Virgen o Madonna del Magnificat – Sandro Botticelli.

Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Uffizi, Florencia. Italia.
Aquí se aprecia la fina obra de orfebreria realizada con hilo de oro, sobre la cabeza de la virgen y la corona.

Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510)

Virgen del Magnificat o Madonna del Magnificat

Es una de las grandes obras del maestro renacentista del Quattrocento italiano. La obra es lo que se llama un TONDO o cuadro circular, teniendo 118 cm de diámetro, por lo cual las figuras representadas en la obra son casi de tamaño natural. Está realizada al temple con hilo de oro sobre panel de madera o tabla.

En la actualidad se encuentra en la galería de los Uffizi de Florencia en Italia.

Tondo de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, 1481. Tondo al temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia.

La obra muestra unos contornos bien definidos con presencia de bastantes curvas debido a su composición circular. Destaca la luz producida por los colores, que son una preciosa mezcla de cálidos y frios, predominando los rojos y los azules, los cuales crean un juego destacado de luces dando una sensación más cercana y recogida, al combinarlos con la luz procedente del exterior que nos da una sensación más mundana y alejada, prestando gran atención  a los detalles, siendo un fina labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos, realizados con finos hilos de  oro.

Detalle de uno de los angeles
Sandro Botticelli (Florencia, Italia.. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Aquí apreciamos el fino trabajo de orfebreria realizado con hilo de oro sobre la cabeza de los ángeles.

Botticelli creo esta obra sobre 1480, siendo uno de los cuadros  más famosos de su época, ya que fue motivo de muchas réplicas, de las cuales han llegado hasta nuestros días, cinco de ellas.

La obra fue cubierta con abundante pintura, hilos y pan de oro. Contiene como ya dije antes figuras de tamaño casi natural, siendo la virgen coronada por dos ángeles sin alas cómo reina de los cielos. La corona es un delicado trabajo de orfebreria con pintura e hilo de oro como bien podéis apreciar en la imagen con la que abro esta entrada, que consiste en multitud de estrellas, siendo una alusión a la “Stella Matutina” (Estrella de la mañana), uno de los himnos de la época dedicados a María.

Destaca la proporción de las figuras, haciendo que aquellas de mayor importancia devocional como son la virgen y el niño sean de mayor tamaño que las demas, creando en tan poco espacio una solución tan compleja delante de la ventana de piedra, que podemos mirar por ella hacia fuera, entre María y los ángeles de la izquierda, dejándonos ver un amplio panorama trazado con las reglas de la perspectiva atmosférica, influenciado por los grandes maestros flamencos de la época.

Detalle de los angeles de la izq. de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. “Detalle”. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Detalle de los tres ángeles de la izquierda de la obra.

En esta obra crea un dinamismo espectacular, los tres angeles de la izquierda se mueven hacia la madre y el niño. El de la parte delantera está arrodillado, sosteniendo un libro abierto y un tintero. La virgen es animada por el niño Jesús para que moje la pluma y escriba las últimas palabras del “Magnificat” (De ahí le viene el nombre a la obra), que comienza en la página de la derecha con la gran “M” inicial, dándole esa acción un movimiento fluido a la obra. A continuación os dejo un detalle para que lo aprecieis.

Detalle de las manos de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de las manos de la virgen y el niño animándola a escribir el Magnificat

Tenemos otro detalle simbolista excepcional, debajo de la obra apreciamos como la madre y el niño sostienen ambos una granada, con toda la carga simbólica que ello conlleva. Ambos celebran ese símbolo de la pasión, símbolo también de la resurrección, sumándose al estado de ánimo básico con el que desea Botticelli introducirnos, de melancolía y meditación con la pintura, haciendo que la virgen nos anticipe la pasión por la que pasará su hijo, concentrada en escribir, dejando entrever el lugar importante que ella ocupa.

Detalle de la granada en las manos de la virgen y el niño en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de la granada sostenida por la virgen y el niño, símbolo de pasión y de la resurrección. (Disculpar pues al agrandar la imagen se pixeló algo, pero se aprecia aún bien el detalle de la fruta)

En el fondo de la imagen se nos abre un paisaje, donde permite tener al observador una visión del paisaje exterior. Estos paisajes presentes en algunas de sus obras, nos apuntan a las influencias que en Botticelli ejercieron los grandes maestros flamencos de la época, como fueron Jan van Eyck, Rogier van der Weyden y Hubert van der Goes.

