Maestros de la luz – Michael de Bono, renacimiento contemporaneo

Otro gran artista para la serie “Maestros de la luz” en Arsenal Le Comte Arts.

Michael de Bono, renacimiento contemporaneo.

Michael de Bono en Arsenal Le Comte Arts "Maestros de la luz"

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – Juego de luces, óleo sobre panel de madera.

Creo que salta a la vista observando sus obras porqué me he decidido encasillar a este artista en la serie de grandes Maestros de la luz, aunque sea un artista contemporáneo y no pertenezca a la época de los grandes del Renacimiento tanto flamenco cómo italiano, pero si bebiendo de ellos.

Michael de Bono nació en Caerphilly, Inglaterra  en 1983, donde vivió durante un corto tiempo antes de trasladarse a Cardiff.

Aprendizaje

Se enseño a pintar viviendo y trabajando en el Pais de Gales, lentamente a traves de pruebas y errores, practicando desde muy temprana edad con el dibujo. Enseguida se queda prendado de los maestros italianos y flamencos renacentistas. Van Eyke, Memling, Leonardo y Giorgione son los autores que más admira hasta la época de Caravaggio. Pues estos artistas pintan con mucho refinamiento y acentúan la forma realista y natural en que aparecen las personas y objetos a la vista.

La elegancia, la primacía del mundo natural, un marcado énfasis en los efectos de la luz, le hacen realizar bellas pinturas al óleo dotándolos de una intimidad en la luz y la expresión que me invitan a reflexionar largamente, embelesado sobre su contexto narrativo, siendo por ello que lo catalogo dentro de los grandes Maestros de la luz contemporáneos.

Michael de Bono. Maestros de la luz en arsenallecomte.com

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – The Gathering, óleo sobre panel de madera

Naturalidad

El naturalismo que transmite este pintor, no es un fin en si mismo, no es algo vacío de contenido, sino que Michael de Bono lo utiliza cómo un medio de llevar,  lo que quiere decirnos con su obra a la vida, nos narra una historia de una acción llena de juegos de luces, colores magistralmente mezclados que dan vida propia a una acción cotidiana cómo puede ser el escanciar dos copas de vino en la obra que os he puesto arriba de este párrafo, dotándolo de una naturalidad tan suave que acaricia el observar ese simple gesto.

Esta forma de expresarse la asimiló al observar por primera vez la obra de Caravaggio “Cena en Emaús” que se puede admirar en la Galería Nacional de Londres. Esta obra le causó una fuerte impresión perdurable hasta el dia de hoy en su mente, tratando de emularla en sus espléndidas obras.

Caravaggio, Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Caravaggio (1571 – 1610) – Cena de Emaús. 1601. Óleo sobre lienzo. 141 x 196 cm. National Gallery de Londres Inglaterra.

Y hasta aquí este artículo dedicado a este artista contemporaneo, que lo encuadro dentro de la sección los Maestros de la luz.¿Conocias este artista? ¿Sabes algo más de sus obras? Déjalo en comentarios y así nos informamos toda la comunidad.

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  • Si deseas saber más del artista, AQUÍ te dejo su web.

  • AQUÍ su Twitter.

  • Y te dejo un album con sus obras AQUÍ

Venga un saludo y hasta otra próxima entrada. Dewww

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Bowie en el arte contemporaneo

David Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Retrato de Bowie por el artista Patrice Murciano

La contribución de Bowie en el arte contemporaneo, hace que al desayunarme esta mañana con la noticia de que nos ha dejado un gran maestro, le dedique este pequeño homenaje, centrándome  en la faceta artística de su figura, sus gustos y tendencias.

Desde joven Bowie se interesó por la música más que por ninguna otra faceta de su vida, pero él,  estudió en una escuela de arte, lo que hacía que sus desviaciones hacia otras clases y estilos de arte, fueran constantes, cómo cuando junto a Lindsay Kemp estudió métodos teatrales de vanguardia. Bowie, a comienzos de los 70, formaba parte de un gran número de músicos ingleses con estudios estrictamente artísticos.

