Maestros de la luz – Michael de Bono, renacimiento contemporaneo

Otro gran artista para la serie “Maestros de la luz” en Arsenal Le Comte Arts.

Michael de Bono, renacimiento contemporaneo.

Michael de Bono en Arsenal Le Comte Arts "Maestros de la luz"

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – Juego de luces, óleo sobre panel de madera.

Creo que salta a la vista observando sus obras porqué me he decidido encasillar a este artista en la serie de grandes Maestros de la luz, aunque sea un artista contemporáneo y no pertenezca a la época de los grandes del Renacimiento tanto flamenco cómo italiano, pero si bebiendo de ellos.

Michael de Bono nació en Caerphilly, Inglaterra  en 1983, donde vivió durante un corto tiempo antes de trasladarse a Cardiff.

Aprendizaje

Se enseño a pintar viviendo y trabajando en el Pais de Gales, lentamente a traves de pruebas y errores, practicando desde muy temprana edad con el dibujo. Enseguida se queda prendado de los maestros italianos y flamencos renacentistas. Van Eyke, Memling, Leonardo y Giorgione son los autores que más admira hasta la época de Caravaggio. Pues estos artistas pintan con mucho refinamiento y acentúan la forma realista y natural en que aparecen las personas y objetos a la vista.

La elegancia, la primacía del mundo natural, un marcado énfasis en los efectos de la luz, le hacen realizar bellas pinturas al óleo dotándolos de una intimidad en la luz y la expresión que me invitan a reflexionar largamente, embelesado sobre su contexto narrativo, siendo por ello que lo catalogo dentro de los grandes Maestros de la luz contemporáneos.

Michael de Bono. Maestros de la luz en arsenallecomte.com

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – The Gathering, óleo sobre panel de madera

Naturalidad

El naturalismo que transmite este pintor, no es un fin en si mismo, no es algo vacío de contenido, sino que Michael de Bono lo utiliza cómo un medio de llevar,  lo que quiere decirnos con su obra a la vida, nos narra una historia de una acción llena de juegos de luces, colores magistralmente mezclados que dan vida propia a una acción cotidiana cómo puede ser el escanciar dos copas de vino en la obra que os he puesto arriba de este párrafo, dotándolo de una naturalidad tan suave que acaricia el observar ese simple gesto.

Esta forma de expresarse la asimiló al observar por primera vez la obra de Caravaggio “Cena en Emaús” que se puede admirar en la Galería Nacional de Londres. Esta obra le causó una fuerte impresión perdurable hasta el dia de hoy en su mente, tratando de emularla en sus espléndidas obras.

Caravaggio, Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Caravaggio (1571 – 1610) – Cena de Emaús. 1601. Óleo sobre lienzo. 141 x 196 cm. National Gallery de Londres Inglaterra.

Y hasta aquí este artículo dedicado a este artista contemporaneo, que lo encuadro dentro de la sección los Maestros de la luz.¿Conocias este artista? ¿Sabes algo más de sus obras? Déjalo en comentarios y así nos informamos toda la comunidad.

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  • Si deseas saber más del artista, AQUÍ te dejo su web.

  • AQUÍ su Twitter.

  • Y te dejo un album con sus obras AQUÍ

Venga un saludo y hasta otra próxima entrada. Dewww

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Maestros de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

claude joseph vernet Maestros de la luz en arsenal le comte arts

Claude-Joseph Vernet, Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas (1753), óleo sobre lienzo. 96,5 x 134,6 cm

Maestro de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

La escena nocturna de la imagen, evoca un paisaje imaginado de la costa italiana, iluminado por el resplandor de la luna y sus plateados reflejos. Fue pintada por uno de los maestros de la luz, Claude-Joseph Vernet, el pintor de marinas más célebre de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando regresó a Francia tras una estancia de casi veinte años en Roma. Aclamado por los enciclopedistas de la Ilustración, como Denis Diderot, sus paisajes contribuyeron a estimular una sensibilidad prerromántica entre sus contemporáneos, mostrándoles los diferentes efectos lumínicos y atmosféricos en la naturaleza.

