Maestros de la luz – Michael de Bono, renacimiento contemporaneo

Otro gran artista para la serie “Maestros de la luz” en Arsenal Le Comte Arts.

Michael de Bono, renacimiento contemporaneo.

Michael de Bono en Arsenal Le Comte Arts "Maestros de la luz"

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – Juego de luces, óleo sobre panel de madera.

Creo que salta a la vista observando sus obras porqué me he decidido encasillar a este artista en la serie de grandes Maestros de la luz, aunque sea un artista contemporáneo y no pertenezca a la época de los grandes del Renacimiento tanto flamenco cómo italiano, pero si bebiendo de ellos.

Michael de Bono nació en Caerphilly, Inglaterra  en 1983, donde vivió durante un corto tiempo antes de trasladarse a Cardiff.

Aprendizaje

Se enseño a pintar viviendo y trabajando en el Pais de Gales, lentamente a traves de pruebas y errores, practicando desde muy temprana edad con el dibujo. Enseguida se queda prendado de los maestros italianos y flamencos renacentistas. Van Eyke, Memling, Leonardo y Giorgione son los autores que más admira hasta la época de Caravaggio. Pues estos artistas pintan con mucho refinamiento y acentúan la forma realista y natural en que aparecen las personas y objetos a la vista.

La elegancia, la primacía del mundo natural, un marcado énfasis en los efectos de la luz, le hacen realizar bellas pinturas al óleo dotándolos de una intimidad en la luz y la expresión que me invitan a reflexionar largamente, embelesado sobre su contexto narrativo, siendo por ello que lo catalogo dentro de los grandes Maestros de la luz contemporáneos.

Michael de Bono. Maestros de la luz en arsenallecomte.com

Michael de Bono (Caerphilly, Inglaterra – 1983) – The Gathering, óleo sobre panel de madera

Naturalidad

El naturalismo que transmite este pintor, no es un fin en si mismo, no es algo vacío de contenido, sino que Michael de Bono lo utiliza cómo un medio de llevar,  lo que quiere decirnos con su obra a la vida, nos narra una historia de una acción llena de juegos de luces, colores magistralmente mezclados que dan vida propia a una acción cotidiana cómo puede ser el escanciar dos copas de vino en la obra que os he puesto arriba de este párrafo, dotándolo de una naturalidad tan suave que acaricia el observar ese simple gesto.

Esta forma de expresarse la asimiló al observar por primera vez la obra de Caravaggio “Cena en Emaús” que se puede admirar en la Galería Nacional de Londres. Esta obra le causó una fuerte impresión perdurable hasta el dia de hoy en su mente, tratando de emularla en sus espléndidas obras.

Caravaggio, Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Caravaggio (1571 – 1610) – Cena de Emaús. 1601. Óleo sobre lienzo. 141 x 196 cm. National Gallery de Londres Inglaterra.

Y hasta aquí este artículo dedicado a este artista contemporaneo, que lo encuadro dentro de la sección los Maestros de la luz.¿Conocias este artista? ¿Sabes algo más de sus obras? Déjalo en comentarios y así nos informamos toda la comunidad.

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  • Si deseas saber más del artista, AQUÍ te dejo su web.

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  • Y te dejo un album con sus obras AQUÍ

Venga un saludo y hasta otra próxima entrada. Dewww

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Maestros de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

claude joseph vernet Maestros de la luz en arsenal le comte arts

Claude-Joseph Vernet, Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas (1753), óleo sobre lienzo. 96,5 x 134,6 cm

Maestro de la luz – Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789)

La escena nocturna de la imagen, evoca un paisaje imaginado de la costa italiana, iluminado por el resplandor de la luna y sus plateados reflejos. Fue pintada por uno de los maestros de la luz, Claude-Joseph Vernet, el pintor de marinas más célebre de la segunda mitad del siglo XVIII, cuando regresó a Francia tras una estancia de casi veinte años en Roma. Aclamado por los enciclopedistas de la Ilustración, como Denis Diderot, sus paisajes contribuyeron a estimular una sensibilidad prerromántica entre sus contemporáneos, mostrándoles los diferentes efectos lumínicos y atmosféricos en la naturaleza.

Claude Joseph Vernet Maestros de la luz en Arsenal Le Comte Arts

Claude Joseph Vernet (Avignon. Francia. 1714 – 1789) – Calma en un puerto mediterraneo.

