Maestros de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

claude joseph vernet Maestros de la luz en arsenal le comte arts

Claude-Joseph Vernet, Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas (1753), óleo sobre lienzo. 96,5 x 134,6 cm

Maestro de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

La escena nocturna de la imagen, evoca un paisaje imaginado de la costa italiana, iluminado por el resplandor de la luna y sus plateados reflejos. Fue pintada por uno de los maestros de la luz, Claude-Joseph Vernet, el pintor de marinas más célebre de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando regresó a Francia tras una estancia de casi veinte años en Roma. Aclamado por los enciclopedistas de la Ilustración, como Denis Diderot, sus paisajes contribuyeron a estimular una sensibilidad prerromántica entre sus contemporáneos, mostrándoles los diferentes efectos lumínicos y atmosféricos en la naturaleza.

Claude Joseph Vernet Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789) – Calma en un puerto mediterraneo.

Miembro de una familia de artistas, Claude-Joseph Vernet recibió sus primeras lecciones en Aviñón, primero de su padre, Antoine Vernet, y luego de Philippe Sauvan, pintor de historia.

Tras este aprendizaje inicial Vernet comenzó a trabajar en Aix-en-Provence con el pintor de paisajes y marinas Jacques Viali. Su primer trabajo como pintor independiente fueron unas pinturas decorativas que realizó, en 1731, para el hotel del marqués de Simiani, en Aix-en-Provence, de las cuales dos de ellas se conservan in situ.

En. 1734, gracias a la protección del marqués de Caumont, Vernet viajó a Roma para completar su formación artística. Allí, enseguida, se integró en la comunidad de artistas franceses residentes en la ciudad y entre los miembros de la Academia de Francia. Hacia 1738, Vernet era ya un conocido pintor de paisajes y de marinas, que recibía encargos de importantes clientes, de distintas nacionalidades, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Gran parte de su clientela estaba también formada por británicos que realizaban el Gran Tour. Desde 1746, año de su admisión en la Academie Royale, Vernet expuso regularmente en el Salon, donde sus obras fueron muy bien acogidas por la crítica

Las marinas de Vernet, aunque herederas de la pintura de paisaje de historia de Claudio de Lorena, se basan en la observación de la naturaleza. Durante esa primera etapa romana, Vernet realiza muchas excursiones y viajes de trabajo para dibujar la campiña y la costa mediterránea desde Roma hasta Nápoles, registrando elementos que formarán la base de su repertorio para el resto de su carrera artística.

Poco. después de su regreso a Francia, en 1753, Vernet comenzó a trabajar por encargo del rey Luis XV en una serie de quince grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, conservadas en París, el Musée du Louvre, y en el Musée National de la Marine. Este ambicioso proyecto, que le ocupó más de diez años, le obligó a viajar por todo el país, hasta que en 1765 lo abandonó, dejando la serie incompleta. Durante el resto de su carrera Vernet continuó trabajando en sus temas preferidos: paisajes italianizantes, puertos y tormentas marinas.

Las marinas solían ser de dos tipos: mares en calma o mares tempestuosos. Estos últimos se convertían en el escenario de dramáticos naufragios, una amenaza real y muy frecuente en esta época en que las vías marítimas eran los principales medios de comunicación y transporte. Los naufragios en las series —pues siempre se incluía uno— constituían un contrapunto emocionante a las otras marinas en calma e ilustraban dos incipientes conceptos estéticos: lo sublime (que incitaba la sensación de horror en el espectador) y lo bello (procurando una sensación agradable y sosegada)

“Vernet sabe revivir tormentas, abrir las cataratas del cielo e inundar la tierra; también sabe, cuando quiere, disipar la tempestad y devolver la tranquilidad al mar, la serenidad a los cielos. Entonces toda la naturaleza, como saliendo del caos, se ilumina de una forma encantadora y vuelve a tomar todos sus encantos […]. ¡Qué serenos son sus días!, ¡qué tranquilas son sus noches!, ¡qué transparentes sus aguas! Él crea el silencio, el frescor y la sombra en los bosques. Se atreve sin miedo a colocar el sol o la luna en su firmamento. Le ha robado su secreto a la naturaleza; todo lo que ella produce, él puede repetirlo.”

Denis Diderot, Salones, 1759

La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

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La academia de Platón – El arte de Jean Delville

La academia de Platón de Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Historia de la belleza – La academia de Platón. 1898

Obra super cargada de simbolismo,  del maestro Jean Delville.

Hace ya bastante tiempo leí “Historia de la belleza”  de Umberto Eco (Un gran libro que aunque ilustrado con cientos de excelentes imágenes de obras maestras de todos los tiempos,  no es una historia del arte.  Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, desde Pitágoras hasta nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas, canones, estilos y formas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica). Pues dicho esto, casi al final de la historia en la página 322 aparece este cuadro pintado por el simbolista, seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía, Jean Delville, llamada “La academia de Platón” 1898.