Las relaciones comerciales entre Italia y los paises bajos, habían sido muy intensas desde el siglo XV. Haciendo que muchos mercaderes y banqueros florentinos, viajasen hacia el norte. Entre los recuerdos que estas personas se traian de sus viajes, eran pinturas que revelaban otras concepciones e ideales artísticos. Los pintores italianos, particularmente admiraban la ejecución detallada de los motivos pictóricos individuales, la confección realista de las figuras en las imágenes, y el efecto de la atmósfera de los paisajes, tomando prestadas algunas ideas de sus colegas del norte de los Alpes y adaptándolas a su forma de pintar.

Detalle del ange de la derecha de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle del rostro del angel de la derecha, posiblemente sea Lorenzo el mágnifico

Esta obra fue la más cara y costosa que Botticelli creo en toda su vida, por lo que nos hace adivinar que el empleo liberal del oro en la obra, sin restricciones, habría sido por deseo expreso de la persona que encargó el trabajo. Se dice, que están idealizados los retratos de los hijos de los Medici. La cabeza de la figura detrás de la Virgen es el retrato de Lorenzo el Magnífico en su juventud. Glorificando su nombre con el Magnificat que la virgen escribe.

El Magnificat que escribe la virgen es el siguiente, (Os lo pongo traducido del Latín):

Mi alma glorifica al Señor,
Y mi espíritu se regocija en Dios mi Salvador.
Porque ha mirado la humillación de su esclava,
Porque he aquí, ahora todas las generaciones
me llamarán bienaventurada.
Porque el Poderoso ha hecho obras grandes por mí,
y santo es su nombre.
Y su misericordia es de los que le temen
de generación en generación.
Él hace proezas con su brazo.
Él dispersa a los soberbios
en el pensamiento de sus corazones.
Quitó los poderosos de sus tronos
y exaltó a los humildes.
Ha llenado el hambre con las cosas buenas;
ya los ricos los despide vacíos.
Él ha ayudado a Israel su siervo,
acordándose de la misericordia;
Como habló a nuestros padres,
a Abraham y a su descendencia para siempre.

Gloria al Padre y al Hijo y al Espíritu Santo.
Como era en el principio, ahora y siempre será,
un mundo sin fin.
Amén

Saludos y hasta la próxima entrada.

Arsenal Le Comte Arts

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La Piedad Invertida – Javier Castillo Zurita, por encargo de Marina Vargas. (Neobarroco)

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La Piedad invertida o la Madre muerta, Javier Castillo Zurita, bajo encargo de Marina Vargas. Modelado en barro blanco tamaño natural.Molde y positivo en resina+GelCoat. 2012. 152 x 138 x 96 cm
. Marina realizo varias interpretaciones de esta obra realizandolas con resina de poliester y después policromándola

– La Piedad invertida o la Madre Muerta –

A simple vista, esta escultura ideada por Marina Vargas, 
vemos que hace referencia a La Piedad de Miguel Ángel. 
Pero también se inspira en las famosas piezas de Bernini llamadas 
“Theatrum Sacrum”, como, por ejemplo, El éxtasis de Santa Teresa 
y el de la Beata Ludovica Albetoni

Marina Vargas (Granada, 1980)

Se forma en Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha mostrado su obra en las ciudades de Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga, Milán, Nueva York, México, Monterrey o La Habana, ganadora de premios como el INJUVE (Madrid) y INJUVE (Málaga), ambos en 2008, Premio Internacional de Pintura Focus Abengoa (accésit) en 2008, o las Becas de Creación Iniciarte (Sevilla) en 2009, o la otorgada por la Fundación Antonio Gala, en 2006, entre otros.

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Marina Vargas junto a su obra de la Piedad invertida o La Madre muerta.

Marina Vargas, le encargó el modelaje de esta obra al escultor Javier Castillo Zurita, (aquí a continuación, os dejo un video de su proceso), realizándola en barro blanco. Con ella a realizado varias interpretaciones a cada cual más bella e impactante con resina de poliester.

He conocido esta obra hechando una ojeada a las obras que se expusieron en  ARCO de Madrid en el 2014, buscando algo nuevo contemporaneo, o alguna pieza blasfema de las que habitualmente aquí se exponen. Cuando de repente vi esta imagen dejándome impactado por su belleza, profundidad y desgarro. Viendo una imagen de un Jesús sereno, pausado y doliente, sosteniendo en brazos la agonía de su Madre,  un cadáver yaciente, sin sostener nada en la mano, pues en otras versiones sostiene un corazón sangrante en ella. Que impacto, que fuerza la interpretación actual que hace Marina de la famosa Piedad de Miguel Ángel, pero en la que el hijo es el que lleva en brazos a la madre.