Miembro de una familia de artistas, Claude-Joseph Vernet recibió sus primeras lecciones en Aviñón, primero de su padre, Antoine Vernet, y luego de Philippe Sauvan, pintor de historia.

Tras este aprendizaje inicial Vernet comenzó a trabajar en Aix-en-Provence con el pintor de paisajes y marinas Jacques Viali. Su primer trabajo como pintor independiente fueron unas pinturas decorativas que realizó, en 1731, para el hotel del marqués de Simiani, en Aix-en-Provence, de las cuales dos de ellas se conservan in situ.

En. 1734, gracias a la protección del marqués de Caumont, Vernet viajó a Roma para completar su formación artística. Allí, enseguida, se integró en la comunidad de artistas franceses residentes en la ciudad y entre los miembros de la Academia de Francia. Hacia 1738, Vernet era ya un conocido pintor de paisajes y de marinas, que recibía encargos de importantes clientes, de distintas nacionalidades, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Gran parte de su clientela estaba también formada por británicos que realizaban el Gran Tour. Desde 1746, año de su admisión en la Academie Royale, Vernet expuso regularmente en el Salon, donde sus obras fueron muy bien acogidas por la crítica

Las marinas de Vernet, aunque herederas de la pintura de paisaje de historia de Claudio de Lorena, se basan en la observación de la naturaleza. Durante esa primera etapa romana, Vernet realiza muchas excursiones y viajes de trabajo para dibujar la campiña y la costa mediterránea desde Roma hasta Nápoles, registrando elementos que formarán la base de su repertorio para el resto de su carrera artística.

Poco. después de su regreso a Francia, en 1753, Vernet comenzó a trabajar por encargo del rey Luis XV en una serie de quince grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, conservadas en París, el Musée du Louvre, y en el Musée National de la Marine. Este ambicioso proyecto, que le ocupó más de diez años, le obligó a viajar por todo el país, hasta que en 1765 lo abandonó, dejando la serie incompleta. Durante el resto de su carrera Vernet continuó trabajando en sus temas preferidos: paisajes italianizantes, puertos y tormentas marinas.

Las marinas solían ser de dos tipos: mares en calma o mares tempestuosos. Estos últimos se convertían en el escenario de dramáticos naufragios, una amenaza real y muy frecuente en esta época en que las vías marítimas eran los principales medios de comunicación y transporte. Los naufragios en las series —pues siempre se incluía uno— constituían un contrapunto emocionante a las otras marinas en calma e ilustraban dos incipientes conceptos estéticos: lo sublime (que incitaba la sensación de horror en el espectador) y lo bello (procurando una sensación agradable y sosegada)

“Vernet sabe revivir tormentas, abrir las cataratas del cielo e inundar la tierra; también sabe, cuando quiere, disipar la tempestad y devolver la tranquilidad al mar, la serenidad a los cielos. Entonces toda la naturaleza, como saliendo del caos, se ilumina de una forma encantadora y vuelve a tomar todos sus encantos […]. ¡Qué serenos son sus días!, ¡qué tranquilas son sus noches!, ¡qué transparentes sus aguas! Él crea el silencio, el frescor y la sombra en los bosques. Se atreve sin miedo a colocar el sol o la luna en su firmamento. Le ha robado su secreto a la naturaleza; todo lo que ella produce, él puede repetirlo.”

Denis Diderot, Salones, 1759

La decadencia del imperio moderno – Géricault vs Rancinan

Théodore Géricault en Arsenal Le Comte Arts

Jean Louis Théodore Géricault (Rouen, Francia. 1791 – 1824) – La balsa de la Medusa. 1818 – 1819. Óleo sobre lienzo. 491 × 716 cm. Museo del Louvre, París – Francia. Decadencia de la clase humana.

Théodore Géricault vs Gérard Rancinan:

Pintura versus Fotografía, un tema antiguo, la diferencia de clases, se suma a un drama actual, la inmigración. La decadencia del imperio moderno bajo 200 años de diferencia.

Dos obras, dos autores, dos formas de ver un mismo suceso en la inmensidad del tiempo, pintor versus fotógrafo…

Noticia de un periódico cualquiera un día cualquiera:

Efectivos de Salvamento Marítimo han rescatado esta mañana a diez inmigrantes de origen subsahariano, entre ellos tres mujeres, cuando intentaban alcanzar las costas españolas a bordo de una patera en aguas del Estrecho de Gibraltar.