Bélgica fue, a fines del siglo XIX, uno de los grandes focos del simbolismo europeo. La obra, pictórica y literaria, de Jean Delville expresa de éste la vertiente más esotérica. A mediados de los años 1880, el descubrimiento por el artista del mundo simbolista Parisino, y las relaciones que entabla, le hacen romper con el naturalismo heredado de su formación académica.
De modo que su amistad con  Sâr Péladan y su frecuente participación en los Salones de la Rosacruz, demuestran su adhesión a un arte de ideas, dedicado a la evocación más que a la descripción.

Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts.

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Jean Delville nació en la ciudad belga de Lovaina, trasladándose a Bruselas a los seis años. Ya adulto, vivió principalmente en el suburbio de Bruselas “del Bosque”, pasando también algunos años en París, Roma, Glasgow y Londres. Desde muy joven su habilidad artística era excepcional.  Se formó académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans y de Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,… dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889. Comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de Bruselas cuando tenía doce años, continuando allí hasta 1889 y ganó varios premios.  Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

La academai de Platón en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Con lo cual dicho todo lo anterior llegamos a esta colosal obra que creo que fue el SUMMUN de su carrera.

La academia de Platón, es un óleo sobre lienzo espectacular, haciendo 2,60 metros de altura por 6,05 metros de ancho. Esta impactante obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, perteneciente a la colección de Hervé Lewandowski. En la web del museo reza esta leyenda, dicen que esta al pie de la obra en el museo, más como esta obra la vi de lejos, pues debido a su gran tamaño, es así como hay que verla, al ser un viaje organizado, con las prisas de los guias, no le presté atención y no lo se cierto, si alguien lo puede corroborar que lo ponga debajo en comentarios:

(La Escuela de Platón, decoración destinada a la Sorbona que jamás se colocó).

Disculpas por si la traducción de esta leyenda no es la correcta pues hace tiempo que no utilizo el Francés y con ayuda del Santo Google Translate, hice lo que pude de la información de la web del Museo d´Orsay.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Se puede observar cómo asocia el artista la figura del filósofo griego con la imagen habitual de Jesucristo, además de ilustrar a la perfección el componente erótico de la filosofía platónica. En su pintura hay un gusto evidente por lo oculto y la Iniciación, siendo cada detalle de la obra debido a su gran nivel, otra obra en si, por ello he seleccionado fragmentos de la obra para que se pueda apreciar y estudiar más a fondo.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

La academia de Platón, es además de un título, una obra sobrecogedora. Sus dimensiones monumentales, la ambición de su propósito, una interpretación de la filosofía clásica vista por el prisma del ideal simbolista, señalan en seguida la singularidad de la obra. Se nos manifiesta  proclamando  sus referencias en cada pincelada, de Rafael a Puvis de Chavannes; pero embelleciéndolas con una extraña seducción de una gama cromática obviamente irreal. La ambigüedad que se desprende de este manierismo de fin de siglo, nubla a propósito, cualquier frontera entre pureza y sensualidad.

Aquí os dejo una galería con fragmentos con bastante resolución de la obra y podréis apreciar el nivel de detalle del artista. Haced clic para agrandar las imágenes.

AQUÍ os dejo un enlace por si queréis adquirir el libro de Umberto “Historia de la belleza

Nos leemos en la próxima entrada. Atte: Arsenal Le Comte.

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La flor de la juventud – Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

La Flor de la juventud

Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La Flor de la Juventud es un título apropiado para esta bella obra. Una muchacha en la plenitud de la juventud, rodeada de flores en un lujoso interior, arranca delicadamente una flor de un jarrón de bronce. Este trabajo muestra la altura de las habilidades del artista en la que representa temas de género.

Detalle de La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

El rubor de color de rosa de sus mejillas, los tonos de color rosa de su vestido del siglo XVIII que meticulosamente muestran el reflejo de las flores que se extienden de un florero de bronce, sobre una mesa de mármol, con la acción de recoger flores como para hacer un ramo.

Detalle del jarrón de bronce de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Resaltan en las pinceladas la Belleza y la inocencia de la joven que se ponen en camino para deslumbrar en el espléndido y ecléctico ambiente, denotando un gusto sofisticado a la vez de un gran status social de la bella joven.

Detalle de las flores de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Ladislao von Czachorski

Ladislao nace en Grabowczyk un pueblecito de Lublin, Polonia, el 22 de Septiembre de 1850. Fue un pintor académico polaco.