Claude Joseph Vernet Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789) – Calma en un puerto mediterraneo.

Miembro de una familia de artistas, Claude-Joseph Vernet recibió sus primeras lecciones en Aviñón, primero de su padre, Antoine Vernet, y luego de Philippe Sauvan, pintor de historia.

Tras este aprendizaje inicial Vernet comenzó a trabajar en Aix-en-Provence con el pintor de paisajes y marinas Jacques Viali. Su primer trabajo como pintor independiente fueron unas pinturas decorativas que realizó, en 1731, para el hotel del marqués de Simiani, en Aix-en-Provence, de las cuales dos de ellas se conservan in situ.

En. 1734, gracias a la protección del marqués de Caumont, Vernet viajó a Roma para completar su formación artística. Allí, enseguida, se integró en la comunidad de artistas franceses residentes en la ciudad y entre los miembros de la Academia de Francia. Hacia 1738, Vernet era ya un conocido pintor de paisajes y de marinas, que recibía encargos de importantes clientes, de distintas nacionalidades, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Gran parte de su clientela estaba también formada por británicos que realizaban el Gran Tour. Desde 1746, año de su admisión en la Academie Royale, Vernet expuso regularmente en el Salon, donde sus obras fueron muy bien acogidas por la crítica

Las marinas de Vernet, aunque herederas de la pintura de paisaje de historia de Claudio de Lorena, se basan en la observación de la naturaleza. Durante esa primera etapa romana, Vernet realiza muchas excursiones y viajes de trabajo para dibujar la campiña y la costa mediterránea desde Roma hasta Nápoles, registrando elementos que formarán la base de su repertorio para el resto de su carrera artística.

Poco. después de su regreso a Francia, en 1753, Vernet comenzó a trabajar por encargo del rey Luis XV en una serie de quince grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, conservadas en París, el Musée du Louvre, y en el Musée National de la Marine. Este ambicioso proyecto, que le ocupó más de diez años, le obligó a viajar por todo el país, hasta que en 1765 lo abandonó, dejando la serie incompleta. Durante el resto de su carrera Vernet continuó trabajando en sus temas preferidos: paisajes italianizantes, puertos y tormentas marinas.

Las marinas solían ser de dos tipos: mares en calma o mares tempestuosos. Estos últimos se convertían en el escenario de dramáticos naufragios, una amenaza real y muy frecuente en esta época en que las vías marítimas eran los principales medios de comunicación y transporte. Los naufragios en las series —pues siempre se incluía uno— constituían un contrapunto emocionante a las otras marinas en calma e ilustraban dos incipientes conceptos estéticos: lo sublime (que incitaba la sensación de horror en el espectador) y lo bello (procurando una sensación agradable y sosegada)

“Vernet sabe revivir tormentas, abrir las cataratas del cielo e inundar la tierra; también sabe, cuando quiere, disipar la tempestad y devolver la tranquilidad al mar, la serenidad a los cielos. Entonces toda la naturaleza, como saliendo del caos, se ilumina de una forma encantadora y vuelve a tomar todos sus encantos […]. ¡Qué serenos son sus días!, ¡qué tranquilas son sus noches!, ¡qué transparentes sus aguas! Él crea el silencio, el frescor y la sombra en los bosques. Se atreve sin miedo a colocar el sol o la luna en su firmamento. Le ha robado su secreto a la naturaleza; todo lo que ella produce, él puede repetirlo.”

Denis Diderot, Salones, 1759

Pablo y Virginia – Prosper d´Épinay, el amor hecho arte

El amor hecho arte en la obra del escultor de Isla Mauricio “Prosper d´Épinay – Pablo y Virginia“que se exhibe en el Blue Penny Museum de Port Louis en Isla Mauricio.

Otra versión realizada también por el autor, se encuentra en el jardin del hotel de la ciudad de Curepipe en Mauricio.

