Hechizos en la mirada – Carmen G. Junyent (Neo Pop)

Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Mirada de China.
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Mirada de China. Acrílico sobre lienzo. 92 x 72 cm

Carmen Gómez Junyent

Miradas del Mundo

Carmen Gómez Junyent nace en 1954 en Barcelona, España. Se considera dibujante y pintora autodidacta, cuya máxima expresión de su obra se centra en las miradas, ella mismo nos dice que la mirada es el espejo del alma y por ello intenta reflejar en un lienzo el alma de sus personajes, a traves de sus miradas.

Sus técnicas a lo largo de su carrera son variadas, Acuarela, Óleo, Pastel, mixta, decantándose al final por el acrílico sobre lienzo de algodón y el rotulador.

Artista: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - De la serie Glamour
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – De la serie Glamour. Rotulador y acrílico sobre madera. 20 x 20 cm.

Empezó sobre los años 80 realizando historietas cómicas junto con algunos retratos a lápiz y pastel.
Su primera pintura sobre un lienzo la realiza al óleo sobre los años 90, no deja de investigar sobre diferentes tecnicas y materiales, decantándose al final por los acrílicos que antes comenté, sintiéndose comoda con la pintura acrílica y el lienzo de Algodón.

Autora: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Mirada estelar, de la serie "Miradas de otros mundos".
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Mirada estelar, de la serie “Miradas de otros mundos”. Acrílico sobre lienzo. 92 x 73 cm.

Dado que sus colores son suaves y planos de una gran variedad cromática, ella misma define su arte como Pop Art o Neo Pop, siendo siempre realista. Para que os hagáis una idea, su paleta de colores es muy similar al autor surrealista Andrius-Kovelinas, del cual ya os haré una entrada.

Si algo nos llama la atención en su obra es “la mirada“. Carmen es una persona muy viajera y a recorrido muchos paises de Asia y Africa, exponiendo sus obras en algunos de ellos, como es el caso de la exposición que realizó en la 17 Feria Internacional del Lago Oeste“, en Hangzhou. China. De la cual se inspiró para realizar el fantástico trabajo “Mirada de China” un acrílico sobre lienzo de algodón con una viveza de coleres preciosos, predominando los azules y dorados, con la que encabezo esta entrada.

Autora: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - Dulces pensamientos, de la serie "Arena y Mar
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – Dulces pensamientos, de la serie “Arena y Mar”. Acrílico sobre lienzo 92 x 73 cm.

En estos viajes, con su cámara fotográfica acompañándola, ha realizado múltiples fotografías de rostros con miradas que le han cautivado por su transparencia y alegría, empezando a gestar en su interior una inspiración con alguna de esas miradas, poniendo en marcha la maquinaria de su imaginación que la obliga a plasmar sobre un lienzo los fondos, los colores, la expresión y la fuerza de esa mirada. Creando varias series de obras con ese título como son Miradas del mundo y miradas de otros mundos de las cuales os pongo unas pocas imágenes.

Artista: Carmen G. Junyent (1954 - Barcelona) - De la serie Glamour.
Carmen G. Junyent (1954 – Barcelona) – De la serie Glamour. Rotulador y acrílico sobre madera. 20 x 20 cm.

El cinco de Junio de 2015 o sea hoy, comienza una exposición junto a otros artistas en la galería; “BCM ART GALLERY” (Bailén nº 134 de Barcelona – Tno: 93-207 01 92), La exposición se llama; El Tiempo y el lugar. La cual dura hasta el 20 de Junio de 2015, así que si tenéis la oportunidad de visitar la exposición, váis a “flipar en colorines” con sus obras y las de los demás artistas que la componen.

Si os acercais hoy dia cinco, la podréis saludar personalmente a partir de las 19:30 en la presentación de la exposición.

Si queréis saber más de su obra tenéis su página personal AQUÍ. Su Blog AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ.

Su página de Facebook AQUÍ

Hasta la próxima entrada.

Atte: Arsenal Le Comte.

Arsenal Le Comte Arts

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Patricia Martinez Heredia – La expresión de Patricia

 

Patricia López Heredia - Vespa, Óleo sobre lienzo.

Patricia López Heredia – Óleo sobre lienzo. Haciendo clic en la imagen os lleva a su blog.

La Expresión de Patricia

El blog de Patricia Lopez Heredia

Esta es una entrada atípica, ya que es gratificante estar buceando en la red, en blogs, en busquedas de Google, en redes sociales y que te des de bruces con algo que os llama tanto la atención sin buscarlo, o sea que se os aparezca delante y os deje un rato mirándolo y os den ganas de saber más de ello.