Neobarroco, con una muy cuidada puesta en escena, produciéndome un diálogo interior de mis ideas preconcebidas de mi educación cristiana. Feminidad, violencia por lo trágico de la muerte y el amor con que el hijo sostiene en la muerte a su madre, dan vueltas en mi interior admirando la creacion con un simbolismo alusionando a Miguel Angel con una identidad contemporanea.

Logra generarme dudas, sensaciones, sentimientos, comparaciones, al ver esta obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada, donde la madre es ungida por la caricia del otro, aquel que más la adora, entregándole con ello su deidad, provocándome reacciones ante el amor, la muerte y porqué no, dudas en la fe.

Las distintas interpretaciones que hace Marina de la Piedad invertida, están realizadas con resina de poliester policromada, con unas medidas de 152 x 138 x 96 cm. O sea son de tamaño natural. Todas representan la escena de la Piedad vaticana de Miguel Angel con la salvedad que las de Marina, la muerta es la Virgen, que está sostenida por Jesús. La escena es acojonante, aunque cuando nos fijemos en el rostro de la virgen, comparándolo con la Piedad del vaticano, ya no parece una joven dolorosa, si no más bien una santa en éxtasis.

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Detalle de la cabeza de la vigen, donde podemos apreciar que ya no es el rostro de una virgen dolorosa, si no que se asemeja más a una santa en éxtasis, recordándonos a la Santa Teresa de Bernini.

Cómo véis su expresión es cercana al Extasis de Santa Teresa de Bernini, incluso con la caida del brazo, ¿abatida, extasiada? probablemente una magnífica expresión de dolor nacida de la mano de Javier (no olvidemos, que fue el autor de la pieza original para después hacer el molde). En cuanto a su cuerpo, no va tan recatada como suelen representarnos a la virgen, el cuello del vestido, nos deja adivinar un escote, y sus piernas, no son sólo insinuadas, sino que se dejan ver por debajo del vestido. En cambio la expresión del Cristo, es neutra, reflejando más bien pasividad, que no la pena esperada por la situación.

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Detalle del proceso de modelaje de la figura a cargo de Javier Castillo Zurita

Sin embargo de todas las versiones que nos ha realizado Marina, la que más me ha impactado es la realizada en enero del 2014 en la Galería Javier Lopez de Madrid, titulada: Marina Vargas; La muerte por las manos

La composición está formada por dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas en una performance sublime. Donde, La Piedad “Externa” de color blanco, sujeta el corazón sangrante de La Piedad “Interna” de color rojo, a la cual le falta el corazón. Es importante destacar el revestimiento de la escultura, que parece esgrafiada con hilos dorados que se entrelazan como finas ramas posándose sobre la figura. Según palabras de la artista son como venas (ella misma las llama “entrañas”), buscando de esta manera sacar fuera lo que escondemos, como un campo energético interior descrito con un entramado de líneas de luz.

Según palabras de Marina:

Mi primera intención al invertir los papeles de La Piedad de Miguel Ángel fue la de humanizar una imagen sagrada. Pues lo más natural es que a un hijo se le muera un padre. Pero también quería situarme en ese fino límite entre lo sagrado y lo profano, para reivindicar un regreso a lo femenino, desde lo primigenio. Y por supuesto para evidenciar el poder y el papel de la mujer en lo religioso. Son aspectos que aún están flotando en la sociedad en la que vivimos y que tienen que ver mucho con la política.

Un detalle de estas obras es que cada una de ellas, lleva en su interior según palabras de la autora, en las entrañas, algo dentro que es como una recarga extra simbólica… “La primera Piedad invertida, por ejemplo, lleva una caja con una inscripción en su exterior: QUE NADA NI NADIE ME CORTE LAS ALAS. Su interior contiene elementos y objetos que he guardado mucho tiempo conmigo y me han acompañado… De estos objetos no doy ninguna información porque es mi secreto… Es como un altar dentro de otro…”.

Explicaba Marina Vargas en una entrevista a Fer Francés (@FerFrances1) “La Piedad Invertida responde a invertir nuevamente los valores, humanizando la historia. Pues lo natural es que a un hijo se le muera un padre y no al revés. Se trata de una inversión de la pieza como ídolo y no como imagen (…) el tamaño debía ser a escala humana. Muerta la madre de Dios, muere la matriz, la energía creadora y no existe Dios. Al invertirse el concepto, se invierten los poderes. Y lo sagrado y lo profano prácticamente están ligados y al límite”.