Hola a tod@s, por aquí Arsenal conectado, intentando reconducir esta historia a ver si la puedo plasmar tal como me ronda en la cabeza.

Os preguntaréis algo como esto: ¿que tiene que ver la noticia con la que abro el post, tan triste como es el drama humano que sufren estas personas en busca de un lugar mejor,  pero que de tanto ver y oir las noticias se ha vuelto algo habitual, que nos hace insensibles a la tragedia,  con un blog de arte?

Os lo explico enseguida.

Gérard Rancinan, para quien no lo conozcáis es un fotógrafo francés nacido en Talence, en el año 1953 a breve introducción deciros que era un  mal estudiante y a los quince años, su padre que era periodista,  lo puso a trabajar como asistente en el laboratorio del periódico Sud Ouest de Bordeaux.

Pasan tres años y a los 18 se convierte  en el reportero gráfico más joven de Francia, cubriendo noticias locales. Sus héroes eran los fotorreporteros que venían con aventuras de Vietnam. Se compró una Pentax y se lanzó a vivir las suyas en África, inspirado en el estilo de Life.

Esto hace que sea observado muy de cerca por la agencia de noticias Sygma. Siendo contratado por ella en 1973 convirtiéndose en una de sus principales promesas.

Gérard Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Cinco años más tarde, se unió al personal de fotógrafos de Sygma en París, experiencia que lo llevara a viajar por todo el mundo, cubriendo de  primera mano grandes acontecimientos de relevancia histórica, tanto políticos, deportivos o artísticos. Abandonó Sygma en 1986 y se dedicó a sus proyectos personales, para llegar a ser independiente en 1989. 

Siendo portada en multitud de ocasiones en  revistas como Paris Match, Life Magazine, Stern, The Sunday Times Magazine,etc. Desde 1984, colabora regularmente con las más importantes revistas deportivas americanas: American Sports y Sports Illustrated.

Y ahora que ya sabemos quien es este gran artista, voy a sumergirme en la historia y el desarrollo de esta entrada a ver si logro expresar lo que siento.

Todo empieza con Runcinan regresando con avión de unas vacaciones que habían pasado él y su compañera desde hace años, la escritora y periodista Caroline Gaudriault, en casa de David Lachapelle en Hawai. Durante el viaje se puso a leer un ejemplar del diario Libération, fijándose en una imagen en blanco y negro, que ocupaba una esquina anecdótica de la página del diario. Mostraba una balsa destartalada con un grupo de africanos tratando de cruzar el estrecho de Gibraltar.

Al ver esta imagen y leer la noticia, da un respingo y se dirige a su compañera diciéndole: ¡Fíjate! Es exactamente igual que La balsa de la Medusa, de Géricault. Doscientos años después, la vida sigue igual: hay gente dispuesta a correr los mayores riesgos en pro de una ilusión. ¿Pero en pro de qué, finalmente?”.

Para los que no sepáis la historia de la Medusa, os la cuento a continuación a grosso modo para que os pongáis en situación.

La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es un óleo sobre lienzo descomunal, es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)  fue realizada  por el pintor y litógrafo francés del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819.  Fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió gracias a ella en un ícono del Romanticismo francés.

Esa pintura representaba la tragedia sufrida por una fragata de la marina francesa Méduse, que encalló frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresurádamente pues no había suficientes botes salvavidas para todos y fueron ocupados por las clases más pudientes. Todos los ocupantes de la balsa, excepto 15, murieron durante los 13 días que tardaron en ser rescatadas. Los supervivientes debieron soportar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El suceso llegó a ser un escándalo internacional, en parte porque sus causas fueron atribuidas a la incompetencia del capitán francés que actuaba bajo la autoridad de Luis XVIII. Los botes ocupados por gentes de alto nivel social optaron por soltar la cuerda con la que remolcaban la balsa, quedando esta a la deriva.

Géricault consciéntemente buscó un incidente conocido que pudiera levantar una gran polémica y mucho interés público para ayudarlo a lanzar su carrera. Por lo cual preparó y se documentó a conciencia sobre el suceso, entrevistando a dos de los supervivientes para que le narrasen los detalles que luego plasmaría sobre su obra.

Jugando muy bien con los valores de la diferencia de clases ya iba calentando el estreno de la obra, achacando a la reciente reinstaurada monarquía La decadencia del imperio moderno.

