Maestros de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

claude joseph vernet Maestros de la luz en arsenal le comte arts

Claude-Joseph Vernet, Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas (1753), óleo sobre lienzo. 96,5 x 134,6 cm

Maestro de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

La escena nocturna de la imagen, evoca un paisaje imaginado de la costa italiana, iluminado por el resplandor de la luna y sus plateados reflejos. Fue pintada por uno de los maestros de la luz, Claude-Joseph Vernet, el pintor de marinas más célebre de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando regresó a Francia tras una estancia de casi veinte años en Roma. Aclamado por los enciclopedistas de la Ilustración, como Denis Diderot, sus paisajes contribuyeron a estimular una sensibilidad prerromántica entre sus contemporáneos, mostrándoles los diferentes efectos lumínicos y atmosféricos en la naturaleza.

Claude Joseph Vernet Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789) – Calma en un puerto mediterraneo.

Miembro de una familia de artistas, Claude-Joseph Vernet recibió sus primeras lecciones en Aviñón, primero de su padre, Antoine Vernet, y luego de Philippe Sauvan, pintor de historia.

Tras este aprendizaje inicial Vernet comenzó a trabajar en Aix-en-Provence con el pintor de paisajes y marinas Jacques Viali. Su primer trabajo como pintor independiente fueron unas pinturas decorativas que realizó, en 1731, para el hotel del marqués de Simiani, en Aix-en-Provence, de las cuales dos de ellas se conservan in situ.

En. 1734, gracias a la protección del marqués de Caumont, Vernet viajó a Roma para completar su formación artística. Allí, enseguida, se integró en la comunidad de artistas franceses residentes en la ciudad y entre los miembros de la Academia de Francia. Hacia 1738, Vernet era ya un conocido pintor de paisajes y de marinas, que recibía encargos de importantes clientes, de distintas nacionalidades, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Gran parte de su clientela estaba también formada por británicos que realizaban el Gran Tour. Desde 1746, año de su admisión en la Academie Royale, Vernet expuso regularmente en el Salon, donde sus obras fueron muy bien acogidas por la crítica

Las marinas de Vernet, aunque herederas de la pintura de paisaje de historia de Claudio de Lorena, se basan en la observación de la naturaleza. Durante esa primera etapa romana, Vernet realiza muchas excursiones y viajes de trabajo para dibujar la campiña y la costa mediterránea desde Roma hasta Nápoles, registrando elementos que formarán la base de su repertorio para el resto de su carrera artística.

Poco. después de su regreso a Francia, en 1753, Vernet comenzó a trabajar por encargo del rey Luis XV en una serie de quince grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, conservadas en París, el Musée du Louvre, y en el Musée National de la Marine. Este ambicioso proyecto, que le ocupó más de diez años, le obligó a viajar por todo el país, hasta que en 1765 lo abandonó, dejando la serie incompleta. Durante el resto de su carrera Vernet continuó trabajando en sus temas preferidos: paisajes italianizantes, puertos y tormentas marinas.

Las marinas solían ser de dos tipos: mares en calma o mares tempestuosos. Estos últimos se convertían en el escenario de dramáticos naufragios, una amenaza real y muy frecuente en esta época en que las vías marítimas eran los principales medios de comunicación y transporte. Los naufragios en las series —pues siempre se incluía uno— constituían un contrapunto emocionante a las otras marinas en calma e ilustraban dos incipientes conceptos estéticos: lo sublime (que incitaba la sensación de horror en el espectador) y lo bello (procurando una sensación agradable y sosegada)

“Vernet sabe revivir tormentas, abrir las cataratas del cielo e inundar la tierra; también sabe, cuando quiere, disipar la tempestad y devolver la tranquilidad al mar, la serenidad a los cielos. Entonces toda la naturaleza, como saliendo del caos, se ilumina de una forma encantadora y vuelve a tomar todos sus encantos […]. ¡Qué serenos son sus días!, ¡qué tranquilas son sus noches!, ¡qué transparentes sus aguas! Él crea el silencio, el frescor y la sombra en los bosques. Se atreve sin miedo a colocar el sol o la luna en su firmamento. Le ha robado su secreto a la naturaleza; todo lo que ella produce, él puede repetirlo.”

Denis Diderot, Salones, 1759

Pablo y Virginia – Prosper d´Épinay, el amor hecho arte

El amor hecho arte en la obra del escultor de Isla Mauricio “Prosper d´Épinay – Pablo y Virginia“que se exhibe en el Blue Penny Museum de Port Louis en Isla Mauricio.