Blue Penny Museum en ArsenallecomteArts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta bella obra llamada Pablo y Virginia, está inspirada en la novela de Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre   que fue publicada en 1787. Os voy a poner en antecedentes, pues se han unido dos bellas obras, tanto la escultura cómo la obra literaria son de las cosas que tienes que haber visto y leido en esta vida si te gusta la belleza. La novela la puedes leer AQUÍ.

Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814), publicó una trágico novela media corta, en la que narra a traves de la historia de dos jóvenes,  cargados de inocencia, la tragedia de estos jóvenes amantes, por culpa de los valores corrompidos por el sentimentalismo falso y artificial que prevalecía en la época entre la élite francesa. Los personajes de Pablo y Virginia viven de la tierra sin necesitar tecnología o interferencia humana. Por ejemplo, cuentan el tiempo mirando las sombras de los árboles.

A Pablo y Virginia sus madres los crían como hermanos, al margen de la sociedad, en la isla de Mauricio (entonces, una colonia francesa conocida como Île de France). Es un paraiso, todo belleza y melodia, los jóvenes se enamoran, la llegada de la adolescencia, empapa con su sexualidad la relación, convirtiéndolo en algo más que inocente amor.

El despertar de la sexualidad

Llega el día fatal, en plena adolescencia, en el que se convierten en amantes. Para evitar el descrédito en la sociedad y preservar la virginidad de la muchacha, la madre de Virginia, cargada de todos los prejuicios de la época, hace que el paraiso de los amantes se derrumbe enviándola a estudiar a  Europa para mantenerla alejada de Pablo, deseando que el tiempo borre ese amor.

Años más tarde, Virginia decide volver a la isla para reunirse con el hombre de su vida. Pero el destino le depara otro final. A su regreso, el barco se ve atrapado en una gran tormenta a la vista de la costa de Isla Mauricio. Virginia, cargada de prejuicios adquiridos en su estancia en Europa, antes de quitarse la ropa delante de los marineros y arrojarse al mar, prefiere quedarse en el barco, ahogándose mientras Pablo mira desde la costa sin poder hacer nada, muriendo de pena al poco tiempo. Al cabo de poco tiempo, llenas de dolor mueren también las madres de los jóvenes.

El libro tuvo un éxito sin precedentes,  traduciéndose a varios idiomas, durante el siglo XIX fue considerado un clásico, fue recomendado cómo lectura adecuada para adolescentes pues valora la virginidad y la modestia hasta llegar a morir por ellas. Fue un precursor por la violencia de las emociones de los personajes, a la  llegada del romanticismo.

Se publicó al principio en el volumen IV de su obra “Estudios de la naturaleza” en 1788, siendo republicado más adelante en un volumen por separado debido al exito tan popular como tuvo en 1789.

 

Paul y Virginie en Arsenal Le Comte Arts

Portada de la novela Paul et Virginie.

Blue Penny Museum

Esta famosa y mítica obra colonial, siempre se asocia con Mauricio y sus islas. Así cómo Teruel tiene sus amantes (Diego e Isabel), Mauricio tiene los suyos (Pablo y Virginia). Habiendo un museo en Port Louis que recoje todo lo relacionado con esta pareja.

Este museo es el Blue Penny Museum, exhibiendo varias ediciones ilustradas de la novela y obras inspiradas en los trabajos de Bernardin de Saint Pierre, cómo la escultura que abre este artículo o post.

A los visitantes se les ofrece el distinguir entre la leyenda y la realidad, pues el escritor inspiró el trágico final de su obra en la historia verdadera del naufragio del buque Saint Geran, cerca de la Isla de Francia, actual República de Mauricio en 1744.

Una de las obras inspiradas en la novela es la estatua de marmol  que os puse al principio, obra del escultor Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) de nombre Paul et Virginie.

Prosper d´Epinay en Arsenal le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta hermosa escultura es una obra maestra del clasicismo del siglo XIX , se encuentra al final de la visita al museo, representando un pasaje del libro, donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar un arroyo al perderse en un bosque.