La pintura se exhibió en el Salón de París de 1819. Y como buscaba el artista, creó una gran polémica, atrayendo tanto condenas, como apasionados elogios, estableciendo así su reputación internacional, siendo el cuadro a día de hoy un referente en la historia temprana del Romanticismo en la pintura francesa.

Bueno pues dicho esto y ya puestos en antecedentes, Rancinan, nada más tomar tierra en París, con una idéa dándole vueltas en la cabeza, puso a trabajar a todo su equipo. Les dijo que “en dos meses debían conseguir esta foto”. Dicen que se invirtieron 100.000 € en su realización (A nivel personal, lo dudo y si así fue me parece una burrada). Contrató a los mejores modelos de revista que habían, los vistió una y cien veces con ropa de grandes marcas hechas jirones, los puso sobre un mar de grasa, aceite y petróleo, con la Torre Eiffel y el letrero de Hollywood semi hundidos al fondo. Ranciman dice que: “Géricault habla de lucha de clases y esclavismo, yo,  hablo  de la inmigración. Pero la intención es la misma, provocar la reflexión”.

Rancinan en Arsenal Le Comte Arts

Representación de la decadencia de un Imperio basado el consumismo

La foto fue un éxito. Tanto, que hasta el primer ministro de Sarkozy, François Fillon, le llamó personalmente para felicitarle por “su contribución al debate sobre la inmigración”

Rancinan nos presenta personas desesperadas en busca de los bienes ilusorios, en lugar de la salvación, con un  lenguaje  sombrío, visionario, las imágenes son de implacable y salvaje belleza. Forma parte de una trilogía que llamó Trilogía de los modernos, Rancinan crea verdaderos y propios performances complicadísimos, para transportar al espectador en espacios en el cual tiene gran importancia el elemento escenografico. Y aunque, si la persona que observa, puede creer que no tiene nada que ver con los protagonistas de estas historias, a menudo inquietantes, como la de la balsa de las ilusiones,  su objetivo esta ahí, a recordarnos que aquellos somos nosotros. Pues como dije al principio, la noticia de la patera pasa desapercibida por lo habitual y lejanos que nos parecen estos dramas, que aunque haya un amplio reportaje sobre el tema, pasamos rápido las páginas buscando otras noticias más mundanas como por ejemplo el ultimo beso de fulanita con menganito o como quedó nuestro equipo de futbol, o cualquier otra cosa más escapista.  Pero, sin embargo, si te presentan una imagen simbólica bajo un envoltorio espectacular, como es el caso de las dos obras, con doscientos años de diferencia una de la otra, el impacto de su mensaje permanece en el tiempo y se nos queda más marcado en la memoria. 

PD: “Después de semanas dejando este artículo o post como un borrador lo voy a publicar tal cual lo escribí, pues fue en esos trágicos días de los atentados terroristas de París y entonces no creí conveniente hacerlo, dejándolo aparcado ya que no quería crear un debate de si con este artículo se defiende o se está en contra de la inmigración.

La verdad que no sabía como terminar el artículo o post después de los atentados ocurridos en París, son malos tiempos,  y desde aquí mi sentido pésame a las familias de las victimas de esos bastardos, espero que la belleza de las imágenes nos haga reflexionar aunque sea un poco y nos haga aunque sólo sea por un momento, un poquito mejores“.

Si queréis saber más de la obra de Rancinan, su sitio web lo tenéis AQUÍ. También AQUÍ y AQUÍ

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Alexander Dolgikh – Símbolos y mitos

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Alexander Dolgikh: El arte de pintar las sombras y profundidades de nuestro inconsciente

Para comenzar a entender a este genial artista, nada como dos párrafos de su forma de pensar y entender el arte:

“Un mito es una historia que tiene un propósito: por ejemplo explicar  el origen de algo como lo hizo Tintoretto en su obra  “Orígenes de la Vía Láctea“, o para dar una advertencia como hizo Tiziano en su “Diana y Acteón“, o para servir como un ejemplo o un símbolo. Esta historia es generalmente fácil de entender, que involucra las emociones fuertes y simples y relaciones claras y básicas. Pero no cualquier historia. Los grandes mitos ilustran y explican a cada generación algo sobre el fin del mundo “.

