Maestros de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

claude joseph vernet Maestros de la luz en arsenal le comte arts

Claude-Joseph Vernet, Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas (1753), óleo sobre lienzo. 96,5 x 134,6 cm

Maestro de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

La escena nocturna de la imagen, evoca un paisaje imaginado de la costa italiana, iluminado por el resplandor de la luna y sus plateados reflejos. Fue pintada por uno de los maestros de la luz, Claude-Joseph Vernet, el pintor de marinas más célebre de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando regresó a Francia tras una estancia de casi veinte años en Roma. Aclamado por los enciclopedistas de la Ilustración, como Denis Diderot, sus paisajes contribuyeron a estimular una sensibilidad prerromántica entre sus contemporáneos, mostrándoles los diferentes efectos lumínicos y atmosféricos en la naturaleza.

Claude Joseph Vernet Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789) – Calma en un puerto mediterraneo.

Miembro de una familia de artistas, Claude-Joseph Vernet recibió sus primeras lecciones en Aviñón, primero de su padre, Antoine Vernet, y luego de Philippe Sauvan, pintor de historia.

Tras este aprendizaje inicial Vernet comenzó a trabajar en Aix-en-Provence con el pintor de paisajes y marinas Jacques Viali. Su primer trabajo como pintor independiente fueron unas pinturas decorativas que realizó, en 1731, para el hotel del marqués de Simiani, en Aix-en-Provence, de las cuales dos de ellas se conservan in situ.

En. 1734, gracias a la protección del marqués de Caumont, Vernet viajó a Roma para completar su formación artística. Allí, enseguida, se integró en la comunidad de artistas franceses residentes en la ciudad y entre los miembros de la Academia de Francia. Hacia 1738, Vernet era ya un conocido pintor de paisajes y de marinas, que recibía encargos de importantes clientes, de distintas nacionalidades, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Gran parte de su clientela estaba también formada por británicos que realizaban el Gran Tour. Desde 1746, año de su admisión en la Academie Royale, Vernet expuso regularmente en el Salon, donde sus obras fueron muy bien acogidas por la crítica

Las marinas de Vernet, aunque herederas de la pintura de paisaje de historia de Claudio de Lorena, se basan en la observación de la naturaleza. Durante esa primera etapa romana, Vernet realiza muchas excursiones y viajes de trabajo para dibujar la campiña y la costa mediterránea desde Roma hasta Nápoles, registrando elementos que formarán la base de su repertorio para el resto de su carrera artística.

Poco. después de su regreso a Francia, en 1753, Vernet comenzó a trabajar por encargo del rey Luis XV en una serie de quince grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, conservadas en París, el Musée du Louvre, y en el Musée National de la Marine. Este ambicioso proyecto, que le ocupó más de diez años, le obligó a viajar por todo el país, hasta que en 1765 lo abandonó, dejando la serie incompleta. Durante el resto de su carrera Vernet continuó trabajando en sus temas preferidos: paisajes italianizantes, puertos y tormentas marinas.

Las marinas solían ser de dos tipos: mares en calma o mares tempestuosos. Estos últimos se convertían en el escenario de dramáticos naufragios, una amenaza real y muy frecuente en esta época en que las vías marítimas eran los principales medios de comunicación y transporte. Los naufragios en las series —pues siempre se incluía uno— constituían un contrapunto emocionante a las otras marinas en calma e ilustraban dos incipientes conceptos estéticos: lo sublime (que incitaba la sensación de horror en el espectador) y lo bello (procurando una sensación agradable y sosegada)

“Vernet sabe revivir tormentas, abrir las cataratas del cielo e inundar la tierra; también sabe, cuando quiere, disipar la tempestad y devolver la tranquilidad al mar, la serenidad a los cielos. Entonces toda la naturaleza, como saliendo del caos, se ilumina de una forma encantadora y vuelve a tomar todos sus encantos […]. ¡Qué serenos son sus días!, ¡qué tranquilas son sus noches!, ¡qué transparentes sus aguas! Él crea el silencio, el frescor y la sombra en los bosques. Se atreve sin miedo a colocar el sol o la luna en su firmamento. Le ha robado su secreto a la naturaleza; todo lo que ella produce, él puede repetirlo.”