La creación de esta escultura comenzó en 1881 cuando la Colonia de Isla Mauricio a través del ayuntamiento del municipio de Port Louis, le encargó al artista una escultura inspirada en la novela de Pablo y Virginia de Bernardin de Saint-Pierre. Entonces el artista eligió el pasaje del libro que he citado antes donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar el riachuelo. Siendo creada a partir de un único bloque de marmol de Carrara – Italia.

Sin embargo la colonia no pudo adquirir la obra por razones financieras. Por lo tanto el trabajo se quedó almacenado en el taller del artista en Roma. Hasta que en 1886 fue comprada por un coleccionista portugués.

Detalle de estatua en Arsenal Le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Con el paso del tiempo ya en el siglo pasado en 1997 fue adquirida en subasta por un consorcio de empresas encabezadas por el Banco comercial de Isla Mauricio, trayéndola a su destino inicial, para ser expuesta permanéntemente al fin en el año 2001 en el museo que fue creado por el citado consorcio. Inmortalizando así con esta obra maestra la legendaria novela, contribuyendo así a la reputación mundial de Mauricio.

Bueno y esta ha sido la historia de esta bonita obra, si deséias añadir información, podéis hacerlo en los comentarios Y si os ha gustado el artículo compartirlo en vuestras redes sociales y me hacéis un favor de cara a posicionar la web en Google. Venga hasta la próxima entrada y un saludo.

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Bowie en el arte contemporaneo

David Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Retrato de Bowie por el artista Patrice Murciano

La contribución de Bowie en el arte contemporaneo, hace que al desayunarme esta mañana con la noticia de que nos ha dejado un gran maestro, le dedique este pequeño homenaje, centrándome  en la faceta artística de su figura, sus gustos y tendencias.

Desde joven Bowie se interesó por la música más que por ninguna otra faceta de su vida, pero él,  estudió en una escuela de arte, lo que hacía que sus desviaciones hacia otras clases y estilos de arte, fueran constantes, cómo cuando junto a Lindsay Kemp estudió métodos teatrales de vanguardia. Bowie, a comienzos de los 70, formaba parte de un gran número de músicos ingleses con estudios estrictamente artísticos.

Creaban discos y conciertos con parámetros muy estrictos de estética cuidada al máximo, introduciendo elementos provenientes de la pintura, la performance o el vídeo. Claro ejemplo de ello fueron Queen y Roxy Music. Pero a mi parecer, sin dudarlo, los pioneros fueron los estadounidenses The Velvet Underground, esta banda estaba bajo la tutela de Andy Warhol, siendo una de las primeras fuentes de inspiración de Bowie, al cual dedicaría una canción en su disco Hunky Dory y al que interpretaría en la película Basquiat de Julian Schnabel. Siendo brillantes los resultados musicales de esta influencia sus giras de Ziggy Stardust, Aladdin Sane y Diamond Dogs con una puesta en escena que hasta la fecha han sido muy díficiles de alcanzar artísticamente hablando.

Mark Ashkenazi en Arsenal Le Comte Arts

Mark-Ashkenazi

El ser vecino temporal de Balthus en Suiza, no influyó como muchos creen, con el estrechamiento de su relación con el arte contemporaneo a mediados de los años 70, sino porque empezó a estudiar y conocer el trabajo de los artistas de vanguardia, lo que le llevó finalmente, a dibujar y a pintar. Siendo en esa época, sobre todo en los años transcurridos en Berlín, lo que le lleva a hacer una declaración de palabra y de intenciones, sobre que la pintura era para él tan importante como la música, y tenía la pretensión de elevar el pop a las Bellas Artes. Dando unos resultados con la experimentación en la grabación y concepción de los discos junto con otro músico-artista, Brian Eno, absolutamente geniales. Creando los álbumes: Low, Heroes  y Lodger. Una época, la berlinesa, que es recordada en la portada de Barnbrook y en el vídeo de Oursler.