“El viaje de cuento de hadas puede parecer una caminata hacia el exterior a través de llanuras y montañas, a través de castillos y bosques, pero el movimiento real es hacia adentro, hacia las tierras del alma. El camino oscuro del bosque de cuento de hadas se encuentra en las sombras de nuestra imaginación, las profundidades de nuestro inconsciente. Para viajar a la madera, para hacer frente a sus peligros, y emerger transformado por esta experiencia “.

Pintura de Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? – 1968?.

 

Este genial artista nació y creció en Crimea, (actualmente perteneciente al sur de ¿Rusia-Ucrania?) en 1968. Alexander Dolgikh creció en un ambiente artístico, pues su abuela Nadezhda Kucher fue profesora de Arquitectura en la prestigiosa Academia de Arte de San Petersburgo. Tenía como vecinos de patio de viviendas al artista ruso Andrei Panteleev y a la conocida narradora local Angelina Alexandrova, que luego más tarde fue su niñera.

Alexander Dolgikh en Arsenal Le Comte Arts

Obra cargada de simbolismo de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania?1968).

 

A la edad de ocho años, su abuela le regaló un libro de reproducciones de la Galería de Arte de Dresden en Alemania. Quedándose encantado por la belleza de las obras, dándose cuenta de que ese era su sueño, naciendo en él la vocación, entrando en el Colegio de Arte de N. S. Samokish de Simferopol en Ucrania, graduándose en la Academia de bellas artes de Kiev. En 1992 regresó a su ciudad natal, trabajando como pintor y decorador en el Teatro Dramático Académico Ruso M. Gorki.

Simbolismo en Arsenal Le Comte Arts

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Colorista obra de Alexander Dolgikh (Crimea, Rusia. 1968).

Alexander Dolgikh domina diversas técnicas de dibujo y pintura poniéndo mucho énfasis en la figura humana. Tiene un profundo aprecio y siente fascinación por la historia antigua, la mitología, las leyendas y los cuentos de hadas, reflejándose en todas sus obras.

Su sólida formación académica le ha convertido en un gran profesional en los diversas tecnologías de los materiales artísticos. Creando métodos que le permite mezclar óleos y acrílicos para convertirlos en un nuevo producto con su mezcla Esta idea tomó forma por el seguimiento y estudio que hacía del artista flamenco Franz Hals, el cual conseguía mezclas para sus obras de diferentes medios, en especial el éxito que obtenía con la mezcla de aceites con acuarelas. Consiguiendo Alexander Dolgilkh desarrollar y mejorar estas técnicas con productos y materiales.

Surrealista obra de Alexander Doligkh en Arsenal Le Comte Arts

Obra de Alexander Dolgikh (Crimea, ¿Rusia-Ucrania? 1968).

 

Curiosamente su gran debut internacional no fue en la órbita de influencia rusa, sino que fue en Barcelona (España) en 1996 en la Barcelona ArtExpo. Después se trasladó a vivir a Praga en la República Checa, exhibiendo sus obras en Dublín, Londres o Melbourne. Desde el año 2005 Alexander Dolgikh tiene una exposición permanente en Praga donde podemos apreciar el arte de sus creaciones. En el Reino Unido, sus obras las lleva en Exclusiva la prestigiosa galería de arte contemporaneo Graham Fine Art.

Curiosamente este gran artista no dispone de página web, página de Facebook ni nada por el estilo, asi que si alguien sabe donde poder encontrar algún sitio oficial de él, lo ponga en comentarios.

Aquí os dejo unas cuantas obras de Alexander Dolgikh para que aprecieis su arte. Haced click en las imágenes para agrandarlas. Si os gusta la entrada pues me dejáis comentarios y me compartís en redes sociales y así me hacéis un favor de cara a posicionar con Google. Nos leémos en la próxima entrada.

Atte: Jesús = Arsenal Le Comte Arts. Saludos

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La academia de Platón – El arte de Jean Delville

La academia de Platón de Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Historia de la belleza – La academia de Platón. 1898

Obra super cargada de simbolismo,  del maestro Jean Delville.

Hace ya bastante tiempo leí “Historia de la belleza”  de Umberto Eco (Un gran libro que aunque ilustrado con cientos de excelentes imágenes de obras maestras de todos los tiempos,  no es una historia del arte.  Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, desde Pitágoras hasta nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas, canones, estilos y formas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica). Pues dicho esto, casi al final de la historia en la página 322 aparece este cuadro pintado por el simbolista, seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía, Jean Delville, llamada “La academia de Platón” 1898.