Denis Diderot, Salones, 1759

La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

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La academia de Platón – El arte de Jean Delville

La academia de Platón de Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Historia de la belleza – La academia de Platón. 1898

Obra super cargada de simbolismo,  del maestro Jean Delville.

Hace ya bastante tiempo leí “Historia de la belleza”  de Umberto Eco (Un gran libro que aunque ilustrado con cientos de excelentes imágenes de obras maestras de todos los tiempos,  no es una historia del arte.  Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, desde Pitágoras hasta nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas, canones, estilos y formas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica). Pues dicho esto, casi al final de la historia en la página 322 aparece este cuadro pintado por el simbolista, seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía, Jean Delville, llamada “La academia de Platón” 1898.

Bélgica fue, a fines del siglo XIX, uno de los grandes focos del simbolismo europeo. La obra, pictórica y literaria, de Jean Delville expresa de éste la vertiente más esotérica. A mediados de los años 1880, el descubrimiento por el artista del mundo simbolista Parisino, y las relaciones que entabla, le hacen romper con el naturalismo heredado de su formación académica.
De modo que su amistad con  Sâr Péladan y su frecuente participación en los Salones de la Rosacruz, demuestran su adhesión a un arte de ideas, dedicado a la evocación más que a la descripción.

Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts.

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Jean Delville nació en la ciudad belga de Lovaina, trasladándose a Bruselas a los seis años. Ya adulto, vivió principalmente en el suburbio de Bruselas “del Bosque”, pasando también algunos años en París, Roma, Glasgow y Londres. Desde muy joven su habilidad artística era excepcional.  Se formó académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans y de Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,… dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889. Comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de Bruselas cuando tenía doce años, continuando allí hasta 1889 y ganó varios premios.  Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

La academai de Platón en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Con lo cual dicho todo lo anterior llegamos a esta colosal obra que creo que fue el SUMMUN de su carrera.

La academia de Platón, es un óleo sobre lienzo espectacular, haciendo 2,60 metros de altura por 6,05 metros de ancho. Esta impactante obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, perteneciente a la colección de Hervé Lewandowski. En la web del museo reza esta leyenda, dicen que esta al pie de la obra en el museo, más como esta obra la vi de lejos, pues debido a su gran tamaño, es así como hay que verla, al ser un viaje organizado, con las prisas de los guias, no le presté atención y no lo se cierto, si alguien lo puede corroborar que lo ponga debajo en comentarios:

(La Escuela de Platón, decoración destinada a la Sorbona que jamás se colocó).

Disculpas por si la traducción de esta leyenda no es la correcta pues hace tiempo que no utilizo el Francés y con ayuda del Santo Google Translate, hice lo que pude de la información de la web del Museo d´Orsay.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Se puede observar cómo asocia el artista la figura del filósofo griego con la imagen habitual de Jesucristo, además de ilustrar a la perfección el componente erótico de la filosofía platónica. En su pintura hay un gusto evidente por lo oculto y la Iniciación, siendo cada detalle de la obra debido a su gran nivel, otra obra en si, por ello he seleccionado fragmentos de la obra para que se pueda apreciar y estudiar más a fondo.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

La academia de Platón, es además de un título, una obra sobrecogedora. Sus dimensiones monumentales, la ambición de su propósito, una interpretación de la filosofía clásica vista por el prisma del ideal simbolista, señalan en seguida la singularidad de la obra. Se nos manifiesta  proclamando  sus referencias en cada pincelada, de Rafael a Puvis de Chavannes; pero embelleciéndolas con una extraña seducción de una gama cromática obviamente irreal. La ambigüedad que se desprende de este manierismo de fin de siglo, nubla a propósito, cualquier frontera entre pureza y sensualidad.

