de la serie de cuentos “MIKI” siendo una serie de obras llenas de dulzor y poesia, deliciosamente expresado en sus ilustraciones.

Miki en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Miki, portada de uno de los libros que narran las peripecias de una muchacha esquimal y sus amigos los animales, destilando un dulzor y poesia realmente bello

Salvo cuando tiene que realizar libros que obviamente tiene que usar papel para sus trabajos, él prefiere el óleo y la madera, siendo pocas las obras que realiza sobre lienzos, en las cuales da vida a toda una serie de oscuras y surrealistas pinturas que al contemplarlas me siento transportado a una realidad donde nada es lo que parece, al estilo de Alicia de Lewis Carroll.

Stephen logra recrear una atmósfera tétrica cargada de misterio que me incita a intentar descubrir que hay más allá de los elementos que consta la pintura ya que tiene el maravilloso arte de presentarnos una historia sin ser demasiado explicito y que poco a poco a medida que nos vayamos embebiendo dentro de ella crear  un toque digamos mágico variando el estilo y la tematica en la obra sin cesar, pero sin ningún caos, dejándonos con el sabor de querer investigar y descubrir nuevos elementos en ella.

Reina ciega en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The bind Queen. Óleo sobre madera. Me atrae mirarla, os la dejo a gran resolución pra que se pueda apreciar bien.

En las obras podemos apreciar cuerpos humanos con cabezas de animales, personajes escondidos, pequeñas y tétricas niñas posando como si fuesen adultos o cubiertas con sabanas simulando fantasmas; todo esto habitando lo que parecen ser desolados bosques y acompañado además, de lúgubres elementos como espejos, ventanas o velos, ¿Os imaginais algo más tenebroso usando todos esos elementos en una escena?

Retrato de niña con cabeza de gato en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Mademoiselle Moucheté. Óleo sobre madera

Sus obras también recuerdan el arte de los pintores flamencos y franceses como Johannes Vermeer, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Paul Delvaux, Odilon Redon, Cecil Beaton, los cuales se encuentran entre sus artistas favoritos. Y por citar algunos más contemporaneos, nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli o Mark Rayden entre otros.

Surrealismo en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Unspeakable Fortuna. Óleo sobre madera

No miento si os digo que su arte me llevó de viaje por el pais de las maravillas que Lewis Carroll soñó, aunque seguramente desde un punto de vista distinto. También me ha guiado junto a Edipo a intentar resolver el enigma de la esfinge, así como me ha hecho visitar a una sensual y elegante Perséfone que tiene la vista en la granada que la condenó.

Perséfone en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Sin duda alguna, Stephen Mackey logra transmitir miedo y angustia cuando saca el arte del Hyde que lleva dentro, cuando no está haciendo esas delicadas ilustraciones llenas de poesia y candor para sus cuentos,  se pasa al lado oscuro a través de sus tenebrosas pinturas, sensación que se ve acrecentada con la forma en la que titula cada una de sus obras, por lo que no he querido traducirlas para que no pierdan su contexto, haciéndonos conscientes que es claro el sentimiento que quiere provocar en aquel que como yo, admira su trabajo.

Si queréis saber más de él y su obra, haced clic AQUÍ, AQUÍ y AQUÍ.

También os dejo una pequeña galería de imágenes. Haced clic sobre ellas para verlas más grandes.

 

 

Arsenal Le Comte Arts

Imagen grande del blog Arsenal Le Comte Arts

 

 

 

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nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli Mark Rayden …

La flor de la juventud – Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

La Flor de la juventud

Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La Flor de la Juventud es un título apropiado para esta bella obra. Una muchacha en la plenitud de la juventud, rodeada de flores en un lujoso interior, arranca delicadamente una flor de un jarrón de bronce. Este trabajo muestra la altura de las habilidades del artista en la que representa temas de género.

Detalle de La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

El rubor de color de rosa de sus mejillas, los tonos de color rosa de su vestido del siglo XVIII que meticulosamente muestran el reflejo de las flores que se extienden de un florero de bronce, sobre una mesa de mármol, con la acción de recoger flores como para hacer un ramo.

Detalle del jarrón de bronce de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Resaltan en las pinceladas la Belleza y la inocencia de la joven que se ponen en camino para deslumbrar en el espléndido y ecléctico ambiente, denotando un gusto sofisticado a la vez de un gran status social de la bella joven.

Detalle de las flores de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Ladislao von Czachorski

Ladislao nace en Grabowczyk un pueblecito de Lublin, Polonia, el 22 de Septiembre de 1850. Fue un pintor académico polaco.