Bélgica fue, a fines del siglo XIX, uno de los grandes focos del simbolismo europeo. La obra, pictórica y literaria, de Jean Delville expresa de éste la vertiente más esotérica. A mediados de los años 1880, el descubrimiento por el artista del mundo simbolista Parisino, y las relaciones que entabla, le hacen romper con el naturalismo heredado de su formación académica.
De modo que su amistad con  Sâr Péladan y su frecuente participación en los Salones de la Rosacruz, demuestran su adhesión a un arte de ideas, dedicado a la evocación más que a la descripción.

Jean Delville en Arsenal Le Comte Arts.

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Jean Delville nació en la ciudad belga de Lovaina, trasladándose a Bruselas a los seis años. Ya adulto, vivió principalmente en el suburbio de Bruselas “del Bosque”, pasando también algunos años en París, Roma, Glasgow y Londres. Desde muy joven su habilidad artística era excepcional.  Se formó académicamente en La Escuela de Bellas Artes de Bruselas en compañía de Eugéne Laermans y de Víctor Horta, expone por primera vez y de manera simultánea a sus estudios a la edad de veinte años. No obstante, en esta época comienza a mostrar una creciente pasión por las denominadas ciencias ocultas, ocultismo,… dando un giro sustancial a su temática. Un cambio e interés que adquiere solidez cuando se traslada a París, allá por 1889. Comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de Bruselas cuando tenía doce años, continuando allí hasta 1889 y ganó varios premios.  Influido por el Renacimiento italiano, autores tales como: Rafael, Leonardo o Miguel Ángel, resultaron esenciales en la conformación de su estilo personal.

La academai de Platón en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Con lo cual dicho todo lo anterior llegamos a esta colosal obra que creo que fue el SUMMUN de su carrera.

La academia de Platón, es un óleo sobre lienzo espectacular, haciendo 2,60 metros de altura por 6,05 metros de ancho. Esta impactante obra se encuentra en el Museo de Orsay en París, perteneciente a la colección de Hervé Lewandowski. En la web del museo reza esta leyenda, dicen que esta al pie de la obra en el museo, más como esta obra la vi de lejos, pues debido a su gran tamaño, es así como hay que verla, al ser un viaje organizado, con las prisas de los guias, no le presté atención y no lo se cierto, si alguien lo puede corroborar que lo ponga debajo en comentarios:

(La Escuela de Platón, decoración destinada a la Sorbona que jamás se colocó).

Disculpas por si la traducción de esta leyenda no es la correcta pues hace tiempo que no utilizo el Francés y con ayuda del Santo Google Translate, hice lo que pude de la información de la web del Museo d´Orsay.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

Se puede observar cómo asocia el artista la figura del filósofo griego con la imagen habitual de Jesucristo, además de ilustrar a la perfección el componente erótico de la filosofía platónica. En su pintura hay un gusto evidente por lo oculto y la Iniciación, siendo cada detalle de la obra debido a su gran nivel, otra obra en si, por ello he seleccionado fragmentos de la obra para que se pueda apreciar y estudiar más a fondo.

Museo de Orsay en Arsenal Le Comte Arts

Jean Delville (Bélgica. 1867–1953) – La academia de Platón. 1898. “Detalle”. Öleo sobre lienzo. 2,60 x 6,05 metros. Museo de Orsay, París, Francia.

La academia de Platón, es además de un título, una obra sobrecogedora. Sus dimensiones monumentales, la ambición de su propósito, una interpretación de la filosofía clásica vista por el prisma del ideal simbolista, señalan en seguida la singularidad de la obra. Se nos manifiesta  proclamando  sus referencias en cada pincelada, de Rafael a Puvis de Chavannes; pero embelleciéndolas con una extraña seducción de una gama cromática obviamente irreal. La ambigüedad que se desprende de este manierismo de fin de siglo, nubla a propósito, cualquier frontera entre pureza y sensualidad.

Aquí os dejo una galería con fragmentos con bastante resolución de la obra y podréis apreciar el nivel de detalle del artista. Haced clic para agrandar las imágenes.

AQUÍ os dejo un enlace por si queréis adquirir el libro de Umberto “Historia de la belleza

Nos leemos en la próxima entrada. Atte: Arsenal Le Comte.

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El arte de Toshiyuki Enoki – Emociones de Occidente en Oriente

Arte oriental en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Héroe 2010. Tecnicas de grabado orientales con técnicas de arte occidentales, usando acrílicos y hojas de pan de oro sobre lienzo.