Aquí os dejo una galería con fragmentos con bastante resolución de la obra y podréis apreciar el nivel de detalle del artista. Haced clic para agrandar las imágenes.

AQUÍ os dejo un enlace por si queréis adquirir el libro de Umberto “Historia de la belleza

Nos leemos en la próxima entrada. Atte: Arsenal Le Comte.

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Nicolás Obery – El universo oscuro

Alegoría de Nicolás Obery a Gustave Courbet en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Courbet desesperado. Arte digital y Scratch – Board.

Nicolás Obery

Sumergido en su Fantasmagorik

Bienvenidos a un universo oscuro, a medio camino entre espectros misteriosos de humo y scratch-boards para adultos, nacidos de la mente creativa del prolífico artista digital parisino Nicolas Obery.

En la cumbre de su carrera como director artístico, (Trabaja para: Adidas, Nespresso, Biotherm, Nuxe, Martell, Mumm, Casio… Y muchas más). Se propuso crear una colección de obras de arte a caballo entre lo real y la fantasía, emergiendo una creación fascinante a la que llama Fantasmagorik.

Alegoría de Dalí y Da Vinci de Obery en Arsenal Le Comte Arts
Nicolás Obery (Francia) – Memento Monna. “Detalle” Surrealista recreación de la Gioconda de Da Vinci con el rostro de Dalí en un Memento Mori. Medios Digitales, scratch-board monocromo.

Fantasmagorik

Este sueño, es una serie de retratos numéricos monocromo, empleando en muchos de ellos aparte de medios digitales, técnicas de scratchboard. Cada retrato está compuesto por muchas digamos, “esculturas digitales” más pequeñas, que va uniendo y montando como un puzzle hasta conseguir estas impresionantes obras de marcadas tendencias Steampunk, siendo el objetivo principal de Nicolás el recrear un universo paralelo en el mundo surrealista, reinterpretando  y reproduciendo elementos y personajes míticos.

Alegoría de Obery de Marilyn en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Monroe, Scratch-board y medios digitales

Photoshop es su caja de herramientas principal, con la cual Nicolás dibuja y esculpe diversos e intrincados pequeños objetos para crear una biblioteca de imágenes (pelo, flores, tubos, ojos, bocas, animales, insectos, …) los cuales añade a trozos de imágenes y como ya dije antes en algunas utiliza el Scratch-board, para crear las obras finales. Usando un juego contínuo de contrastes (sobre todo entre blancos y negros), enfatizando la figura sobre fondos completamente oscuros. Estoy seguro que detrás de cada una de sus obras deben de haber un montón de horas de trabajo, Superman, Batman, Marilyn, Lady Gaga, Hellboy, los muñequitos de Lego y muchos más, son sólo unas de las caras conocidas que nacen de nuevo después de pasar por la imaginación sin freno de Nicolás. ¿Cuales son las fuentes de inspiración de Nicolás? La lista es larga e incluye a Salvador Dalí, Arcimboldo, Da Vinci, Magritte, Philippe Pasqua, Oleg Dou, Smirkmasks, Kris Kuksi, entre otros sin distinguir de épocas ni de estilos.

Hellboy en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Hellboy. Scratch-board y medios digitales

Fantasmagorik es una serie de más de doscientas pinturas digitales. Mezclando ingeniosamente referencias a la cultura pop e iconos como (Marilyn Monroe, Madonna, etc) y homenajes a artistas surrealistas como Salvador Dalí, Magritte e incluso renacentistas como Arcimboldo o Da Vinci, (su Memento Monna es fascinante). Nicolas compone retratos intrincados, sus composiciones complejas recuerdan la obra de Kris Kuksi, que cita como fuente de inspiración. Sus rostros pálidos extravagantes también muestran los guiños a la religión, el Steampunk y el día de los muertos en Méjico. (Sus Catrinas son bellísimas).  Un verdadero placer para los ojos y la mente que conduce al espectador a un mundo de fantasía, sensualidad y humor.