Creaban discos y conciertos con parámetros muy estrictos de estética cuidada al máximo, introduciendo elementos provenientes de la pintura, la performance o el vídeo. Claro ejemplo de ello fueron Queen y Roxy Music. Pero a mi parecer, sin dudarlo, los pioneros fueron los estadounidenses The Velvet Underground, esta banda estaba bajo la tutela de Andy Warhol, siendo una de las primeras fuentes de inspiración de Bowie, al cual dedicaría una canción en su disco Hunky Dory y al que interpretaría en la película Basquiat de Julian Schnabel. Siendo brillantes los resultados musicales de esta influencia sus giras de Ziggy Stardust, Aladdin Sane y Diamond Dogs con una puesta en escena que hasta la fecha han sido muy díficiles de alcanzar artísticamente hablando.

Mark Ashkenazi en Arsenal Le Comte Arts

Mark-Ashkenazi

El ser vecino temporal de Balthus en Suiza, no influyó como muchos creen, con el estrechamiento de su relación con el arte contemporaneo a mediados de los años 70, sino porque empezó a estudiar y conocer el trabajo de los artistas de vanguardia, lo que le llevó finalmente, a dibujar y a pintar. Siendo en esa época, sobre todo en los años transcurridos en Berlín, lo que le lleva a hacer una declaración de palabra y de intenciones, sobre que la pintura era para él tan importante como la música, y tenía la pretensión de elevar el pop a las Bellas Artes. Dando unos resultados con la experimentación en la grabación y concepción de los discos junto con otro músico-artista, Brian Eno, absolutamente geniales. Creando los álbumes: Low, Heroes  y Lodger. Una época, la berlinesa, que es recordada en la portada de Barnbrook y en el vídeo de Oursler.

Compone las letras de la canción “Blackout” del disco Héroes, basándose en una técnica de creación literaria llamada “Cut-Up”  inventada por Tristan Tzara que le costó su expulsión por André Bretón del movimiento surrealista, también fueron precursores de esta técnica Brion Gysin y William S. Burroughs

Su faceta como pintor no fue muy relevante, hizo algunas exposiciones individuales, llegando a exponer en las Galerías Cork Street de Londres, donde los críticos no tuvieron piedad, atacándole más por su forma de ser, que por su arte. Lo cual le lleva a lanzar la carrera de un artista llamado Nat Tate, que hasta ese momento, era desconocido para todo el mundo. Se publicó un libro de dicho artista con la editorial de Bowie, cuya presentación y lanzamiento se hizo en la casa de Jeff Koons. Entonces muchos críticos aseveraban conocer y haber estado con Tate. El artista se suicidó con 32 años, aumentando los críticos que aseveraban haber tenido mucha relación con él incluso de haber estado en alguna ocasión con él comiendo. Hata que el mismo Bowie destapó que Nat Tate (nombre mezcla de National Gallery y de Tate Museum) era un invento de él y que jamás existió, era una burla a los periodistas  y al mundo del arte, metido de lleno en aquella época,  en un histérico período de los “Young British Artists”. Y sobre todo, principalmente a esos críticos de arte que tanto le atacaron y que  siempre dicen “oh, sí, yo conocí personalmente a ese artista, jugábamos juntos al bridge”.

En 1995 es cuando Bowie con el álbum “Outside”,  realiza su aproximación más cercana entre música y arte. Disco basado, en si el crimen puede ser considerado una obra de arte, realizando una historia detectivesca de arte conceptual, de nuevo junto a Brian Eno. Citando a Pablo Picasso con su Minotauro, La Bienal de Venecia, al performer Chris Burden y al ensayo “Sobre el asesinato considerado como una de las Bellas Artes” de Thomas De Quincey (1828),  los artistas Rudolf Schwarzkogler y Hermann Nitsch del Accionismo Vienés, presentándose Bowie como un artista en trance, con una estética de ese movimiento en los videos y en la gira.

A finales de esa década la de los 90, es cuando se vuelca completamente  en el apoyo al arte, se convierte en miembro del equipo editorial de la revista “Modern Painters“, entrevistando a Balthus o a Damien Hirst con el cual hizo una obra de arte. Fundó la editorial “21”, especializada en arte contemporaneo con la publicación de libros especializados, potenció su pasión por coleccionar arte consiguiendo varias obras de Peter Lanyon, e impulsó el espacio virtual en la red “Bowieart” como galería de jóvenes artistas.