Otra versión realizada también por el autor, se encuentra en el jardin del hotel de la ciudad de Curepipe en Mauricio.

Blue Penny Museum en ArsenallecomteArts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta bella obra llamada Pablo y Virginia, está inspirada en la novela de Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre   que fue publicada en 1787. Os voy a poner en antecedentes, pues se han unido dos bellas obras, tanto la escultura cómo la obra literaria son de las cosas que tienes que haber visto y leido en esta vida si te gusta la belleza. La novela la puedes leer AQUÍ.

Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814), publicó una trágico novela media corta, en la que narra a traves de la historia de dos jóvenes,  cargados de inocencia, la tragedia de estos jóvenes amantes, por culpa de los valores corrompidos por el sentimentalismo falso y artificial que prevalecía en la época entre la élite francesa. Los personajes de Pablo y Virginia viven de la tierra sin necesitar tecnología o interferencia humana. Por ejemplo, cuentan el tiempo mirando las sombras de los árboles.

A Pablo y Virginia sus madres los crían como hermanos, al margen de la sociedad, en la isla de Mauricio (entonces, una colonia francesa conocida como Île de France). Es un paraiso, todo belleza y melodia, los jóvenes se enamoran, la llegada de la adolescencia, empapa con su sexualidad la relación, convirtiéndolo en algo más que inocente amor.

El despertar de la sexualidad

Llega el día fatal, en plena adolescencia, en el que se convierten en amantes. Para evitar el descrédito en la sociedad y preservar la virginidad de la muchacha, la madre de Virginia, cargada de todos los prejuicios de la época, hace que el paraiso de los amantes se derrumbe enviándola a estudiar a  Europa para mantenerla alejada de Pablo, deseando que el tiempo borre ese amor.

Años más tarde, Virginia decide volver a la isla para reunirse con el hombre de su vida. Pero el destino le depara otro final. A su regreso, el barco se ve atrapado en una gran tormenta a la vista de la costa de Isla Mauricio. Virginia, cargada de prejuicios adquiridos en su estancia en Europa, antes de quitarse la ropa delante de los marineros y arrojarse al mar, prefiere quedarse en el barco, ahogándose mientras Pablo mira desde la costa sin poder hacer nada, muriendo de pena al poco tiempo. Al cabo de poco tiempo, llenas de dolor mueren también las madres de los jóvenes.

El libro tuvo un éxito sin precedentes,  traduciéndose a varios idiomas, durante el siglo XIX fue considerado un clásico, fue recomendado cómo lectura adecuada para adolescentes pues valora la virginidad y la modestia hasta llegar a morir por ellas. Fue un precursor por la violencia de las emociones de los personajes, a la  llegada del romanticismo.

Se publicó al principio en el volumen IV de su obra “Estudios de la naturaleza” en 1788, siendo republicado más adelante en un volumen por separado debido al exito tan popular como tuvo en 1789.

 

Paul y Virginie en Arsenal Le Comte Arts

Portada de la novela Paul et Virginie.

Blue Penny Museum

Esta famosa y mítica obra colonial, siempre se asocia con Mauricio y sus islas. Así cómo Teruel tiene sus amantes (Diego e Isabel), Mauricio tiene los suyos (Pablo y Virginia). Habiendo un museo en Port Louis que recoje todo lo relacionado con esta pareja.

Este museo es el Blue Penny Museum, exhibiendo varias ediciones ilustradas de la novela y obras inspiradas en los trabajos de Bernardin de Saint Pierre, cómo la escultura que abre este artículo o post.

A los visitantes se les ofrece el distinguir entre la leyenda y la realidad, pues el escritor inspiró el trágico final de su obra en la historia verdadera del naufragio del buque Saint Geran, cerca de la Isla de Francia, actual República de Mauricio en 1744.

Una de las obras inspiradas en la novela es la estatua de marmol  que os puse al principio, obra del escultor Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) de nombre Paul et Virginie.

Prosper d´Epinay en Arsenal le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta hermosa escultura es una obra maestra del clasicismo del siglo XIX , se encuentra al final de la visita al museo, representando un pasaje del libro, donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar un arroyo al perderse en un bosque.