Entre 1866 y 1867 estudia en la clase de carácteres de Rafał Hadziewicz en Varsovia. En 1868 se le encuentra en Dresden, de 1869 a 1873 está en Munich. De 1874 a 1877 viaja a Italia y a Francia, estableciéndose en Munich en 1879. Donde pronto se le reconoció como retratista de la burguesía adinerada de Munich, levantando envidias entres sus compañeros de profesión. Fue un representante de la pintura tardía del siglo XIX de la Escuela piloto de Munich – (Münchner Piloty-Schule). Recibiendo una cátedra honoraria de la Escuela de Bellas Artes de Munich. En 1893 fue galardonado con la Orden Vom Heilingen Michael.

Detalle del busto de la obra  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Pintó escenas de género, sobre todo retratos y naturalezas muertas, así como imágenes de las obras de Shakespeare, imitando el estilo de Gerard ter Borch. No mostrando en sus obras, influencias de las tendencias contemporáneas, sus obras están marcadas por un realismo y por  una precisión fotográfica. En su carrera repitió algunas obras que tuvieron éxito como esta que nos ocupa, con cambios menores,  de la cual os dejo otra obra que realizó sobre la década de 1880 a 1890, tocando el mismo tema.  Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Varsovia en Polonia.

Los críticos de arte debido a lo que os comenté antes que era el retratista de moda de la gente adinerada levantando por ello muchas envidias, lo acusaron de la banalidad de sus obras. Cosa que viendo estas dos obras que os dejo, el argumento cae por su propio peso.

Espero os gusten

Retrato de muchacha con vestido lila con flores
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) -Muchacha con vestido lila 1880 – 1890. Óleo sobre lienzo. 55 × 78 cm. Museo Nacional de Varsovia. Polonia.

Atte: Arsenal Le Comte Arts

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Chie Yoshii – Surrealistas y sincréticos mundos.

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Chie Yoshii (Japón) – Hermera. 2014. Óleo sobre cartulina. 30 x 22 cm. Exhibida en la galería de arte: William Baczek Fine Arts, Northampton, MA. USA.

Originaria de Japón, Chie Yoshii llegó a Estados Unidos en 1996 para asistir al Massachusetts College of Art and Design en Boston.

Comenzó su carrera como artista de efectos visuales en Los Angeles, pero finalmente cambió su enfoque a la pintura, su pasión primaria. Ha estudiado dibujo y pintura en varias escuelas, incluyendo el Art Center College of Design y Los Angeles Academy of Figurative Art. Su mentor fue Adrian Gotlieb, con el que estudió intensamente  de 2002 a 2008. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.

Currículum educativo:
Educación 2002-2008 Adrian Gottrieb de estudio, Los Angeles, CA

2000 BFA Massachusetts College of Art, Boston, MA

1997  Muestra en la Universidad Ritsumeikan, Kyoto, Japón 

18a noche Anual 2010 del The HeArt Project’s

• 2010 KAA Arte Expo

17a noche anual 2009 del The HeArt Project’s

2008 Premios KAA Art Expo 2000

  En el 2000 se gradúa con honores en Bookbuilders of Boston Scholarships

• 1999 Todos los premios escolares: Donis A. Dondis Académico A.

“Me inspiro en la analogía entre cuentos mitológicos y la psicología humana. En mis pinturas, uso capas de imágenes alegóricas creando mundos sincréticos, de ensueño. Además de las lineas físicas aún etéreas , los dibujos lineales presentan un carácter transitorio, para jugar con la mente. Una profusión de símbolos fuerza a las imágenes figurativas a ser abstractas en su conjunto, lo que permite a los espectadores crear sus propias interpretaciones personales”.

Chie Yoshii.  http://www.chieyoshii.com/

Atte: Arsenal Le Comte Arts.

 

Fernando Yañez de la Almedina – Santa Catalina.

Yañez de la Almedina - Santa Catalina

Fernando Yañez de la Almedina. (Almedina, España. 1475 – 1540) – Santa Catalina. Entre 1505 – 1510. Óleo sobre tabla. 212 x 112 cm. Museo del Prado, Madrid, España

Fernando Yañez de la Almedina. (Almedina, España. 1475 – 1540). fue un destacado pintor renacentista que introdujo en España las enseñanzas de Leonardo da Vinci después de regresar de Italia en 1506. Ese año se instaló en Valencia y realizó en colaboración con Fernando de los Llanos el Retablo de los Santos Médicos para la iglesia catedral basílica metropolita de la Asunción de Nuestra Señora de Valencia. Entre 1526 y 1531 trabajó en la catedral de Santa María y San Julián de Cuenca, destacando el Retablo La adoración de los pastores. Su obra maestra es la que aquí os traemos, Santa Catalina (realizada entre 1505 y 1510).