Sentimientos entre Oriente y Occidente

Fuerte simbolismo usando tenicas ancentrales oirentales con toques maestros occidentales.

Toshiyuki Enoki nace en Tokyo Japón en 1961. Se formó en los estrictos estilos ancestrales de arte japoneses, por ello podemos decir que su obra lleva impresa la historia pictórica del japón, desde la era Muromachi donde nos deleita con sus espectaculares obras monocromáticas de sus grabados en tinta, pasando por la era Azuchi-Momoyama fascinándos con el uso del pan de oro y lápices de oro carácterísticos de esa época como principales fuentes de estilos, sin olvidarse de guiños hacia las eras o periodos Edo y Meiji con su occidentalización.

Completa esta unificación de estilos y disciplinas orientales con la introducción de usos occidentales como pueden ser los acrílicos con sus diferente estilos de trabajo, la introducción de personajes de la cultura occidental como  las hadas, los seres mitólogicos o sus modelos de rasgos occidentales.

Era Muromachi en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Caballo en invierno. Grabado monocromático en tinta china y pan de oro, realizado golpeando agujas en cañas sobre papel antiguo chino. Como os decía fiel al estilo de la era Muromachi. Magnífica la representación de este caballo en una mañana de invierno, plasmando el vapor que sale de su cuerpo jadeante como si una locomotora se tratase. Recordad que es un grabado a caña menos el hilo de oro de las riendas.

Enoki tiene un estilo de arte muy personal, creando un sutil trabajo con elementos de la pintura tradicional japonesa (tinta, agujas, cañas, papel etc…) y de la pintura e ilustración contemporanea occidental.

Su paleta de colores es suave, de colores cálidos y muy limitados, optando por una exuberante flora o acogedoras telas utilizando sútiles matices en tonos sepia, que nos evocan según mi forma de ver su obra, la forma en que se ve el mundo cuando los párpados nos pesan, al entrarnos sueño antes de quedarnos dormidos. Pero a pesar de esa apariencia placida, pego un respingo que me despierta al observar el simbolismo de algunas de sus obras, cayendo en la cuenta que el trabajo de Enoki contiene elementos más oscuros e intrigantes. Por ejemplo,  en una pieza encuentro un personaje que tiene fuertemente atadas sus extremidades en posición supina. En otra, la cual me fascina y os la pongo a continuación, una mujer recibe el abrazo protector de un hombre, rodeados ambos por afilados espinos.

Toshiyuki Enoki - Rosas y espinas en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Flores y espinas 1987. Acrílico y tinta sobre lienzo

Gracias a los límites de su paleta de colores, nos permite en sus obras centrarnos en los detalles de sus texturas, maravillándome como dispersa el pan de oro por sus obras, evocándome de alguna manera los mosaicos bizantinos de la época del imperio, trayéndome además el recuerdo en algunas de sus obras a  eso que hace maravilloso al maestro Gustav Klimt. Consiguiendo crear con estas técnicas un universo en sus obras de magia y tranquilidad.

Invernalia en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Invernalia. Acrílico, tinta y pan de oro sobre lienzo. De la serie estaciones del año. Me evoca mucho al estilo de Klimt.

Las composiciones intimistas y misteriosas que son casi todas, son las que más éxitos le han dado, siendo un gran referente a nivel mundial pues ha expuesto en muchas galerias de Asia y de su país Japón en particular, así como en Europa y América. Llegando sus obras a ser muy cotizadas por coleccionistas tanto públicos como privados de todo el mundo.

Aquarium en Arsenal Le Comte Arts
Toshiyuki Enoki (Tokyo, Japón 1961) – Aquarium. 1990. Acrílicos y pan de oro sobre lienzo.

Según el artista en esta obra (Aquarium):

El mar es el inicio del camino de la evolución de la vida. El mar es también un objetivo del ciclo diario de la circulación del agua. La vida evolucionó de la incursión del mar a la tierra, de pronto el cielo y se convirtió en el objetivo del universo“。

Toshiyuki Enoki

A continuación os dejo una pequeña galería de unas cuantas obras del artista. si queréis saber más sobre su obra, os dejo su sitio web AQUÍ, está en japonés, pero se navega instintivamente. Para ver más arte oriental en esta página de Facebook AQUÍ

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Nos vemos en la próxima entrada

 

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