La creación de esta escultura comenzó en 1881 cuando la Colonia de Isla Mauricio a través del ayuntamiento del municipio de Port Louis, le encargó al artista una escultura inspirada en la novela de Pablo y Virginia de Bernardin de Saint-Pierre. Entonces el artista eligió el pasaje del libro que he citado antes donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar el riachuelo. Siendo creada a partir de un único bloque de marmol de Carrara – Italia.

Sin embargo la colonia no pudo adquirir la obra por razones financieras. Por lo tanto el trabajo se quedó almacenado en el taller del artista en Roma. Hasta que en 1886 fue comprada por un coleccionista portugués.

Detalle de estatua en Arsenal Le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Con el paso del tiempo ya en el siglo pasado en 1997 fue adquirida en subasta por un consorcio de empresas encabezadas por el Banco comercial de Isla Mauricio, trayéndola a su destino inicial, para ser expuesta permanéntemente al fin en el año 2001 en el museo que fue creado por el citado consorcio. Inmortalizando así con esta obra maestra la legendaria novela, contribuyendo así a la reputación mundial de Mauricio.

Bueno y esta ha sido la historia de esta bonita obra, si deséias añadir información, podéis hacerlo en los comentarios Y si os ha gustado el artículo compartirlo en vuestras redes sociales y me hacéis un favor de cara a posicionar la web en Google. Venga hasta la próxima entrada y un saludo.

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Bowie en el arte contemporaneo

David Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Retrato de Bowie por el artista Patrice Murciano

La contribución de Bowie en el arte contemporaneo, hace que al desayunarme esta mañana con la noticia de que nos ha dejado un gran maestro, le dedique este pequeño homenaje, centrándome  en la faceta artística de su figura, sus gustos y tendencias.

Desde joven Bowie se interesó por la música más que por ninguna otra faceta de su vida, pero él,  estudió en una escuela de arte, lo que hacía que sus desviaciones hacia otras clases y estilos de arte, fueran constantes, cómo cuando junto a Lindsay Kemp estudió métodos teatrales de vanguardia. Bowie, a comienzos de los 70, formaba parte de un gran número de músicos ingleses con estudios estrictamente artísticos.

Creaban discos y conciertos con parámetros muy estrictos de estética cuidada al máximo, introduciendo elementos provenientes de la pintura, la performance o el vídeo. Claro ejemplo de ello fueron Queen y Roxy Music. Pero a mi parecer, sin dudarlo, los pioneros fueron los estadounidenses The Velvet Underground, esta banda estaba bajo la tutela de Andy Warhol, siendo una de las primeras fuentes de inspiración de Bowie, al cual dedicaría una canción en su disco Hunky Dory y al que interpretaría en la película Basquiat de Julian Schnabel. Siendo brillantes los resultados musicales de esta influencia sus giras de Ziggy Stardust, Aladdin Sane y Diamond Dogs con una puesta en escena que hasta la fecha han sido muy díficiles de alcanzar artísticamente hablando.

Mark Ashkenazi en Arsenal Le Comte Arts

Mark-Ashkenazi

El ser vecino temporal de Balthus en Suiza, no influyó como muchos creen, con el estrechamiento de su relación con el arte contemporaneo a mediados de los años 70, sino porque empezó a estudiar y conocer el trabajo de los artistas de vanguardia, lo que le llevó finalmente, a dibujar y a pintar. Siendo en esa época, sobre todo en los años transcurridos en Berlín, lo que le lleva a hacer una declaración de palabra y de intenciones, sobre que la pintura era para él tan importante como la música, y tenía la pretensión de elevar el pop a las Bellas Artes. Dando unos resultados con la experimentación en la grabación y concepción de los discos junto con otro músico-artista, Brian Eno, absolutamente geniales. Creando los álbumes: Low, Heroes  y Lodger. Una época, la berlinesa, que es recordada en la portada de Barnbrook y en el vídeo de Oursler.