Por todo ello debemos de considerar bajo mi modesta opinion que la contribución de Bowie en el arte contemporaneo fue, la de conseguir elevar como dije antes, el Pop a la categoría de arte, siendo seguramente el mejor músico artístico del mundo.

Termino ya con este sentido homenaje al gran artista que fue Bowie con la canción que lo lanzó definitvamente a la fama, el cual marcó un antes y un después en su carrera, despidiéndome así de este pedazo de artista que fue Bowie, el hombre de las mil y una caras, el tema en cuestión se llama Space Oditty y abajo os dejo un video de la canción.

Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Helen Green – Looks de Bowie a lo largo de su vida

 

 

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Alexander Dolgikh – Símbolos y mitos

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Alexander Dolgikh: El arte de pintar las sombras y profundidades de nuestro inconsciente

Para comenzar a entender a este genial artista, nada como dos párrafos de su forma de pensar y entender el arte:

“Un mito es una historia que tiene un propósito: por ejemplo explicar  el origen de algo como lo hizo Tintoretto en su obra  “Orígenes de la Vía Láctea“, o para dar una advertencia como hizo Tiziano en su “Diana y Acteón“, o para servir como un ejemplo o un símbolo. Esta historia es generalmente fácil de entender, que involucra las emociones fuertes y simples y relaciones claras y básicas. Pero no cualquier historia. Los grandes mitos ilustran y explican a cada generación algo sobre el fin del mundo “.

“El viaje de cuento de hadas puede parecer una caminata hacia el exterior a través de llanuras y montañas, a través de castillos y bosques, pero el movimiento real es hacia adentro, hacia las tierras del alma. El camino oscuro del bosque de cuento de hadas se encuentra en las sombras de nuestra imaginación, las profundidades de nuestro inconsciente. Para viajar a la madera, para hacer frente a sus peligros, y emerger transformado por esta experiencia “.

Pintura de Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? – 1968?.

 

Este genial artista nació y creció en Crimea, (actualmente perteneciente al sur de ¿Rusia-Ucrania?) en 1968. Alexander Dolgikh creció en un ambiente artístico, pues su abuela Nadezhda Kucher fue profesora de Arquitectura en la prestigiosa Academia de Arte de San Petersburgo. Tenía como vecinos de patio de viviendas al artista ruso Andrei Panteleev y a la conocida narradora local Angelina Alexandrova, que luego más tarde fue su niñera.

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra cargada de simbolismo de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania?1968).

 

A la edad de ocho años, su abuela le regaló un libro de reproducciones de la Galería de Arte de Dresden en Alemania. Quedándose encantado por la belleza de las obras, dándose cuenta de que ese era su sueño, naciendo en él la vocación, entrando en el Colegio de Arte de N. S. Samokish de Simferopol en Ucrania, graduándose en la Academia de bellas artes de Kiev. En 1992 regresó a su ciudad natal, trabajando como pintor y decorador en el Teatro Dramático Académico Ruso M. Gorki.

Simbolismo en Arsenal Le Comte Arts

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea, Rusia. 1968).

Alexander Dolgikh domina diversas técnicas de dibujo y pintura poniéndo mucho énfasis en la figura humana. Tiene un profundo aprecio y siente fascinación por la historia antigua, la mitología, las leyendas y los cuentos de hadas, reflejándose en todas sus obras.

Su sólida formación académica le ha convertido en un gran profesional en los diversas tecnologías de los materiales artísticos. Creando métodos que le permite mezclar óleos y acrílicos para convertirlos en un nuevo producto con su mezcla Esta idea tomó forma por el seguimiento y estudio que hacía del artista flamenco Franz Hals, el cual conseguía mezclas para sus obras de diferentes medios, en especial el éxito que obtenía con la mezcla de aceites con acuarelas. Consiguiendo Alexander Dolgilkh desarrollar y mejorar estas técnicas con productos y materiales.