Esto me pasó a mi con esta artista contemporánea que recién comienza a crear cosas serias en el mundo del arte.

Os cuento. Estaba buscando información sobre el “FIMO” ¿Que que es el fimo? Bueno en realidad Fimo es una marca, lo que pasa que a asumido el nombre del producto a nivel popular como por ejemplo, una carretilla elevadora a nivel popular es una “Fenwick” o una “Casera” es una gaseosa y todo el mundo lo entiende. El fimo es arcilla polimérica o arcilla de polímero, usada por muchos artistas, la mayoría para hacer esculturas, es como una plastilina moldeable que se endurece al calentarla en un horno.

Cómo os decía estaba buscando información y me apareció una entrada del blog de Patricia en la cual habla sobre el tema Aqui.

Me puse a hojearlo y poco a poco vi sus creaciones tanto a nivel de manualidades como de trabajar con lanas y otros productos como sus obras en bisutería.

Eso me llevó a descubrir sus inquietudes y gustos como es la lectura, en la cual coincido con ella en algunas obras de las que ha seleccionado en su blog.

También toma fotos, algunas de verdad son una maravilla, pero lo que más me gustó es descubrir su faceta como pintora. Pues se le nota algo especial en su manera de pintar que te lleva a mirar y remirar los detalles de sus obras. Mi opinión es que a poco que se cultive y coja soltura, será uno de los referentes en el panorama contemporáneo nacional. Por lo pronto sus obras más trabajadas me gustan, ya sea un óleo o una teja pintada o bien un trozo de madera, tiene una serie de obras infantiles que hacen la delicia de cualquier crio.

Como una imagen vale mas que mil palabras aquí os dejo un par de obras de Patricia. El resto lo podéis ver en su blog AQUÍ

Saludos. Atte: Arsenal Le Comte

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

 

Arsenal Le Comte Arts

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Magacine La Esfera – Ilustración de Manuel bujados y versos de Emilio Carrere “La Duquesita”

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Manuel Bujados (España. 1889 – 1954) – Serie: Las mujeres de Rubén Dario. “El Hada Madrina” 1915. Magacine La Esfera, Octubre 1915. Dibujo que acompañaba a los versos de Emilio Carrere Moreno (Madrid, 1881 – 1947) “La Duquesita”

Mila, la duquesita,

dulcemente recita

una rima de oro.

¿De quién es esa voz

que se diría

que es una melodía?

-Es la voz que yo adoro.

______

¿Y la suave y monjil

manita de marfil

que en el clave sonoro

ritma una melancólica balada?

 

-Esa es la perfumada

manita que yo adoro.

______

-Esa cabellera rubia

que cae como áurea lluvia,

¿quién tiene ese tesoro?

Qué hada madrina

dióle esos hechizos?

-Son los clorados rizos

de la mujer que adoro.

______

.Esa dulce amada mía

es una melodía,

 

 es un lirio, una estrella

Consultando a la sabia margarita,

la linda duquesita suspira:

¿Quién es ella?

-Sabe el secreto, Mila,

la blanca flor sibila

que tu blancor trasunta.

¿Quién es ella?,

-me Ha dicho lá mimosa

muñeca de oro y rosa…

¡Y ella me lo pregunta!

Emilio Carrere


La Esfera:

El magacine La Esfera, fue una publicación de arte lujosa financiada por Prensa Gráfica Española, también está detrás de Nuevo Mundo. Funcionó desde desde 1914 hasta el inicio de la Segunda República Española en 1931. Hemeroteca Digital ha digitalizado 867 temas. Consiguío reunir a lo más selecto del arte de aquella época como fueron los dos artistas que os he traido en esta entrada, cada uno con un estilo diferente, un escritor y un pintor.

Emilio Carrere Moreno:

Emilio Carrere Moreno (Madrid, España. 1881 – 1947) – fue un poeta, periodista y narrador español, perteneciente a la corriente poética del decadentismo modernista.

Emilio Carrere, alcanzó la popularidad en las primeras décadas de siglo XX como el cantor de la bohemia madrileña. Sus poesías y sus numerosos relatos difundieron con delectación el inframundo de los marginados y hampones en poemas como “La musa del arroyo” que fue memorizada por varias generaciones de madrileños. Su afición por el teatro, sin embargo, es uno de los aspectos menos estudiados de su pintoresca figura.