Compone las letras de la canción “Blackout” del disco Héroes, basándose en una técnica de creación literaria llamada “Cut-Up”  inventada por Tristan Tzara que le costó su expulsión por André Bretón del movimiento surrealista, también fueron precursores de esta técnica Brion Gysin y William S. Burroughs

Su faceta como pintor no fue muy relevante, hizo algunas exposiciones individuales, llegando a exponer en las Galerías Cork Street de Londres, donde los críticos no tuvieron piedad, atacándole más por su forma de ser, que por su arte. Lo cual le lleva a lanzar la carrera de un artista llamado Nat Tate, que hasta ese momento, era desconocido para todo el mundo. Se publicó un libro de dicho artista con la editorial de Bowie, cuya presentación y lanzamiento se hizo en la casa de Jeff Koons. Entonces muchos críticos aseveraban conocer y haber estado con Tate. El artista se suicidó con 32 años, aumentando los críticos que aseveraban haber tenido mucha relación con él incluso de haber estado en alguna ocasión con él comiendo. Hata que el mismo Bowie destapó que Nat Tate (nombre mezcla de National Gallery y de Tate Museum) era un invento de él y que jamás existió, era una burla a los periodistas  y al mundo del arte, metido de lleno en aquella época,  en un histérico período de los “Young British Artists”. Y sobre todo, principalmente a esos críticos de arte que tanto le atacaron y que  siempre dicen “oh, sí, yo conocí personalmente a ese artista, jugábamos juntos al bridge”.

En 1995 es cuando Bowie con el álbum “Outside”,  realiza su aproximación más cercana entre música y arte. Disco basado, en si el crimen puede ser considerado una obra de arte, realizando una historia detectivesca de arte conceptual, de nuevo junto a Brian Eno. Citando a Pablo Picasso con su Minotauro, La Bienal de Venecia, al performer Chris Burden y al ensayo “Sobre el asesinato considerado como una de las Bellas Artes” de Thomas De Quincey (1828),  los artistas Rudolf Schwarzkogler y Hermann Nitsch del Accionismo Vienés, presentándose Bowie como un artista en trance, con una estética de ese movimiento en los videos y en la gira.

A finales de esa década la de los 90, es cuando se vuelca completamente  en el apoyo al arte, se convierte en miembro del equipo editorial de la revista “Modern Painters“, entrevistando a Balthus o a Damien Hirst con el cual hizo una obra de arte. Fundó la editorial “21”, especializada en arte contemporaneo con la publicación de libros especializados, potenció su pasión por coleccionar arte consiguiendo varias obras de Peter Lanyon, e impulsó el espacio virtual en la red “Bowieart” como galería de jóvenes artistas.

Por todo ello debemos de considerar bajo mi modesta opinion que la contribución de Bowie en el arte contemporaneo fue, la de conseguir elevar como dije antes, el Pop a la categoría de arte, siendo seguramente el mejor músico artístico del mundo.

Termino ya con este sentido homenaje al gran artista que fue Bowie con la canción que lo lanzó definitvamente a la fama, el cual marcó un antes y un después en su carrera, despidiéndome así de este pedazo de artista que fue Bowie, el hombre de las mil y una caras, el tema en cuestión se llama Space Oditty y abajo os dejo un video de la canción.

Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Helen Green – Looks de Bowie a lo largo de su vida

 

 

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Alexander Dolgikh – Símbolos y mitos

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Alexander Dolgikh: El arte de pintar las sombras y profundidades de nuestro inconsciente

Para comenzar a entender a este genial artista, nada como dos párrafos de su forma de pensar y entender el arte:

“Un mito es una historia que tiene un propósito: por ejemplo explicar  el origen de algo como lo hizo Tintoretto en su obra  “Orígenes de la Vía Láctea“, o para dar una advertencia como hizo Tiziano en su “Diana y Acteón“, o para servir como un ejemplo o un símbolo. Esta historia es generalmente fácil de entender, que involucra las emociones fuertes y simples y relaciones claras y básicas. Pero no cualquier historia. Los grandes mitos ilustran y explican a cada generación algo sobre el fin del mundo “.

“El viaje de cuento de hadas puede parecer una caminata hacia el exterior a través de llanuras y montañas, a través de castillos y bosques, pero el movimiento real es hacia adentro, hacia las tierras del alma. El camino oscuro del bosque de cuento de hadas se encuentra en las sombras de nuestra imaginación, las profundidades de nuestro inconsciente. Para viajar a la madera, para hacer frente a sus peligros, y emerger transformado por esta experiencia “.

Pintura de Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? – 1968?.

 

Este genial artista nació y creció en Crimea, (actualmente perteneciente al sur de ¿Rusia-Ucrania?) en 1968. Alexander Dolgikh creció en un ambiente artístico, pues su abuela Nadezhda Kucher fue profesora de Arquitectura en la prestigiosa Academia de Arte de San Petersburgo. Tenía como vecinos de patio de viviendas al artista ruso Andrei Panteleev y a la conocida narradora local Angelina Alexandrova, que luego más tarde fue su niñera.