Surrealista obra de Alexander Doligkh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Curiosamente su gran debut internacional no fue en la órbita de influencia rusa, sino que fue en Barcelona (España) en 1996 en la Barcelona ArtExpo. Después se trasladó a vivir a Praga en la República Checa, exhibiendo sus obras en Dublín, Londres o Melbourne. Desde el año 2005 Alexander Dolgikh tiene una exposición permanente en Praga donde podemos apreciar el arte de sus creaciones. En el Reino Unido, sus obras las lleva en Exclusiva la prestigiosa galería de arte contemporaneo Graham Fine Art.

Curiosamente este gran artista no dispone de página web, página de Facebook ni nada por el estilo, asi que si alguien sabe donde poder encontrar algún sitio oficial de él, lo ponga en comentarios.

Aquí os dejo unas cuantas obras de Alexander Dolgikh para que aprecieis su arte. Haced click en las imágenes para agrandarlas. Si os gusta la entrada pues me dejáis comentarios y me compartís en redes sociales y así me hacéis un favor de cara a posicionar con Google. Nos leémos en la próxima entrada.

Atte: Jesús = Arsenal Le Comte Arts. Saludos

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Arte en Fotografía – Caroline Knopf (Renaissance)

Renaissance en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Caroline Knopf (Serie, de nombre Renaissance) Arte en la Fotografía

El arte de los cuentos y narraciones a través de imágenes

Estaba esta mañana trasteando por mi página de Facebook, cuando en el apartado de noticias vi una imagen que compartió mi amiga Evita Medina en su muro de Facebook y al verla me dio algo que me ocurre siempre que algo me fascina, los estudiosos de estas cosas lo llaman Síndrome de Stendhal. Y me pasé varios minutos admirando esa belleza que os he puesto arriba en este post. Le pregunté que me diera detalles, pues al principio pensé que era una fotografía retocada con acrílicos por ella, pues como sabéis Evita Medina está tocada por la caricia de algún Dios y todo lo que realiza es sublime. A lo que ella me contestó que no, que la había visto por Pinterest y que la había compartido para desear un feliz viernes a sus contactos, (cosa que es un orgullo para mi ser uno de ellos) y a esta imagen le añadió una cita que me encantó. “Si precisas una mano, recuerda que yo tengo dos“. (San Agustin).

Renacimiento en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Bueno pues ya expuesta la razón por la que conocí esta obra,  como siempre que algo me gusta me puse a indagar, a buscar y recopilar información y esto es lo que conseguí para vosotros, los seguidores de Arsenal Le Comte Arts.

Caroline Knopf nació en el Sur de los Estados Unidos, creo que en Charleston, Carolina del Sur, cosa que ya os confirmaré más adelante a la espera de un correo que le envié para que me diera algunos detalles de su biografía que no tenía claros,  como es el año y lugar de nacimiento entre otras cosas. Estas raices sureñas y la rica tradición narrativa de esa zona de Estados Unidos, impregnan su trabajo como fotógraf@ contándonos bellas historias a través de la lente de su cámara.

Caroline Knopf en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La fotografía es también una tradición familiar, llamándole la atención ya de pequeña, pues su padre lo fue y su abuelo también, pues fue un fotógrafo de guerra que documentó la rendición japonesa a finales de la II Gerra Mundial.

Cuando se traslada a Nueva York, sus trabajos pronto llamaron la atención de una sociedad que busca una visión narrativa y creativa en imágenes. Esto la lleva a mantener largas relaciones laborales con Neiman Marcus, Conde Nast, Elle, entre otros monstruos de la moda, lo que la dio a conocer en galerías de París, Japón y Nueva york

Conde Nast en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

La visión de Knopf es, en la fotografía actual, consumada y singular.  Su amplio conocimiento técnico está bien acompañado por su ojo para el detalle y amor por la moda. El pasado y el futuro se mezclan en su creación de imágenes atemporales.

Las historias que realiza pueden ser cortas como esta que os muestro, transmitiéndonos una emoción, plasmando alguna idea o un simple estado de ánimo. Pero es un elemento que logra llevar nuestro estado a otro nivel, dándole a la imagen un significado más valioso y trascendente, llevándole esta visión narrativa a crecer como fotógraf@ y ser mundialmente admirada y reconocida.