Entre 1866 y 1867 estudia en la clase de carácteres de Rafał Hadziewicz en Varsovia. En 1868 se le encuentra en Dresden, de 1869 a 1873 está en Munich. De 1874 a 1877 viaja a Italia y a Francia, estableciéndose en Munich en 1879. Donde pronto se le reconoció como retratista de la burguesía adinerada de Munich, levantando envidias entres sus compañeros de profesión. Fue un representante de la pintura tardía del siglo XIX de la Escuela piloto de Munich – (Münchner Piloty-Schule). Recibiendo una cátedra honoraria de la Escuela de Bellas Artes de Munich. En 1893 fue galardonado con la Orden Vom Heilingen Michael.

Detalle del busto de la obra  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Pintó escenas de género, sobre todo retratos y naturalezas muertas, así como imágenes de las obras de Shakespeare, imitando el estilo de Gerard ter Borch. No mostrando en sus obras, influencias de las tendencias contemporáneas, sus obras están marcadas por un realismo y por  una precisión fotográfica. En su carrera repitió algunas obras que tuvieron éxito como esta que nos ocupa, con cambios menores,  de la cual os dejo otra obra que realizó sobre la década de 1880 a 1890, tocando el mismo tema.  Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Varsovia en Polonia.

Los críticos de arte debido a lo que os comenté antes que era el retratista de moda de la gente adinerada levantando por ello muchas envidias, lo acusaron de la banalidad de sus obras. Cosa que viendo estas dos obras que os dejo, el argumento cae por su propio peso.

Espero os gusten

Retrato de muchacha con vestido lila con flores
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) -Muchacha con vestido lila 1880 – 1890. Óleo sobre lienzo. 55 × 78 cm. Museo Nacional de Varsovia. Polonia.

Atte: Arsenal Le Comte Arts

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Patricia Martinez Heredia – La expresión de Patricia

 

Patricia López Heredia - Vespa, Óleo sobre lienzo.

Patricia López Heredia – Óleo sobre lienzo. Haciendo clic en la imagen os lleva a su blog.

La Expresión de Patricia

El blog de Patricia Lopez Heredia

Esta es una entrada atípica, ya que es gratificante estar buceando en la red, en blogs, en busquedas de Google, en redes sociales y que te des de bruces con algo que os llama tanto la atención sin buscarlo, o sea que se os aparezca delante y os deje un rato mirándolo y os den ganas de saber más de ello.

Esto me pasó a mi con esta artista contemporánea que recién comienza a crear cosas serias en el mundo del arte.

Os cuento. Estaba buscando información sobre el “FIMO” ¿Que que es el fimo? Bueno en realidad Fimo es una marca, lo que pasa que a asumido el nombre del producto a nivel popular como por ejemplo, una carretilla elevadora a nivel popular es una “Fenwick” o una “Casera” es una gaseosa y todo el mundo lo entiende. El fimo es arcilla polimérica o arcilla de polímero, usada por muchos artistas, la mayoría para hacer esculturas, es como una plastilina moldeable que se endurece al calentarla en un horno.

Cómo os decía estaba buscando información y me apareció una entrada del blog de Patricia en la cual habla sobre el tema Aqui.

Me puse a hojearlo y poco a poco vi sus creaciones tanto a nivel de manualidades como de trabajar con lanas y otros productos como sus obras en bisutería.

Eso me llevó a descubrir sus inquietudes y gustos como es la lectura, en la cual coincido con ella en algunas obras de las que ha seleccionado en su blog.

También toma fotos, algunas de verdad son una maravilla, pero lo que más me gustó es descubrir su faceta como pintora. Pues se le nota algo especial en su manera de pintar que te lleva a mirar y remirar los detalles de sus obras. Mi opinión es que a poco que se cultive y coja soltura, será uno de los referentes en el panorama contemporáneo nacional. Por lo pronto sus obras más trabajadas me gustan, ya sea un óleo o una teja pintada o bien un trozo de madera, tiene una serie de obras infantiles que hacen la delicia de cualquier crio.

Como una imagen vale mas que mil palabras aquí os dejo un par de obras de Patricia. El resto lo podéis ver en su blog AQUÍ

Saludos. Atte: Arsenal Le Comte

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

 

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Sabina Nore – En busqueda de la inmortalidad “Inmortal quest” – Simbolismo

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Sabina Nore

Pequeña biografia:

 

Sabina Nore nace en Belgrado, Serbia el 22 de Junio de 1974, pronto marcha a Viena, Austria, donde actualmente reside y trabaja.