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra cargada de simbolismo de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania?1968).

 

A la edad de ocho años, su abuela le regaló un libro de reproducciones de la Galería de Arte de Dresden en Alemania. Quedándose encantado por la belleza de las obras, dándose cuenta de que ese era su sueño, naciendo en él la vocación, entrando en el Colegio de Arte de N. S. Samokish de Simferopol en Ucrania, graduándose en la Academia de bellas artes de Kiev. En 1992 regresó a su ciudad natal, trabajando como pintor y decorador en el Teatro Dramático Académico Ruso M. Gorki.

Simbolismo en Arsenal Le Comte Arts

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea, Rusia. 1968).

Alexander Dolgikh domina diversas técnicas de dibujo y pintura poniéndo mucho énfasis en la figura humana. Tiene un profundo aprecio y siente fascinación por la historia antigua, la mitología, las leyendas y los cuentos de hadas, reflejándose en todas sus obras.

Su sólida formación académica le ha convertido en un gran profesional en los diversas tecnologías de los materiales artísticos. Creando métodos que le permite mezclar óleos y acrílicos para convertirlos en un nuevo producto con su mezcla Esta idea tomó forma por el seguimiento y estudio que hacía del artista flamenco Franz Hals, el cual conseguía mezclas para sus obras de diferentes medios, en especial el éxito que obtenía con la mezcla de aceites con acuarelas. Consiguiendo Alexander Dolgilkh desarrollar y mejorar estas técnicas con productos y materiales.

Surrealista obra de Alexander Doligkh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Curiosamente su gran debut internacional no fue en la órbita de influencia rusa, sino que fue en Barcelona (España) en 1996 en la Barcelona ArtExpo. Después se trasladó a vivir a Praga en la República Checa, exhibiendo sus obras en Dublín, Londres o Melbourne. Desde el año 2005 Alexander Dolgikh tiene una exposición permanente en Praga donde podemos apreciar el arte de sus creaciones. En el Reino Unido, sus obras las lleva en Exclusiva la prestigiosa galería de arte contemporaneo Graham Fine Art.

Curiosamente este gran artista no dispone de página web, página de Facebook ni nada por el estilo, asi que si alguien sabe donde poder encontrar algún sitio oficial de él, lo ponga en comentarios.

Aquí os dejo unas cuantas obras de Alexander Dolgikh para que aprecieis su arte. Haced click en las imágenes para agrandarlas. Si os gusta la entrada pues me dejáis comentarios y me compartís en redes sociales y así me hacéis un favor de cara a posicionar con Google. Nos leémos en la próxima entrada.

Atte: Jesús = Arsenal Le Comte Arts. Saludos

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La academia de Platón – El arte de Jean Delville

La academia de Platón de Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Historia de la belleza – La academia de Platón. 1898

Obra super cargada de simbolismo,  del maestro Jean Delville.

Hace ya bastante tiempo leí “Historia de la belleza”  de Umberto Eco (Un gran libro que aunque ilustrado con cientos de excelentes imágenes de obras maestras de todos los tiempos,  no es una historia del arte.  Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, desde Pitágoras hasta nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas, canones, estilos y formas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica). Pues dicho esto, casi al final de la historia en la página 322 aparece este cuadro pintado por el simbolista, seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía, Jean Delville, llamada “La academia de Platón” 1898.

Bélgica fue, a fines del siglo XIX, uno de los grandes focos del simbolismo europeo. La obra, pictórica y literaria, de Jean Delville expresa de éste la vertiente más esotérica. A mediados de los años 1880, el descubrimiento por el artista del mundo simbolista Parisino, y las relaciones que entabla, le hacen romper con el naturalismo heredado de su formación académica.
De modo que su amistad con  Sâr Péladan y su frecuente participación en los Salones de la Rosacruz, demuestran su adhesión a un arte de ideas, dedicado a la evocación más que a la descripción.

Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts.

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Jean Delville nació en la ciudad belga de Lovaina, trasladándose a Bruselas a los seis años. Ya adulto, vivió principalmente en el suburbio de Bruselas “del Bosque”, pasando también algunos años en París, Roma, Glasgow y Londres. Desde muy joven su habilidad artística era excepcional.  Se formó académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans y de Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,… dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889. Comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de Bruselas cuando tenía doce años, continuando allí hasta 1889 y ganó varios premios.  Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

La academai de Platón en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Con lo cual dicho todo lo anterior llegamos a esta colosal obra que creo que fue el SUMMUN de su carrera.