Romanticismo en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Estas imágenes que os estoy poniendo de Caroline Knopf son de una serie que como os digo en ellas, conmemoraba el 75º aniversario de la revista para novias Conde Nast Brides. Para celebrarlo, la revista convocó a varios fotógrafos que les hacen trabajos para que mostraran su arte con una idea inspirada en el estilo de la revista.

Trajes de novia en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Siendo elegida por la revista para realizar una tirada con sus fotografias, al ser la edición que más llamó la atención, llamada Renaissance al explorar y trabajar la idea de una novia renacentista,  inspirada en la vida en la Edad Media. Como si tuviera Caroline Knopf el dominio de los viajes en el tiempo, logra con su arte transportar a su modelo en el tiempo, mediante el uso sublime de maquillaje y vestuario, exhibiendo una floritura de opulentos vestidos, desde los tradicionalmente blancos y espumosos hasta los más coloridos adornados con artísticos bordados de flores.

La sesión contó también con el apoyo ni más ni menos que del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, “Metropolitan Museum of New York”  Cediendo sus instalaciones para realizar el reportaje y manteniendo una exhibición de arte basada en el amor en tiempos del Renacimiento. Esa exhibición constaba  de 150 obras maestras que incluyen pinturas, joyas, objetos, realizados desde el 1400 hasta mediados de siglo XVI, que celebran el amor en todas sus formas. Esa magnífica exposición exploraba los diferentes y excepcionales objetos inspirados en el amor durante el Renacimiento en Italia.

Novias en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides.

Esto le valió a Caroline Knopf que su arte se reconociera mundialmente y fue premiada en Graphis Photography Annual.

Y que mejor que terminar esta entrada con saber como se inspira la artista, de sus propios labios:

las ideas detrás de una imagen se originan con una pieza de ropa, una pintura, un poco de visión que captura la imaginación y las imágenes se despliegan en mi mente como las páginas de un libro.

Metropolitan Museum en Arsenal Le Comte Arts
Caroline Knopf (Carolina del Sur. USA) – Renaissance. Serie de ocho imágenes realizadas para el 75º aniversario de la revista Conde Nast Brides. Sublime composición tomando como decorado una cama de la muestra del Metropolitan Museum

Bueno pues por hoy creo que ya os he dejado algo para que paséis un rato agradable como lo pasé yo, si quereís saber más del arte que tiene esta fotógraf@ clicar AQUÍ  y también AQUÍ.

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Venga saludos y hasta la proxima entrada

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El arte de Toshiyuki Enoki – Emociones de Occidente en Oriente

Arte oriental en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Héroe 2010. Tecnicas de grabado orientales con técnicas de arte occidentales, usando acrílicos y hojas de pan de oro sobre lienzo.

Sentimientos entre Oriente y Occidente

Fuerte simbolismo usando tenicas ancentrales oirentales con toques maestros occidentales.

Toshiyuki Enoki nace en Tokyo Japón en 1961. Se formó en los estrictos estilos ancestrales de arte japoneses, por ello podemos decir que su obra lleva impresa la historia pictórica del japón, desde la era Muromachi donde nos deleita con sus espectaculares obras monocromáticas de sus grabados en tinta, pasando por la era Azuchi-Momoyama fascinándos con el uso del pan de oro y lápices de oro carácterísticos de esa época como principales fuentes de estilos, sin olvidarse de guiños hacia las eras o periodos Edo y Meiji con su occidentalización.

Completa esta unificación de estilos y disciplinas orientales con la introducción de usos occidentales como pueden ser los acrílicos con sus diferente estilos de trabajo, la introducción de personajes de la cultura occidental como  las hadas, los seres mitólogicos o sus modelos de rasgos occidentales.

Era Muromachi en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Caballo en invierno. Grabado monocromático en tinta china y pan de oro, realizado golpeando agujas en cañas sobre papel antiguo chino. Como os decía fiel al estilo de la era Muromachi. Magnífica la representación de este caballo en una mañana de invierno, plasmando el vapor que sale de su cuerpo jadeante como si una locomotora se tratase. Recordad que es un grabado a caña menos el hilo de oro de las riendas.

Enoki tiene un estilo de arte muy personal, creando un sutil trabajo con elementos de la pintura tradicional japonesa (tinta, agujas, cañas, papel etc…) y de la pintura e ilustración contemporanea occidental.