Catrina, Scratch board en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Catrina. Scratch-board y medios digitales

A continuación os dejo una galería con algunas de sus obras. Haced Clic en ellas para ampliar las imágenes.

Si queréis saber más sobre su vida y obra, en su web, haced clic AQUÍ, Su site en Béhance, AQUÍ y su pagina de Facebook AQUÍ.

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Nos léemos en la próxima entrada. Saludos

 Arsenal Le Comte

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Arte en la alta costura – Charles Frederick Wort. (Inglaterra. 1825 – 1895)

Traje Victoriano

Traje de estilo Victoriano del siglo XIX

En el siglo XVII, en tiempos de la reina María Antonieta, existió una mujer llamada mademoiselle Marie-Jeanne Rose Bertin, nombrada Ministra de la Moda por la reina, pues fue su modista durante su corto reinado.
Ella fue la primera modista en tener un lugar propio para atender a su clientela, entre quienes se contaban la reina de España, –  la de Suecia, – la de Bohemia, la zarina de Rusia y otras más. Su salón, llamado Le Grand Gogol, se encontraba en la Rue Saint Honoré. Marie-Jeanne pudo ser la inventora de la moda y de la alta costura, pero la Revolución Francesa no se lo permitió. Por lo que el concepto de “alta costura” tuvo que esperar sesenta y nueve años a que Worth abriera su salón en el número 7 de la Rue de la Paix.

Charles Frederick Worth, inglés, dio los primeros pasos al final del siglo XIX, siendo el primer modisto que vendía sus diseños con su nombre, no los hacía bajo pedido, sino que él los creaba y, lo más importante, fue el primero en organizar una especie de pasarela, en donde vestía a modelos con sus creaciones e invitaba a sus mejores clientas a verlas. Worth fue el primero en interesarse más por vender su trabajo, que en complacer a las mujeres de la alta sociedad. Fue un total éxito: todas sus clientas morían por ser como aquellas modelos que Worth les presentaba.

Maniquí con traje victoriano 1867

Traje Victoriano realizado en 1867

El inglés Charles Frederick Worth (1825-1895), podemos decir que fue el primer diseñador de alta costura del mundo.

¿Pero qué lo hace merecedor de este título?

Antes de Charles Frederick Worth, todo era muy distinto en el mundo de la moda. Quienes tenían el poder adquisitivo para hacerlo, acudían a costureros para que les confeccionaran los voluptuosos vestidos usados en la época, pero estos vestidos no tenían el sello personal del costurero, (Carecian de la clásica “etiqueta”) que cualquier marca de ropa hoy en día tiene.

Frederick Worth partió como un aprendiz en la industria textil londinense, tras 7 años de formación decide que París era el lugar donde debía vivir, uniendo la técnica del corte inglés con la elegancia propia de los franceces. Fue entonces cuanto todo dio comienzo.

Lo primero que hizo fue creer en él y en lo que él sabía hacer considerándolo acertadamante como una obra de arte cada vestido que realizaba. El inglés empezó a considerarse a sí mismo una celebridad, fué el primero que firmó sus diseños. Al igual que hacian otros grandes creadores de música, literatura, escultura , puso etiquetas a sus vestidos, firmando los vestidos que confeccionaba como si fueran obras de arte. Al ser el primero en hacerlo, creó un nuevo concepto en la época: el “Couturier” (modisto).

Firma o etiqueta

Firma original de Charles Frederick Worth.

El acto de firmar sus diseños, que a muchos les puede parecer un acto pequeño, hizo un gran cambio en la época: Feredrick Worth decidía cómo serían los vestidos que usarían sus clientas, dejando de ser solo un costurero.