Carrere nació en Madrid el 18 de diciembre de 1881 de Eloísa Carrere Moreno, madre soltera de 29 años, y Senén Canido Pardo. El padre del futuro escritor llegará a ser diputado a cortes, magistrado del Tribunal Supremo y Presidente del Tribunal de Cuentas. Don Senén, sin embargo, no hará acto de presencia en la vida de Emilio más que de manera intermitente.

Tras la vocación primeriza por la pintura Carrere ya se interesó por el teatro. Para satisfacer su vocación se inscribió en las clases de declamación de Don Juan Casañer en el Centro Instructivo del Obrero fundado por Alberto Aguilera, sociedad de enseñanza popular, donde se impartían enseñanzas para las clases menesterosas.

En esos años juveniles, el poeta se sintió deslumbrado por el mundo de la farándula y él mismo evocó, a menudo, su experiencia de juventud como cómico de la legua:

“Me gustaba la vida de la farándula, de inquietud y aventura, que armonizaba con mi rebeldía espiritual. Cuando apenas tenía bozo, entré en una compañía de melodramas domingueros que dirigía D. Juan Casañer, un viejo actor de la época romántica…Algunas veces hicimos obras de Zorrilla y del Duque de Rivas, y declamando los versos de Don Álvaro en el escenario o por las calles y jardines, a la luz de la luna, comencé a sentir la emoción de la poesía…Don Álvaro o la fuerza del sino es la obra que más me gusta de esa escuela. Además, me recuerda la adolescencia, cuando yo era un niño muy triste y muy pobre -¡siempre la Miseria, desde las primeras horas de mi vida!- tenía entonces una novia que se burlaba de mi traje deslucido, y a la que nunca besé en los labios…A fuerza de dolor comencé a ser poeta…Recuerdo que mis primeros versos los escribí para recitarlos en público. Estaba la compañía de Casañer en Barbieri. Me repartieron un papel de Rey mago en El nacimiento del Mesías. La obra era detestable; yo tenía que decir dos quintillas realmente repugnantes…Yo abomino de las quintillas: son ramplonas, rellenas de ripios y latiguillos, son versos dignos de los poetas del siglo pasado -Camprodón, Rodríguez Rubí y demás paladines del cascote poético.- Pues bien; entonces escribí ocho endecasílabos y se los di al apuntador, y ya en escena, cuando tenía que decirle mi pequeño parlante al Niño Dios, me equivoqué; el público me largó una grita enorme, me echaron a la calle y…me hice poeta”

Manuel Bujados:

Manuel Bujados (Viveiro, España. 1889 – 1954) – fue pintor e ilustrador. Nació en Viveiro en Galicia, España. Desde aproximadamente 1914 hasta 1934, vivió la vida bohemia en Madrid antes de viajar a Bell Ville, Argentina para hacerse cargo del negocio familiar. Los comisarios de una exposición en Lugo en el año 2009 describen a Bujados como respetado y conocido tanto en España como en América Latina, en la época que nos ocupa, tanto como en la pintura, como en las ilustraciones que son influenciadas por el estilo de Aubrey Vincent Beardsley (Brighton, Inglaterra. 1872 – 1898).  Publicando en revistas tan prestigiosas de la época como  La Esfera, Mundo Gráfico, Nuevo Mundo, y Por Esos Mundos .

José Francés, crítico de arte de La Esfera, fue una influencia importante para Bujados, dejándose guiar por él para centrarse en la ilustración. En la Esfera trabajó junto  Salvador Bartolozzi, Rafael de Penagos y el ya comentado Emilio Carrere.

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Manuel Bujados (España. 1889 – 1954) – Ilustración para el Magacine La Esfera, Octubre 1915.

 

 

Los signos del Zodiaco – Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989)

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Tauro” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Salvador Dalí

Los signos del zodiaco (1967) – Litografías sobre papel gouache

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en una madrugada, era la primavera del año 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: “A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí”.

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Capricornio” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Niño adelantado a su tiempo, a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce estudia las obras de Picasso y se hace cubista y a los quince se convierte en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes reproducciones con ya un marcado estilo personal, para la sección titulada “Los grandes maestros de la Pintura”.

Pero hoy no voy a poneros su biografía pues se merecería una entrada inmensa, sino que lo voy a centrar en la última etapa de su vida artística y en especial a estas 13 litografías representando a los signos del zodiaco.