Su paleta de colores es suave, de colores cálidos y muy limitados, optando por una exuberante flora o acogedoras telas utilizando sútiles matices en tonos sepia, que nos evocan según mi forma de ver su obra, la forma en que se ve el mundo cuando los párpados nos pesan, al entrarnos sueño antes de quedarnos dormidos. Pero a pesar de esa apariencia placida, pego un respingo que me despierta al observar el simbolismo de algunas de sus obras, cayendo en la cuenta que el trabajo de Enoki contiene elementos más oscuros e intrigantes. Por ejemplo,  en una pieza encuentro un personaje que tiene fuertemente atadas sus extremidades en posición supina. En otra, la cual me fascina y os la pongo a continuación, una mujer recibe el abrazo protector de un hombre, rodeados ambos por afilados espinos.

Toshiyuki Enoki - Rosas y espinas en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Flores y espinas 1987. Acrílico y tinta sobre lienzo

Gracias a los límites de su paleta de colores, nos permite en sus obras centrarnos en los detalles de sus texturas, maravillándome como dispersa el pan de oro por sus obras, evocándome de alguna manera los mosaicos bizantinos de la época del imperio, trayéndome además el recuerdo en algunas de sus obras a  eso que hace maravilloso al maestro Gustav Klimt. Consiguiendo crear con estas técnicas un universo en sus obras de magia y tranquilidad.

Invernalia en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Invernalia. Acrílico, tinta y pan de oro sobre lienzo. De la serie estaciones del año. Me evoca mucho al estilo de Klimt.

Las composiciones intimistas y misteriosas que son casi todas, son las que más éxitos le han dado, siendo un gran referente a nivel mundial pues ha expuesto en muchas galerias de Asia y de su país Japón en particular, así como en Europa y América. Llegando sus obras a ser muy cotizadas por coleccionistas tanto públicos como privados de todo el mundo.

Aquarium en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Aquarium. 1990. Acrílicos y pan de oro sobre lienzo.

Según el artista en esta obra (Aquarium):

El mar es el inicio del camino de la evolución de la vida. El mar es también un objetivo del ciclo diario de la circulación del agua. La vida evolucionó de la incursión del mar a la tierra, de pronto el cielo y se convirtió en el objetivo del universo“。

Toshiyuki Enoki

A continuación os dejo una pequeña galería de unas cuantas obras del artista. si queréis saber más sobre su obra, os dejo su sitio web AQUÍ, está en japonés, pero se navega instintivamente. Para ver más arte oriental en esta página de Facebook AQUÍ

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Nos vemos en la próxima entrada

 

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La penumbra del Arte – Stephen Mackey (Neo surrealismo)

El surrealismo de Stephen Mackey en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Óleo sobre madera

 

Stephen Mackey – La hermosura del miedo en el arte

La iluminacion de la penumbra en el surrealismo

Nace en Inglaterra, actualmente vive y trabaja en Manchester (Inglaterra), Stephen es un gran artista conocido por sus pinturas y dibujos que los voy a llamar realmente “dulcetenebrosos”, creando en ellos una atmosfera bien cargada de misticimo, haciendo etereo el miedo, realzado por el uso de colores apagados y ajustes muy personales de la fantasía.

Contre printemps en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Contre Printemps. Óleo sobre madera. Fantasmal y exquisita imagen
Voy a dejar los títulos originales de las obras sin traducirlas al español para que nos metamos en lo que deseas expresar el artista con sus títulos. Pueden llegar a ser un contrasentido, pero es lo que a mi por ejemplo, me hace ahondar más en la contemplación de la obra.

¿Miedo?

Sí, esa podría ser la primera sensación al primer instante de contemplar el retorcido (sin dejar de ser bello) mundo del artista, niños, gatos, supuestos murciélagos, supuestas mutilaciones, velos, cabezas tapadas, fantasmales criaturas. Todas ellas enigmáticas pinturas tenebrosas en las que recrea un mundo imaginario que vive en lo más escondido de sus neuronas, lo cual hace que nos presente una gran variedad de personajes que gracias al logrado detalle de las expresiones de sus caras, los colores que utiliza en ellos y los escenarios que nos presenta, adquieren un nivel tétrico que pocas veces habíamos visto.