La academia de Platón, es un óleo sobre lienzo espectacular, haciendo 2,60 metros de altura por 6,05 metros de ancho. Esta impactante obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, perteneciente a la colección de Hervé Lewandowski. En la web del museo reza esta leyenda, dicen que esta al pie de la obra en el museo, más como esta obra la vi de lejos, pues debido a su gran tamaño, es así como hay que verla, al ser un viaje organizado, con las prisas de los guias, no le presté atención y no lo se cierto, si alguien lo puede corroborar que lo ponga debajo en comentarios:

(La Escuela de Platón, decoración destinada a la Sorbona que jamás se colocó).

Disculpas por si la traducción de esta leyenda no es la correcta pues hace tiempo que no utilizo el Francés y con ayuda del Santo Google Translate, hice lo que pude de la información de la web del Museo d´Orsay.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Se puede observar cómo asocia el artista la figura del filósofo griego con la imagen habitual de Jesucristo, además de ilustrar a la perfección el componente erótico de la filosofía platónica. En su pintura hay un gusto evidente por lo oculto y la Iniciación, siendo cada detalle de la obra debido a su gran nivel, otra obra en si, por ello he seleccionado fragmentos de la obra para que se pueda apreciar y estudiar más a fondo.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

La academia de Platón, es además de un título, una obra sobrecogedora. Sus dimensiones monumentales, la ambición de su propósito, una interpretación de la filosofía clásica vista por el prisma del ideal simbolista, señalan en seguida la singularidad de la obra. Se nos manifiesta  proclamando  sus referencias en cada pincelada, de Rafael a Puvis de Chavannes; pero embelleciéndolas con una extraña seducción de una gama cromática obviamente irreal. La ambigüedad que se desprende de este manierismo de fin de siglo, nubla a propósito, cualquier frontera entre pureza y sensualidad.

Aquí os dejo una galería con fragmentos con bastante resolución de la obra y podréis apreciar el nivel de detalle del artista. Haced clic para agrandar las imágenes.

AQUÍ os dejo un enlace por si queréis adquirir el libro de Umberto “Historia de la belleza

Nos leemos en la próxima entrada. Atte: Arsenal Le Comte.

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No es un adiós – La furia de la Natura – Cierre de la Pinacotheca Galería Museo

Quito en Arsenal Le Comte ArtsVista del volcán Cotopaxi, nevado desde Quito.

 

Como sabéis, uno de los proyectos de Arsenal Le Comte Arts, junto con Romanorum Le Duc Arts, fue la construcción de una Pinacotheca Galeria Museo a la que llamamos: Romanorum Le Duc Pinacotheca Galería – Museo

Este proyecto era una toma de contacto que formaba parte de un conjunto de actividades dirigidas a la promoción y conocimiento del arte en general llevadas a cabo por Romanorum Le Duc y Arsenal Le Comte desde hace varios años. Estas actividades buscan daros a conocer nuestra forma de ver el arte, bien con exposiciones, talleres, venta, consignación de obras de arte y arte objetos, como pueden ser cajas para vinos, muebles shaby, bargueños, baules, joyeros, etc… Además de la enmarcación de obras, reproducciones, bien sean impresas o bien a mano, decoraciones especializadas, asesoramiento sobre obras de arte y colecciones de arte en general.

Esta galería la inauguramos en Enero del 2014 y se encuentra en un marco incomparable, en San Rafael, en el bello Valle de los Chillos, (Quito – Ecuador).

Adaptamos una quinta señorial que vimos idonea para este fin, no sin gran trabajo y esfuerzo llevado a cabo por todos, desde aquí agradecer a amigos y familiares su gran esfuerzo desinteresado por que saliera todo adelante.

Pinacotheca en Arsenal Le Comte ArtsFachada de la Quinta reacondicionada para albergar la Pinacotheca Galería Museo.

La inauguración fue un gran acontecimiento en todo San Rafael en el valle de Los Chillos, acudiendo tanto autoridades locales, como artistas, así como amigos,  con una exhibición de obras de artistas de la talla como son Pedro Herrera Ordoñez. Pedro Naipure Santamaría y Jorge Ernesto Montalvo Flores (Giorgio). Así como varias obras de artistas del siglo XVIII  de la Escuela Quiteña.