En 1967, el publicista Leon Amiel encargó a Salvador Dalí una serie de litografías con un tema muy especial, los signos del zodiaco. En esta galería podemos ver el resultado de esta interpretación surrealista muy inspirada en la Edad Media, sobre todo en Géminis que lo pinta como un hermafrodita.  Leo (vitriolo verde, símbolo de la piedra filosofal), Piscis (Pez sin huesos, el azufre naciente) y el cangrejo de Cáncer se vuelve la langosta lunar. Esta serie limitada de 250 ejemplares del excéntrico genio que era de signo Tauro, todavía puede comprarse por varios miles de dólares aquí

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “El Zodiaco” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Bajo su estética singular y que tanto lo caracterizo que fue el surrealismo, Dalí dejó otro gran legado no solo en pinturas y esculturas, sino también en ilustraciones e intervenciones fotográficas, trabajos que pocos conocen.

Dentro de ese gran abanico de obras que no son tan conocidas se encuentran este juego de 13 litografías en papel gouache que realizó el genio en 1967,  como ya comenté antes bajo encargo de un publicista llamado León Amiel.

Dichas litografías las ejecutó de acuerdo a la tendencia que se tenia en ese entonces, ya que durante los sesenta muchas personas eran fieles seguidores de la astrología y creían en lo que los astros les deparaba.

Esta cosmología de Dalí, se inicia a mediados de los años 60, siendo el último período de su vida en el que conservó la lucidez y estuvo en condiciones de comprender el mundo que le rodeaba, es cuando se interesa por el movimiento hippy y, más adelante, por la teoría de las catástrofes. De este período surgieron sus últimas grandes telas, en especial, La Pesca del Atún un cuadro en el que evoca la nueva era de Acuario anunciada por los profetas de la contracultura. Este penúltimo Dalí se siente, él mismo, hippy y está dispuesto a ser considerado como el profeta de los hippis, pero es el período, paralemente, en el que su desbarajuste interior aumenta hasta lo indecible. Su fin está próximo.

La pesca del atún

Aquí os dejo un video en el que presenta su última gran obra “La pesca del atun” en el que podemos apreciar lo tronado que estaba ya el Divino Salvador Dalí

Esta obra monumental fue el Summun que realizó sobre su era de Acuario, la cual está cargada de símbolos, Necesitó dos veranos el de 1966 y el de 1967 para acabar esta tela plagada de personajes dionisíacos. Es una especie de testamento, el resultado de 40 años de experiencia apasionada en la investigación pictórica. Dalí dice de ese cuadro: “Tras leer a Teilhard de Chardin, que según él, el universo y el cosmos eran limitados, me di cuenta de que precisamente esa limitación, contracción y límites del cosmos, hacían posible la energía, todas las partículas elementales poseen esta formidable energía hiperestética en virtud de esos mismos limites y contracciones. De alguna manera, esto nos libera de la angustia terrible extendida por Pascal, que consideraba que los seres eran insignificantes al lado del cosmos, y nos conduce a la idea de que todo el cosmos y el universo convergen en un punto que, en el caso presente, es “La pesca del Atún” ahí reside la energía terrorífica de este cuadro.

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Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – La pesca del Atún. 1966 – 67. Oleo sobre lienzo. 304 .x 404 cm. Fundación Paul Ricard, Bundol. Francia

La Era de Acuario,

verá la desaparición de las violencias sanguinarias.

Por el momento acabamos de asesinar al Pez“.

Salvador Dalí.

Bueno a lo que íbamos, es que es tan grande la obra de este genio que me salgo del tema central del post embebiéndome y quedándome maravillado con cualquiera de sus creaciones. Vale ya no me extiendo más y aquí os dejo una galería con las 13 litografías sobre papel gouache que creó Dalí en esta etapa tan ya estrmbótica de su vida.

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Evita Medina – La caricia de un Dios

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Evita Medina – La prometida. (Detalle). Óleo sobre lienzo. 76 x 54 cm

El arte de Eva Medina – Acariciada por los Dioses

Eva Medina es malagueña de nacimiento aunque vive y trabaja en Palma de Mallorca (España). Ha sido ver una de sus obras y enseguida me he puesto a hacer una entrada sobre sus trabajos. Ya lleva tiempo en el panorama artistico nacional y continúa luchando por abrirse un hueco entre los grandes del género, cosa que a poco que le acompañe la suerte y reciba ese pequeño empujoncito, será catapultada a la fama internacional, siendo uno de los grandes valores a tener en cuenta en un futuro muy cercano.