Lady Canker en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Lady Canker. Óleo sobre madera. Visceral y bella imagen de una dulce joven con insectos en su cara y pelo

Esta faceta tétrica y oscura del autor contrasta y llama la atención con otros de sus trabajos por los que es mundialmente también reconocido, pues es escritor e ilustrador de cuentos para niños, donde las hadas y su mundo tan dulce e iluminado de fantasia lo han hecho un idolo entre los más jóvenes, es autor de la serie de cuentos “MIKI” siendo una serie de obras llenas de dulzor y poesia, deliciosamente expresado en sus ilustraciones.

Miki en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Miki, portada de uno de los libros que narran las peripecias de una muchacha esquimal y sus amigos los animales, destilando un dulzor y poesia realmente bello

Salvo cuando tiene que realizar libros que obviamente tiene que usar papel para sus trabajos, él prefiere el óleo y la madera, siendo pocas las obras que realiza sobre lienzos, en las cuales da vida a toda una serie de oscuras y surrealistas pinturas que al contemplarlas me siento transportado a una realidad donde nada es lo que parece, al estilo de Alicia de Lewis Carroll.

Stephen logra recrear una atmósfera tétrica cargada de misterio que me incita a intentar descubrir que hay más allá de los elementos que consta la pintura ya que tiene el maravilloso arte de presentarnos una historia sin ser demasiado explicito y que poco a poco a medida que nos vayamos embebiendo dentro de ella crear  un toque digamos mágico variando el estilo y la tematica en la obra sin cesar, pero sin ningún caos, dejándonos con el sabor de querer investigar y descubrir nuevos elementos en ella.

Reina ciega en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The bind Queen. Óleo sobre madera. Me atrae mirarla, os la dejo a gran resolución pra que se pueda apreciar bien.

En las obras podemos apreciar cuerpos humanos con cabezas de animales, personajes escondidos, pequeñas y tétricas niñas posando como si fuesen adultos o cubiertas con sabanas simulando fantasmas; todo esto habitando lo que parecen ser desolados bosques y acompañado además, de lúgubres elementos como espejos, ventanas o velos, ¿Os imaginais algo más tenebroso usando todos esos elementos en una escena?

Retrato de niña con cabeza de gato en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Mademoiselle Moucheté. Óleo sobre madera

Sus obras también recuerdan el arte de los pintores flamencos y franceses como Johannes Vermeer, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Paul Delvaux, Odilon Redon, Cecil Beaton, los cuales se encuentran entre sus artistas favoritos. Y por citar algunos más contemporaneos, nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli o Mark Rayden entre otros.

Surrealismo en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – Unspeakable Fortuna. Óleo sobre madera

No miento si os digo que su arte me llevó de viaje por el pais de las maravillas que Lewis Carroll soñó, aunque seguramente desde un punto de vista distinto. También me ha guiado junto a Edipo a intentar resolver el enigma de la esfinge, así como me ha hecho visitar a una sensual y elegante Perséfone que tiene la vista en la granada que la condenó.

Perséfone en Arsenal Le Comte Arts

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Stephen Mackey (Inglaterra) – The blood of a pomegranate. Óleo sobre madera. Magnífica recreación de Perséfonte.

Sin duda alguna, Stephen Mackey logra transmitir miedo y angustia cuando saca el arte del Hyde que lleva dentro, cuando no está haciendo esas delicadas ilustraciones llenas de poesia y candor para sus cuentos,  se pasa al lado oscuro a través de sus tenebrosas pinturas, sensación que se ve acrecentada con la forma en la que titula cada una de sus obras, por lo que no he querido traducirlas para que no pierdan su contexto, haciéndonos conscientes que es claro el sentimiento que quiere provocar en aquel que como yo, admira su trabajo.

Si queréis saber más de él y su obra, haced clic AQUÍ, AQUÍ y AQUÍ.

También os dejo una pequeña galería de imágenes. Haced clic sobre ellas para verlas más grandes.

 

 

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nos trae a la mente a otros artistas como Margaret Keane, Nicoletta Ceccoli Mark Rayden …