Se aprovechó esta toma de contacto para ofrecer a las autoridades locales de San Rafael un estudio y restauración realizado por Romanorum Le Duc (aclaramos que somos restauradores de bienes patrimoniales), que se realizó hace poco tiempo para el consistorio de Sangolqui en el municipio de Rumiñahui sobre  la Pileta Sangolqui.

Pileta de Sangolqui en Arsenal Le Comte ArtsPileta de Sangolqui en una obra del siglo XVIII. Autor desconocido.

Siendo en este proyecto de la pileta donde nos encontramos trabajando en la actualidad, llevando a cabo una concienzuda restauración de ese monumento,  así como también, una exposición de gobelinos rusos, muchos de ellos de estilo Bizantino, la cual por las causas de fuerza mayor que os explicaré ahora tenemos que suspender.

Diversas muestras de arte objetos y señala-hojas publicitarios de la Pinacotheca Diveras muestras de arte objetos y señala-hojas publicitarios de la Pinacotheca

Como os decía nos vemos obligados a suspender la exposición de gobelinos rusos, así como al cierre de la Pinacotheca Galería Museo por el estado de excepción que se ha decretado en todo el Ecuador,  siendo San Rafael muy afectado decretándose su evacuación , al encontrarse cerca del volcán Cotopaxi que desgraciadamente a entrado en erupción.

Pedro Ordoñez en Arsenal Le Comte Arts
Obras de Pedro Herrera Ordoñez expuestas en la Pinacotheca

Este volcán se encuentra a una altura de 5.897 sobre el nivel del mar y está ubicado en el centro del Ecuador, ha estado un siglo en reposo, pero hace quince días se produjeron cinco explosiones de ceniza y gas, que precedieron a la emanación de flujos piroclásticos en la madrugada. Ante el riesgo de una inminente erupción, el presidente del país Rafael Correa firmó un decreto de estado de excepción de 60 días en todo el territorio nacional de Ecuador, ordenando la movilización de todas las fuerzas armadas y la entrega de recursos para contener la eventual emergencia.

Cotopaxi en Arsenal Le Comte ArtsImagen del volcán realizada esta semana pasada desde la pileta Sangolqui la cual estamos restaurando

El Instituto Geofísico detalla en su página web que el Cotopaxi es uno de los volcanes más peligrosos del mundo debido a la frecuencia de sus erupciones, su estilo eruptivo, su relieve y su cobertura glaciar. La peligrosidad del volcán radica en que sus erupciones pueden dar lugar a la formación de enormes lahares (flujos de lodo y escombros) que afectarían a las zonas vecinas y densamente pobladas, como son el Valle Interandino entre Mulaló y Latacunga, y una parte del valle de los Chillos (Que es donde tenemos la galería). Se estima que unas 300.000 personas se verían afectadas.

Arte objetos en Arsenal Le Comte Arts

Diversas cajas para botellas de vino realizadas en nuestro taller.

 

Por ello, esta fatalidad nos coje de lleno pues detras de la galería discurre un rio, que es una de las coladas por donde discrurriría la lava del volcán, obligándonos esta circunstancia a tener que evacuar todo lo que hemos podido de la galería y tener que empezar de nuevo cuando podamos en otra nueva aventura. Aquí se nos fue mucho tiempo e ilusiones invertidas y la idea que tenemos para hacer frente a esta fatalidad, es seguir con vosotros promoviendo arte y cultura  como una galería virtual, en donde incluiremos una tienda on-line donde podáis conseguir las obras de los artistas que colaboren con nosotros, así como los arte objetos y todos los trabajos y servicios de restauración, asesoría, catalogación y demás temas legales que ofertábamos en la galería, dedicándonos desde ya a poder realizar este nuevo proyecto, siendo una pena el no poder darle un soporte físico como el que teníamos hasta el momento. Pero como os pongo en el título de la entrada, la fuerza de la Natura por el momento nos ha “jodido bien” jajajaja… Pero como os digo no es un adiós y trabajamos para poder estar de nuevo con vosotros, creando como os he dicho una plataforma virtual y a ello nos ponemos.

Esta web continuará como siempre, posteando como hasta ahora, mi forma de ver el arte y esperamos estar pronto con vosotros con el nuevo proyecto de la pinacotheca on-line.

Bueno y no me salen más palabras para explicaros esto, espero haberme hecho entender por vosotros y que la vida sigue. Nos leémos en la próxima entrada.

Saludos. Atte: Arsenal Le Comte

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