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Evita Medina – Cecile, de la serie Burlesque, numerada con el número V. Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm.

Ella define el pintar como la más maravillosa forma de expresión, un don, esa caricia de Dios con la que he titulado esta entrada, que le ha sido dada sólo a un cierto número privilegiado de personas. Las cuales durante toda su vida tienen que demostrar, sobre todo a si mismas,  que son merecedoras de ella.

Desde muy joven sintió la necesidad de pintar, de decir con imágenes lo que con palabras no sabía expresar. Le gusta pintar por las mañanas, pues considera que es una luz pura, limpia y sin engaños visuales que puedan variar su percepción de los colores.

Noto en sus pinceladas,  la influencia que Dalí ha tenido en su obra, llegando a decir en una entrevista sin dudarlo, a la pregunta de:  ¿de volver a nacer, si pudiera reencarnarse en un maestro del arte, en quien le gustaria hacerlo? Habría escogido hacerlo como Salvador Dalí. Un pintor por encima de todo, un genio español… por supuesto nacería una y otra vez como Salvador Dalí.

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Evita Medina – Charlotte.Perteneciente a la serie Burlesque. Numerada con el número VII. Óleo sobre lienzo. 61 x 50 cm.

Algunas veces vemos en su obra  toques de surrealismo, otras vemos influencias del Prerrafaelismo, Neoclasicismo, Renacimiento, Art Nouveau, Simbolismo… Pero todo sin apartarse del estilo figurativo realista que la caracteriza.

Destaco para mi gusto, la seríe de obras denominada Burlesque de la cual os dejo algunas aquí en la entrada.

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Si queréis conocer más a fondo a la artista, os dejo una entrevista que realizó aquí. Para ver y conocer más sus obras aquí y aquí. Su página personal la tenéis aquí.

Atte: Arsenal Le Comte Arts.

 

La Piedad Invertida – Javier Castillo Zurita, por encargo de Marina Vargas. (Neobarroco)

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La Piedad invertida o la Madre muerta, Javier Castillo Zurita, bajo encargo de Marina Vargas. Modelado en barro blanco tamaño natural.Molde y positivo en resina+GelCoat. 2012. 152 x 138 x 96 cm
. Marina realizo varias interpretaciones de esta obra realizandolas con resina de poliester y después policromándola

– La Piedad invertida o la Madre Muerta –

A simple vista, esta escultura ideada por Marina Vargas, 
vemos que hace referencia a La Piedad de Miguel Ángel. 
Pero también se inspira en las famosas piezas de Bernini llamadas 
“Theatrum Sacrum”, como, por ejemplo, El éxtasis de Santa Teresa 
y el de la Beata Ludovica Albetoni

Marina Vargas (Granada, 1980)

Se forma en Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha mostrado su obra en las ciudades de Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga, Milán, Nueva York, México, Monterrey o La Habana, ganadora de premios como el INJUVE (Madrid) y INJUVE (Málaga), ambos en 2008, Premio Internacional de Pintura Focus Abengoa (accésit) en 2008, o las Becas de Creación Iniciarte (Sevilla) en 2009, o la otorgada por la Fundación Antonio Gala, en 2006, entre otros.

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Marina Vargas junto a su obra de la Piedad invertida o La Madre muerta.

Marina Vargas, le encargó el modelaje de esta obra al escultor Javier Castillo Zurita, (aquí a continuación, os dejo un video de su proceso), realizándola en barro blanco. Con ella a realizado varias interpretaciones a cada cual más bella e impactante con resina de poliester.

He conocido esta obra hechando una ojeada a las obras que se expusieron en  ARCO de Madrid en el 2014, buscando algo nuevo contemporaneo, o alguna pieza blasfema de las que habitualmente aquí se exponen. Cuando de repente vi esta imagen dejándome impactado por su belleza, profundidad y desgarro. Viendo una imagen de un Jesús sereno, pausado y doliente, sosteniendo en brazos la agonía de su Madre,  un cadáver yaciente, sin sostener nada en la mano, pues en otras versiones sostiene un corazón sangrante en ella. Que impacto, que fuerza la interpretación actual que hace Marina de la famosa Piedad de Miguel Ángel, pero en la que el hijo es el que lleva en brazos a la madre.