La historia de Catalina, santa de origen oriental que murió en el siglo IV en Alejandría, fue popularizada en Occidente por la “Leyenda Dorada”, una célebre recopilación de vidas de santos escrita en latín en el siglo XIII por el dominico genovés Santiago de la Vorágine.

Catalina nació en el seno de una familia ilustre, ya que, según la tradición, era de sangre real. Ya desde niña se había entregado al estudio de las artes y las ciencias, adquiriendo con el tiempo extensos y profundos conocimientos en estas materias.

Maximino II, que compartía por entonces la corona imperial con Constantino el Grande y con Licinio, había elegido la ciudad de Alejandría como capital de su parte del Imperio. Pronto inició la persecución de los cristianos y ordenó la matanza de todos aquellos que se negaran a ofrecer sacrificios a los dioses.

Catalina, que se había convertido al cristianismo, se presentó ante el emperador, mantuvo con él una larga digresión sobre las verdades de la fe cristiana, y se negó a adorar a los dioses. Más tarde, en público debate, confundió con sus argumentos a cincuenta sabios paganos, por lo que es considerada patrona de la Filosofía.

Tras una serie de avatares, la Santa fue finalmente condenada a sufrir una terrible tortura. El emperador ordenó que fuera colocada entre cuatro ruedas cuajadas de agudísimos clavos y de pequeñas sierras dentadas, con la idea de que dos girasen en un sentido y las otras dos en sentido contrario; de esta forma Catalina, colocada en medio, quedaría destrozada. En el instante en que se puso en funcionamiento tan siniestro aparato, un ángel hizo saltar las ruedas, con tal fuerza, que, al dispersarse los fragmentos, mataron a cuatro mil espectadores, todos ellos paganos. Santa Catalina murió finalmente decapitada en el año 307 y su cuerpo fue transportado por los ángeles al monte Sinaí.

Sus atributos específicos son: una rueda rota con púas aceradas en recuerdo de su tormento, la espada con la que fue decapitada, un libro y una corona que aluden respectivamente a su sabiduría y a su estirpe real. La palma sobre el libro, que aquí la acompaña, es atributo generalizado de los santos mártires.

Esta Santa Catalina ha sido considerada unánimemente por la crítica como una de las figuras más bellas del Renacimiento español. Fue realizada por Fernando Yáñez de la Almedina, un pintor castellano que trabajó un tiempo en Valencia en la primera mitad del siglo XVI, y al que se le supone una primera formación en Florencia, tal vez en el taller de Leonardo da Vinci.

Yáñez de la Almedina representa a santa Catalina en primer término de cuerpo entero de pie, delante de una arquitectura, en la parte baja renacentista, asemejando mármol, y en la parte alta morisca, imitando piedra y ladrillo. Aparecen los símbolos martiriales que identifican a santa Catalina: a sus pies la rueda dentada y en su mano derecha la espada con la que fue decapitada; otros símbolos son la corona, que alude a su ascendencia real, el libro en referencia a su sabiduría y la palma que dice que murió siendo virgen. Santa Catalina está vestida con telas lujosas para simbolizar su origen aristocrático; las telas son pesadas, en color azul, oro y rojo, adornadas al modo morisco, con motivos epigráficos; la santa recoge con su mano derecha la túnica formando pliegues angulosos; y adornada con nimbo, velo y un collar de perlas, oro y piedras preciosas. La disposición vertical de santa Catalina se compensa con el movimiento suave de los brazos y la monumentalidad por la expresión leonardesca y  mirada delicada

Detalle de Santa Catalina donde apreciamos la escuela de Leonardo y la mirada delicada de la figura

Detalle de Santa Catalina donde apreciamos la escuela de Leonardo y la mirada delicada de la figura

La trascendencia artística de Santa Catalina se debe a que le sirvió a Yáñez de la Almedina para introducir en España el estilo leonardesco, como se refleja en el rostro y la sonrisa de la santa.

Se desconoce para quién fue pintada esta tabla. Sí se tiene constancia de que, ya en el siglo XVIII, fue comprada en Valencia a la familia Creixell por el grabador Vicente Peleguer. Pasó luego a la colección del marqués de Casa Argudín, quien la llevó a Cuba, y, tras su regreso a España, la conservó en su domicilio de Madrid.

En 1923 estuvo expuesta en el Museo del Prado, y en 1946 fue adquirida a los herederos del marqués de Casa Argudín por el Ministerio de Educación Nacional.

Fuente de algunos apuntes: Museo del Prado, Madríd, España.