Compone las letras de la canción “Blackout” del disco Héroes, basándose en una técnica de creación literaria llamada “Cut-Up”  inventada por Tristan Tzara que le costó su expulsión por André Bretón del movimiento surrealista, también fueron precursores de esta técnica Brion Gysin y William S. Burroughs

Su faceta como pintor no fue muy relevante, hizo algunas exposiciones individuales, llegando a exponer en las Galerías Cork Street de Londres, donde los críticos no tuvieron piedad, atacándole más por su forma de ser, que por su arte. Lo cual le lleva a lanzar la carrera de un artista llamado Nat Tate, que hasta ese momento, era desconocido para todo el mundo. Se publicó un libro de dicho artista con la editorial de Bowie, cuya presentación y lanzamiento se hizo en la casa de Jeff Koons. Entonces muchos críticos aseveraban conocer y haber estado con Tate. El artista se suicidó con 32 años, aumentando los críticos que aseveraban haber tenido mucha relación con él incluso de haber estado en alguna ocasión con él comiendo. Hata que el mismo Bowie destapó que Nat Tate (nombre mezcla de National Gallery y de Tate Museum) era un invento de él y que jamás existió, era una burla a los periodistas  y al mundo del arte, metido de lleno en aquella época,  en un histérico período de los “Young British Artists”. Y sobre todo, principalmente a esos críticos de arte que tanto le atacaron y que  siempre dicen “oh, sí, yo conocí personalmente a ese artista, jugábamos juntos al bridge”.

En 1995 es cuando Bowie con el álbum “Outside”,  realiza su aproximación más cercana entre música y arte. Disco basado, en si el crimen puede ser considerado una obra de arte, realizando una historia detectivesca de arte conceptual, de nuevo junto a Brian Eno. Citando a Pablo Picasso con su Minotauro, La Bienal de Venecia, al performer Chris Burden y al ensayo “Sobre el asesinato considerado como una de las Bellas Artes” de Thomas De Quincey (1828),  los artistas Rudolf Schwarzkogler y Hermann Nitsch del Accionismo Vienés, presentándose Bowie como un artista en trance, con una estética de ese movimiento en los videos y en la gira.

A finales de esa década la de los 90, es cuando se vuelca completamente  en el apoyo al arte, se convierte en miembro del equipo editorial de la revista “Modern Painters“, entrevistando a Balthus o a Damien Hirst con el cual hizo una obra de arte. Fundó la editorial “21”, especializada en arte contemporaneo con la publicación de libros especializados, potenció su pasión por coleccionar arte consiguiendo varias obras de Peter Lanyon, e impulsó el espacio virtual en la red “Bowieart” como galería de jóvenes artistas.

Por todo ello debemos de considerar bajo mi modesta opinion que la contribución de Bowie en el arte contemporaneo fue, la de conseguir elevar como dije antes, el Pop a la categoría de arte, siendo seguramente el mejor músico artístico del mundo.

Termino ya con este sentido homenaje al gran artista que fue Bowie con la canción que lo lanzó definitvamente a la fama, el cual marcó un antes y un después en su carrera, despidiéndome así de este pedazo de artista que fue Bowie, el hombre de las mil y una caras, el tema en cuestión se llama Space Oditty y abajo os dejo un video de la canción.

Bowie en Arsenal Le Comte Arts

Helen Green – Looks de Bowie a lo largo de su vida

 

 

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La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

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Alexander Dolgikh – Símbolos y mitos

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Alexander Dolgikh: El arte de pintar las sombras y profundidades de nuestro inconsciente

Para comenzar a entender a este genial artista, nada como dos párrafos de su forma de pensar y entender el arte:

“Un mito es una historia que tiene un propósito: por ejemplo explicar  el origen de algo como lo hizo Tintoretto en su obra  “Orígenes de la Vía Láctea“, o para dar una advertencia como hizo Tiziano en su “Diana y Acteón“, o para servir como un ejemplo o un símbolo. Esta historia es generalmente fácil de entender, que involucra las emociones fuertes y simples y relaciones claras y básicas. Pero no cualquier historia. Los grandes mitos ilustran y explican a cada generación algo sobre el fin del mundo “.