Neobarroco, con una muy cuidada puesta en escena, produciéndome un diálogo interior de mis ideas preconcebidas de mi educación cristiana. Feminidad, violencia por lo trágico de la muerte y el amor con que el hijo sostiene en la muerte a su madre, dan vueltas en mi interior admirando la creacion con un simbolismo alusionando a Miguel Angel con una identidad contemporanea.

Logra generarme dudas, sensaciones, sentimientos, comparaciones, al ver esta obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada, donde la madre es ungida por la caricia del otro, aquel que más la adora, entregándole con ello su deidad, provocándome reacciones ante el amor, la muerte y porqué no, dudas en la fe.

Las distintas interpretaciones que hace Marina de la Piedad invertida, están realizadas con resina de poliester policromada, con unas medidas de 152 x 138 x 96 cm. O sea son de tamaño natural. Todas representan la escena de la Piedad vaticana de Miguel Angel con la salvedad que las de Marina, la muerta es la Virgen, que está sostenida por Jesús. La escena es acojonante, aunque cuando nos fijemos en el rostro de la virgen, comparándolo con la Piedad del vaticano, ya no parece una joven dolorosa, si no más bien una santa en éxtasis.

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Detalle de la cabeza de la vigen, donde podemos apreciar que ya no es el rostro de una virgen dolorosa, si no que se asemeja más a una santa en éxtasis, recordándonos a la Santa Teresa de Bernini.

Cómo véis su expresión es cercana al Extasis de Santa Teresa de Bernini, incluso con la caida del brazo, ¿abatida, extasiada? probablemente una magnífica expresión de dolor nacida de la mano de Javier (no olvidemos, que fue el autor de la pieza original para después hacer el molde). En cuanto a su cuerpo, no va tan recatada como suelen representarnos a la virgen, el cuello del vestido, nos deja adivinar un escote, y sus piernas, no son sólo insinuadas, sino que se dejan ver por debajo del vestido. En cambio la expresión del Cristo, es neutra, reflejando más bien pasividad, que no la pena esperada por la situación.

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Detalle del proceso de modelaje de la figura a cargo de Javier Castillo Zurita

Sin embargo de todas las versiones que nos ha realizado Marina, la que más me ha impactado es la realizada en enero del 2014 en la Galería Javier Lopez de Madrid, titulada: Marina Vargas; La muerte por las manos

La composición está formada por dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas en una performance sublime. Donde, La Piedad “Externa” de color blanco, sujeta el corazón sangrante de La Piedad “Interna” de color rojo, a la cual le falta el corazón. Es importante destacar el revestimiento de la escultura, que parece esgrafiada con hilos dorados que se entrelazan como finas ramas posándose sobre la figura. Según palabras de la artista son como venas (ella misma las llama “entrañas”), buscando de esta manera sacar fuera lo que escondemos, como un campo energético interior descrito con un entramado de líneas de luz.

Según palabras de Marina:

Mi primera intención al invertir los papeles de La Piedad de Miguel Ángel fue la de humanizar una imagen sagrada. Pues lo más natural es que a un hijo se le muera un padre. Pero también quería situarme en ese fino límite entre lo sagrado y lo profano, para reivindicar un regreso a lo femenino, desde lo primigenio. Y por supuesto para evidenciar el poder y el papel de la mujer en lo religioso. Son aspectos que aún están flotando en la sociedad en la que vivimos y que tienen que ver mucho con la política.

Un detalle de estas obras es que cada una de ellas, lleva en su interior según palabras de la autora, en las entrañas, algo dentro que es como una recarga extra simbólica… “La primera Piedad invertida, por ejemplo, lleva una caja con una inscripción en su exterior: QUE NADA NI NADIE ME CORTE LAS ALAS. Su interior contiene elementos y objetos que he guardado mucho tiempo conmigo y me han acompañado… De estos objetos no doy ninguna información porque es mi secreto… Es como un altar dentro de otro…”.

Explicaba Marina Vargas en una entrevista a Fer Francés (@FerFrances1) “La Piedad Invertida responde a invertir nuevamente los valores, humanizando la historia. Pues lo natural es que a un hijo se le muera un padre y no al revés. Se trata de una inversión de la pieza como ídolo y no como imagen (…) el tamaño debía ser a escala humana. Muerta la madre de Dios, muere la matriz, la energía creadora y no existe Dios. Al invertirse el concepto, se invierten los poderes. Y lo sagrado y lo profano prácticamente están ligados y al límite”.

Aqui os dejo un enlace a la web de Marina Vargas.

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Imagen de las dos obras enfrentadas en la galería Javier Lopez de Madrid

 

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