De niña pasaba tiempo  visitando el taller de su tía, seducida por los aromas y la atmósfera mágica que de allí emanaba, cazando tesoros con el corazón, establecieron la base para su desarrollo artístico. Fascinada  con la diversidad de las culturas y de las personas, se enamoraba especialmente de todo lo que parecía diferente o exótico, ya fueran baratijas de paises lejanos, costumbres de tierras lejanas, buscando nuevas formas de acercarse a los viejos hábitos. Llevándole esta curiosidad convertida en pasión a interesarse por la psicología.

Va a clases de danza, no le acaba de gustar y cambia por el Hockey sobre hielo, en ambas sobresalió. Habla fluidamente tres idiomas: Alemán, Inglés y Serbio, su lengua natal. A los doce años estudia música en el conservatorio de Viena, Austria, uniéndose a las clases del Profesor Inge Scholl-Kremmel de guitarra clásica, extendiendo su talento y conocimiento, pero el foco de sus gustos y pasiones más firmes se mantuvo en las artes visuales, la psicología y la escritura. Llevándola pese a ser una gran figura musical, a dejar el conservatorio y centrarse en la pintura, estudiando bellas artes y psicología.

A la edad de 26 años se convierte en co-fundadora de una empresa internacional de diseño y desarrollo web, centrando su talento en las artes bajo modelos comerciales, aprendiendo el dificil arte de la codificación.

Su arte es tan versatil como su personalidad, pudiéndolo enfocarlo en varias tendencias, ya sea surrealista, fantástico o visionario, poético y otros, pero todo, absolutamente todo, impregnado con un gran carga de simbolismo, como la que lleva esta pintura impactante que he elegido de su amplia obra, la cual paso a analizar, eso si, siempre es un análisis bajo mi punto de vista, es la impresión que a mi me causa después de contemplarla largo y tendido. Si queréis saber más de la obra de esta artista, pinchad aquí y aquí.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Análisis

Mis impresiones de la obra:

Me impactó a primera vista esta obra, recordándome esta mujer guerrera a Palas Atenea. Detrás de la mujer guerrera vemos el planeta Venus en la cima de su trayectoría con una gran carga simbólica  ya que lo plasma la autora con un círculo, representando lo absoluto, la perfección, uniéndolo a la vestimenta guerrera de la mujer, símbolo de una dominación femenina que abarca toda la obra.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La escena representada como una mujer herida, sentada en un campo de batalla, sin disminuir para nada su dignidad por el hecho de estar herida, irradia un gran magnetismo, más allá de sus rasgos físicos ocultos por el yelmo, no causando indiferencia. Tiene flores en la mano, siendo otro símbolo de feminidad al igual que Venus. Podría parecer un símbolo de paz (pacifismo hippie representado con flores), pero no lo es, ya que la mujer lleva el casco en la cabeza,  sin duda la obra no lleva ningún mensaje de paz, sino que se afirma en el dominio de lo femenino en toda la pintura. Los colores para nada son cálidos, en su mayoria son frios, predominando los azules, símbolo del poder por su relación con el espacio, y el cielo, de  altura y profundidad por su relación con el cielo y el mar. Símbolo de poder para los egipcios, sus reyes se vestían con aderezos de color azul, significando para los simbolistas, lo intangible, lo etereo, la entereza y el cumplimiento de la palabra dada.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

El cabello revuelto muestra la energía y la fuerza de la mujer junto con su gran capacidad de amar al ser de color negro. Adentrándonos en la carga sensual de la obra pues como vemos, está rodeada de flechas ardientes, símbolo masculino por excelencia. Su gemelo es traspasado por una flecha, haciendo manar un torrente de sangre. Pierna; zona erógena femenina, flecha; símbolo masculino, herida manando, flechas ardientes alrededor, todo se une para mostrarnos un símbolo de penetración puro con alta carga sexual, dominado por Venus en el amanecer, con la luz de la transición de la noche al día, un ensueño, un retrato onírico en azul que, “vuelvo a repetir, bajo mi punto de vista”  la artista quizás nos esté representando un momento de éxtasis, después de un acto sexual.

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Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

¿Podría ser la pérdida de la virginidad?

Los símbolos así me lo dicen:

Venus = Virgo.

Flechas = Símbolo masculino.

Flechas encendidas = Ardor masculino.

Flores = Símbolo femenino: (Blancas = Virginidad; – Rosas = Poesía, romanticismo; – Rojas = Pasión).

Herida = Penetración.

Sangre = Desfloramiento, pérdida de la virginidad.

Sangre en la punta de la lanza = Eyaculación.

Como he comentado varias veces esto es todo bajo mi punto de vista después de contemplar la obra durante un rato, admirando cada detalle de ella, me gustaría que me escribieseis abajo, en los comentarios, vuestros puntos de vista junto con vuestras sensaciones y así conversamos un rato sobre arte.

Hasta la próxima.

Atte: Arsenal Le Comte

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