Aqui os dejo un enlace a la web de Marina Vargas.

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Imagen de las dos obras enfrentadas en la galería Javier Lopez de Madrid

 

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Atte: Arsenal Le Comte

Venganza bajo juramento – Francesco Hayez, (Venecia, Italia. 1791 – 1882)

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento. 1851. Óleo sobre lienzo. 237 x 178 cm. Firmado y fechado: Fran. Hayez / en Venezia 1851 Liechtenstein Museum –  Palacio de verano de Liechtenstein.  – Liechtenstein.

Francesco Hayez pintó esta magnífica obra en Venecia en el año 1851, “Venganza bajo juramento”.  La composición está dominada por las dos figuras de tamaño natural casi en su centro, su tratamiento detallado del fondo, desencadena un fondo sugerente de los palacios venecianos junto con una bella fuente.

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Venganza bajo juramento – Detalle del fondo de la obra donde se aprecia el buen gusto de Hayez al interpretar los clásicos palacios venecianos.

Hayez, también, era un maestro de la representación de las distintas cualidades de los diversos tipos de tela,  apreciamos como destaca partiendo del patrón de las flores del vestido, por medio del brillo de la seda, a la transparencia del velo.

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Magnífico nivel de detalle en esta trasparecia del velo del vestido, teniendo como fondo la fuente o pileta.

Hayez estaba íntimamente relacionado con el mundo del arte vienés de este período. Había llegado a Viena en 1836 con el fin de contribuir al proceso de reforma puesto en  marcha luego en la Academia de Bellas Artes, y fue presentado al emperador por el príncipe Metternich.

Los pintores vieneses de este período también estaban atentos a la evolución del resto de Europa y el conocimiento de lo que se estaba pintando en Inglaterra, en Francia y en Italia aseguraron una cierta apertura para encontrar su reflejo en la obra producida en Viena.

Es por referencia al arte producido en este periodo en otros países por lo que somos capaces de hacer comparaciones significativas. Tal referencia amplia nos proporcionan los criterios que nos permiten reconocer la importancia y la calidad de la pintura de la era Biedermeier en Viena, incluso para los estándares establecidos por el presente contexto internacional.

Esta pintura pertenece a  una serie inspirada en una novela inédita de Andrea Maffeil. Es parte de un tríptico sobre el amor y la venganza, junto con la Acusación secreta, ahora en la Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía, y La venganza de un rival (La Mujer de Venecia), el paradero de esta tercera obra es actualmente desconocido.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – La acusación secreta. 1847-1848. Óleo sobre lienzo. 153 × 120 cm. Pinacoteca Civica Malaspina de Pavía. Italia

 

En esta parte que nos ocupa del tríptico, Raquel (enmascarada y con el vestido de flores) ha informado a María (que llevaba un velo), sobre el engaño de su amante. Maria ha quitado la máscara de su cara y está empujando a Raquel distanciándola. En el marco de la obra original, apareció un verso de Maffei con las siguientes palabras: “via dal mio cor si vil pensiero” – “destierra de mi corazón tan vil pensamiento”.

 

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, excepcional el nivel de detalle de las máscaras.

Una figura silueteada en un balcón en el fondo parece estar alejada del drama. Las actividades del canal, desiertas, no existen, creando un espacio semiprivado en el que se revelan los secretos, pero sólo para algunos…

Las colecciones del Principado de Liechtenstein  contienen grandes obras de arte europeo que abarca cinco siglos, encontrándose entre las colecciones privadas más importantes del mundo. Que data del siglo XVII, teniendo sus raíces en el Barroco ideal de mecenazgo principesco de las artes. Durante generaciones, la Casa de Liechtenstein ha nutrido constantemente este ideal, añadiendo sistemáticamente a las participaciones de la colección de acuerdo con una política de adquisiciones un activo que continúa hasta nuestros días. Esto permite que existan áreas focales de la colección a ampliarse y mejorarse a través de la adquisición de obras de arte de la más alta calidad, garantizando así el atractivo perdurable de las colecciones del Principado.

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Francesco Hayez (Venecia, Italia. 1791-1882) – Venganza bajo juramento, detalle del busto de María.

Atte: Arsenal Le Comte

Escultura basada en los estudios de Da Vinci sobre el “Ornitóptero”

Da Vinci

Estatua basada en la obra de Leonardo da Vinci. “Ornitóptero”. Artista desconocido. Actualmente expuesta en la Opera Laboratori Fiorentini, Florencia, Italia.