Fué tambien el primero que hizo una colección por año, que presentaba a sus clientas, con lo que se considera que fué tambien el primero que hizo desfiles de moda. Idea que han continuado la mayoria de los creadores posteriores. Esto que hoy nos parece normal fué una auténtica revolución en su momento.
Siendo en 1858 cuando funda su propia casa de moda en la Rue de la paix en París. Aquí fue cuando empezó muchas de las prácticas del mundo de la moda que se hacen hasta hoy.

Eliminó fruncidos y volantes desproporcionados, dió cortes más favorecedores a los vestidos y pasó de la crinolina redonda a la eliptica. Tenía a su favor la maestria de los ingleses en el corte de las prendas, y el gusto exquisito de los franceses , a la hora de realizar sus creaciones. Uno de los grandes cambios que hizo en los diseños de la época fue reducir como dije antes la crinolina, (para nosotros los españoles “Miriñaque” de modo que las faldas caían de forma plana adelante y el volumen se lo daba la parte trasera.

El paso siguiente fue empezar a vestir a las “famosas”. Fue así como dos emperatrices, Isabel de Austria “Sisí” y Eugenia de Montijo, la esposa de Napoleón III, se hicieron fanáticas de sus diseños y cuando las retrataban lo hacían usando un diseño de Worth. Este hecho trajo aún más fama al diseñador. (Realizó los 150 modelos que lució Eugenia de Montijo durante la inauguración del Canal de Suez). Negándose a aceptar las numerosas indicaciones de tan importantes  clientas.

Retratos de Sisi Emperatriz y Eugenía de montijo realizados por Franz Xaver Winterhalter (Alemania. 1805–1873), expuestos en el Palacio Imperial de Hofburgo y el Museo de Orsay respectivamente.

Otra de sus innovaciones consistió en un tipo de patronaje que permitia intercambiar piezas de distintos vestidos haciendo que pareciesen diferentes trajes, según como se combinaran estas piezas. Mangas , cuerpos, faldas se mezclaban, gustándole trabajar el conjunto de la imagen de la clienta, por lo que daba indicaciones y decidia sobre joyas, peinados y demás complementos a los modelos que realizaba. Tambien acortó el largo de las faldas permitiendo verse las puntas de los botines en los trajes de paseo. Esto que nos puede parecer una minucia, fué un gran cambio en su momento.

Entre sus clientes se incluyen otros miembros de la realeza muchos ricos europeos y norteamericanos, las actrices, como Sarah Bernhardt, e incluso , una cortesana famosa como Cora Pearl, pero de clase alta.

Entre otras cosas, Worth crea en 1868 la Chambre de la Couture Parisienne: criterios específicos que un diseñador debía cumplir para poder llamarse un “Couturier”.

Muchas de sus creaciones se mostraron en la Gran Exposición de Londres de 1851 y en la Exposición Universal de París de 1855,donde fueron premiadas

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Atte: Arsenal Le Comte.

 

La muerte de Simón de Montfort – Alphonse Marie de Neuville (Francia. 1835 -1885)

Alphonse-Marie-Adolphe-de-Neuville-(French-Academic-Painter,-1835-1885)

Alphonse Marie de Neuville (Francia. 1835 -1885) – La muerte de Simón de Montfort durante el asedio de Toulouse durante la cruzada contra los albigenses. Ilustración del libro de: La Historia de Francia desde los tiempos más remotos hasta el año 1789, Londres: S. Low, Marston, Searle & Rivington, 1883, p. 515 de François Guizot (1787-1874)

Pintor e ilustrador, alumno de Picot y Eugène Delacroix, debuta en el Salón de 1859 y se convierte en uno de los mejores pintores del ejercito francés. Pintó muchos cuadros e ilustró varios trabajos relativos a la guerra franco-prusiana de 1870-1871 de autores tales como Mayne-Reid, de Guizot. Se convirtió en miembro de La legión de honor en 1881. Sus trabajos pueden ser encontrados en los Museos de Chantilly, Grenoble, Lille, Moscú, Nueva York y Versalles.