“El viaje de cuento de hadas puede parecer una caminata hacia el exterior a través de llanuras y montañas, a través de castillos y bosques, pero el movimiento real es hacia adentro, hacia las tierras del alma. El camino oscuro del bosque de cuento de hadas se encuentra en las sombras de nuestra imaginación, las profundidades de nuestro inconsciente. Para viajar a la madera, para hacer frente a sus peligros, y emerger transformado por esta experiencia “.

Pintura de Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? – 1968?.

 

Este genial artista nació y creció en Crimea, (actualmente perteneciente al sur de ¿Rusia-Ucrania?) en 1968. Alexander Dolgikh creció en un ambiente artístico, pues su abuela Nadezhda Kucher fue profesora de Arquitectura en la prestigiosa Academia de Arte de San Petersburgo. Tenía como vecinos de patio de viviendas al artista ruso Andrei Panteleev y a la conocida narradora local Angelina Alexandrova, que luego más tarde fue su niñera.

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra cargada de simbolismo de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania?1968).

 

A la edad de ocho años, su abuela le regaló un libro de reproducciones de la Galería de Arte de Dresden en Alemania. Quedándose encantado por la belleza de las obras, dándose cuenta de que ese era su sueño, naciendo en él la vocación, entrando en el Colegio de Arte de N. S. Samokish de Simferopol en Ucrania, graduándose en la Academia de bellas artes de Kiev. En 1992 regresó a su ciudad natal, trabajando como pintor y decorador en el Teatro Dramático Académico Ruso M. Gorki.

Simbolismo en Arsenal Le Comte Arts

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea, Rusia. 1968).

Alexander Dolgikh domina diversas técnicas de dibujo y pintura poniéndo mucho énfasis en la figura humana. Tiene un profundo aprecio y siente fascinación por la historia antigua, la mitología, las leyendas y los cuentos de hadas, reflejándose en todas sus obras.

Su sólida formación académica le ha convertido en un gran profesional en los diversas tecnologías de los materiales artísticos. Creando métodos que le permite mezclar óleos y acrílicos para convertirlos en un nuevo producto con su mezcla Esta idea tomó forma por el seguimiento y estudio que hacía del artista flamenco Franz Hals, el cual conseguía mezclas para sus obras de diferentes medios, en especial el éxito que obtenía con la mezcla de aceites con acuarelas. Consiguiendo Alexander Dolgilkh desarrollar y mejorar estas técnicas con productos y materiales.

Surrealista obra de Alexander Doligkh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Curiosamente su gran debut internacional no fue en la órbita de influencia rusa, sino que fue en Barcelona (España) en 1996 en la Barcelona ArtExpo. Después se trasladó a vivir a Praga en la República Checa, exhibiendo sus obras en Dublín, Londres o Melbourne. Desde el año 2005 Alexander Dolgikh tiene una exposición permanente en Praga donde podemos apreciar el arte de sus creaciones. En el Reino Unido, sus obras las lleva en Exclusiva la prestigiosa galería de arte contemporaneo Graham Fine Art.

Curiosamente este gran artista no dispone de página web, página de Facebook ni nada por el estilo, asi que si alguien sabe donde poder encontrar algún sitio oficial de él, lo ponga en comentarios.

Aquí os dejo unas cuantas obras de Alexander Dolgikh para que aprecieis su arte. Haced click en las imágenes para agrandarlas. Si os gusta la entrada pues me dejáis comentarios y me compartís en redes sociales y así me hacéis un favor de cara a posicionar con Google. Nos leémos en la próxima entrada.

Atte: Jesús = Arsenal Le Comte Arts. Saludos

Arsenal Le Comte Arts

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