En nuestra sociedad, la copia está mal vista y va implícita una pérdida clara del valor de la pieza reproducida a partir de la original.

La copia en nuestro entorno sociocultural, demuestra que uno no tiene autosuficiencia, capacidad propia para crear o llegar a soluciones, además de ir en detrimento del respeto por el esfuerzo ajeno del que sí lo ha conseguido.

Mas en el contexto en el que lo hacen los que copiaron a Da Vinci,  lo enmarcamos en el contexto de la copia  para el aprendizaje y el beneficio común de nuestra especie, llegar a soluciones más eficientes y respetuosas con el medio ambiente en el cual vivimos. En definitiva, para aprender a hacer las cosas bien.

Durante toda su vida, da Vinci estaba fascinado por la idea de volar y pasó muchas horas diseñando una máquina voladora“.  Partió de los estudios realizados por Roger Bacon sobre 1250.  Asimismo Da Vinci estudió y copió el vuelo de las aves en su sueño de emularlas, estudió su estructura, la relación de las plumas y los huesos, el aleteo etc. Diseccionó muchos pájaros y comparó los huesos humanos con los de las aves, las costillas, las falanges etc. Más tarde con los materiales de los que disponía, trató de llegar a soluciones más o menos acertadas, como fue el “Ornitóptero”.  Y lo que no cabe duda que sus estudios fueron muy útiles para los que vinieron después. Un ornitóptero es un aerodino que obtiene el empuje necesario del movimiento batiente de sus alas de forma análoga a como lo hacen las aves y de ahí su nombre que en griego significa “pájaro” (ornos, ornitos) “con alas” (pteros).

En la exposición que se celebró en el año 2007 en el en el Museo Tecnológico de la Innovación, en San José, California. USA. Llamó poderosamente la atención esta estatua cuya autoría aún desconozco, (si alguien lo sabe agradecería que me lo dijese) basada en los estudios de da Vinci, que representa la transformación del hombre en ave, preparando la transformación de su brazo en ala, preparándose para emprender el vuelo. Actualmente se encuentra en la Opera Laboratori Fiorentini de Florencia en Italia.

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Esculturas fantasmales – Livio Scarpella

Esculturas marmol de Sanmartino

Livio Scarpella (Ghedi. Brescia 1969) – “Anima Beata / Anima Dannata” (alma bendita / alma condenada) Marmol y el corazón amatista y cuarzo. De la seríe (Ghost – Underground) – Basadas en las esculturas de la Capilla de San Severo en Nápoles, Italia.

Livio Scarpella nació en Ghedi, Brescia, Italia, donde vive y trabaja. Fué alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera, diplomándose en 1990. Trabajó como asistente en el estudio del escultor Giuseppe Bergomi hasta el año 1995.

En 1993 fue premiado por la pintura ” San Carlos Borromeo” (Palazzo della Permanente, Milan, Italia). En el 2002 obtiene el premio Durini.

Relicario nº 3

Escultura nº III de una serie de tres obras de relicarios llamados Bimba.
Bronce dorado, lapislázuli, cobre repujado y plata, perlas, coral, geoda
33x14x14 cm

Segundo relicario

De la serie de tres relicarios este es el nº II,
Bronce dorado, lapislázuli, cobre repujado y plata, perlas, coral, geoda
33x14x14 cm



Algunas de sus obras han sido utilizadas para ilustrar las cubiertas de varios libros de Aldo Busi.

En el año 2003, es invitado a participar con “Italian Factory – la nuova scena artistica italiana” al parlamento europeo de Estrasburgo. Ese mismo año también es invitado a la Benial de Venecia, en la sección “Extra 50”

Escultura de Livio representando una cabeza

Escultura de Livio representando una cabeza

El siguiente trabajo es una serie de aspecto clásico llamada “Ghost Underground” inspirada en las obras de la capila de San Severo en Nápoles, Italia, representando almas fantasmales ocultas bajo un velo transparente, mostrando expresiones de angustia o de paz en sus rostros.

Son parejas con destinos opuestos, como “el bendito” y “el maldito”, como “alma bendita” y “alma condenada”, dándoles un especial simbolismo las piedras preciosas insertadas en los bustos, cerca de los corazones de las esculturas.

Estos cristales y los rostros suavemente envueltos por un velo, forma un interesante conjunto de texturas, que nos llama la atención de inmediato, emanando estos bustos fantasmales una magia que nos hace admirarlos durante rato sin cansarnos por ello descubriendo todos sus perfectos detalles.  Pues Livio Scarpella, con su gran técnica logra que no sólo sean rostros humanos, sino que también parezcan almas en pena, perdidas del más allá. Evocando el tema de la vida y la muerte, del que ninguno vamos a poder escapar.

Echar un vistazo a estas imágenes e intentar interpretar cada uno de sus rostros y expresiones, seguro que os harán reflexionar.

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Estudio de mujer. Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) o bien Leonardo da Vinci (1452–1519)

Leonardo y Giovanni

Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) o bien
Leonardo da Vinci (1452–1519) – Estudio de mujer. Entre 1498 y 1502. Lápiz negro, carbón, y tizas de varios colores, lavado con blanco en papel preparado. 54,5 X 40,5 cm. Biblioteca Ambrosiana de Milán, Italia.

En este boceto al igual que con al autor, existe controvérsia, pues no se sabe a ciencia cierta quien es la mujer retratada. Existen dos posibles candidatas:

Probablemente se trate de Isabel de Aragón, también conocida como Isabel de Nápoles. (Princesa de Nápoles, Duquesa de Milán y de Bari, Princesa de Rossano y pretendiente al título de Reina de Jerusalem por la rama napolitana. (1470-1524).

Y probablemente también pueda ser Lucrecia Borgia. (Señora de Pésaro y Gradara, Princesa de Salernao, Duquesa de Ferrara, Bisceglie, Modena y Reggio). (1480 – 1519).

Tambien la autoría es una incertidumbre, pues aunque se afirma que pertenece a Leonardo da Vinci, en la epoca que entró al servicio de Cesar Borgia.  También se baraja la posibilidad que fuera de su discípulo, Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516)

En 1502 Leonardo da Vinci, después de haber trabajado durante varios años para Ludovico Sforza, duque de Milán, entra al servicio de Cesar Borgia como ingeniero militar, para la construcción de las fortalezas papales. Con Ludovico Sforza, Leonardo llevó a cabo funciones similares como consejero de fortificaciones pero además, fue maestro de festejos y banquetes donde pudo llevar a cabo su viejo sueño de comandar una cocina para experimentar con nuevos ingredientes, sabores y recetas.

Conociendo estos antecedentes Cesar Borgia requirió sus servicios, además para los que fuera contratado, teniendo en cuenta el permanente afán de investigación que siempre imperó en la vida de este genio.

La tarea encomendada consistía en elaborar un veneno que no fuera percibido por los probadores de comidas que estaban al servicio de la nobleza y eclesiásticos, acosados por enemigos que pretendían usurparles cargos, tronos o simplemente para vengarse de alguna trastada. Entonces tenemos a Leonardo encargado de fabricar los famosos venenos de la familia y por ende los de Lucrecia, encargándole ella un retrato del cual Leonardo hizo este estudio pero al acabar mal la historia del veneno sin sabor que ya contaré en otra entrada, se deterioró la relación con la familia, dejando de estar a su servicio en 1503, sin haber comenzado el retrato de Lucrecia.

También se baraja la posibilidad que Leonardo hicera este boceto tomando como modelo a Isabel de Aragón, pues se la señala como uno de los posibles modelos de Leonardo para su Mona Lisa pues Leonardo fue el pintor de la corte del Duque de Milán durante 11 años. Alimenta también esta hipótesis la leyenda de que Isabel se casó clandestinamente con Leonardo, naciendo de esta relación dos hijos y tres hijas, pero esto son todo conjeturas.

Luego también existe la posibilidad que la obra fuese realizada por su discípulo Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516).  Pues el parecido del dibujo con las obras de virgenes con el niño que realizaba tomando como modelo la cara de Isabel de Nápoles, es muy grande.

Virgen con el niño de Boltraffio - National Gallery de Londres

Giovanni Antonio Boltraffio (1467–1516) – Virgen con el niño. Entre 1493 y 1499. Óleo sobre panel de madera. 92 X 67cm. National Gallery de Londres.
Aquí vemos el gran parecido entre los dos retratos.

Boltraffio como pintor de la corte del ducado de Milán utiliza el rostro de Isabel de Aragón, duquesa de Milán, para desarrollar la composición facial de la virgen, ya que en aquella época los pintores solo podían representar como santos a personas relevantes; en el caso del ducado de Milán, solo la familia Sforza podía ser retratada como santos.

Atte: Arsenal Le Comte Arts