Pablo y Virginia – Prosper d´Épinay, el amor hecho arte

El amor hecho arte en la obra del escultor de Isla Mauricio “Prosper d´Épinay – Pablo y Virginia“que se exhibe en el Blue Penny Museum de Port Louis en Isla Mauricio.

Otra versión realizada también por el autor, se encuentra en el jardin del hotel de la ciudad de Curepipe en Mauricio.

Blue Penny Museum en ArsenallecomteArts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta bella obra llamada Pablo y Virginia, está inspirada en la novela de Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre   que fue publicada en 1787. Os voy a poner en antecedentes, pues se han unido dos bellas obras, tanto la escultura cómo la obra literaria son de las cosas que tienes que haber visto y leido en esta vida si te gusta la belleza. La novela la puedes leer AQUÍ.

Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814), publicó una trágico novela media corta, en la que narra a traves de la historia de dos jóvenes,  cargados de inocencia, la tragedia de estos jóvenes amantes, por culpa de los valores corrompidos por el sentimentalismo falso y artificial que prevalecía en la época entre la élite francesa. Los personajes de Pablo y Virginia viven de la tierra sin necesitar tecnología o interferencia humana. Por ejemplo, cuentan el tiempo mirando las sombras de los árboles.

A Pablo y Virginia sus madres los crían como hermanos, al margen de la sociedad, en la isla de Mauricio (entonces, una colonia francesa conocida como Île de France). Es un paraiso, todo belleza y melodia, los jóvenes se enamoran, la llegada de la adolescencia, empapa con su sexualidad la relación, convirtiéndolo en algo más que inocente amor.

El despertar de la sexualidad

Llega el día fatal, en plena adolescencia, en el que se convierten en amantes. Para evitar el descrédito en la sociedad y preservar la virginidad de la muchacha, la madre de Virginia, cargada de todos los prejuicios de la época, hace que el paraiso de los amantes se derrumbe enviándola a estudiar a  Europa para mantenerla alejada de Pablo, deseando que el tiempo borre ese amor.

Años más tarde, Virginia decide volver a la isla para reunirse con el hombre de su vida. Pero el destino le depara otro final. A su regreso, el barco se ve atrapado en una gran tormenta a la vista de la costa de Isla Mauricio. Virginia, cargada de prejuicios adquiridos en su estancia en Europa, antes de quitarse la ropa delante de los marineros y arrojarse al mar, prefiere quedarse en el barco, ahogándose mientras Pablo mira desde la costa sin poder hacer nada, muriendo de pena al poco tiempo. Al cabo de poco tiempo, llenas de dolor mueren también las madres de los jóvenes.

El libro tuvo un éxito sin precedentes,  traduciéndose a varios idiomas, durante el siglo XIX fue considerado un clásico, fue recomendado cómo lectura adecuada para adolescentes pues valora la virginidad y la modestia hasta llegar a morir por ellas. Fue un precursor por la violencia de las emociones de los personajes, a la  llegada del romanticismo.

Se publicó al principio en el volumen IV de su obra “Estudios de la naturaleza” en 1788, siendo republicado más adelante en un volumen por separado debido al exito tan popular como tuvo en 1789.

 

Paul y Virginie en Arsenal Le Comte Arts

Portada de la novela Paul et Virginie.

Blue Penny Museum

Esta famosa y mítica obra colonial, siempre se asocia con Mauricio y sus islas. Así cómo Teruel tiene sus amantes (Diego e Isabel), Mauricio tiene los suyos (Pablo y Virginia). Habiendo un museo en Port Louis que recoje todo lo relacionado con esta pareja.

Este museo es el Blue Penny Museum, exhibiendo varias ediciones ilustradas de la novela y obras inspiradas en los trabajos de Bernardin de Saint Pierre, cómo la escultura que abre este artículo o post.

A los visitantes se les ofrece el distinguir entre la leyenda y la realidad, pues el escritor inspiró el trágico final de su obra en la historia verdadera del naufragio del buque Saint Geran, cerca de la Isla de Francia, actual República de Mauricio en 1744.

Una de las obras inspiradas en la novela es la estatua de marmol  que os puse al principio, obra del escultor Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) de nombre Paul et Virginie.

Prosper d´Epinay en Arsenal le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Esta hermosa escultura es una obra maestra del clasicismo del siglo XIX , se encuentra al final de la visita al museo, representando un pasaje del libro, donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar un arroyo al perderse en un bosque.

La creación de esta escultura comenzó en 1881 cuando la Colonia de Isla Mauricio a través del ayuntamiento del municipio de Port Louis, le encargó al artista una escultura inspirada en la novela de Pablo y Virginia de Bernardin de Saint-Pierre. Entonces el artista eligió el pasaje del libro que he citado antes donde Pablo ayuda a Virginia a cruzar el riachuelo. Siendo creada a partir de un único bloque de marmol de Carrara – Italia.

Sin embargo la colonia no pudo adquirir la obra por razones financieras. Por lo tanto el trabajo se quedó almacenado en el taller del artista en Roma. Hasta que en 1886 fue comprada por un coleccionista portugués.

Detalle de estatua en Arsenal Le Comte Arts

Prosper d´Epinay (Pamplemousses. Isla Mauricio. 1836 – 1914) – Paul y Virginia. Estatua de marmol de carrara. Detalle. Blue Penny Museum. Port Louis (Isla Mauricio – Rep. Mauricio)

Con el paso del tiempo ya en el siglo pasado en 1997 fue adquirida en subasta por un consorcio de empresas encabezadas por el Banco comercial de Isla Mauricio, trayéndola a su destino inicial, para ser expuesta permanéntemente al fin en el año 2001 en el museo que fue creado por el citado consorcio. Inmortalizando así con esta obra maestra la legendaria novela, contribuyendo así a la reputación mundial de Mauricio.

Bueno y esta ha sido la historia de esta bonita obra, si deséias añadir información, podéis hacerlo en los comentarios Y si os ha gustado el artículo compartirlo en vuestras redes sociales y me hacéis un favor de cara a posicionar la web en Google. Venga hasta la próxima entrada y un saludo.

Arsenal Le Comte Arts

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La escultura funeraria, el arte de un adiós

Angel con su Game boy en Arsenal Le Comte Arts
Bellísima escultura de un cementerio de la zona de Madrid. Si alguien tiene más datos por favor me los pase y los añado. Posiblemente el autor sea del taller de Jesús Pizarro en la zona de Madrid, pues en su web se encuentra la imagen de este angel jugando con su Game boy.

El arte de un adiós

Arte funerario en cementerios, lugares tranquilos que nos transportan a otros sitios.

Al ir a un cementerio lo que más me ha hecho sentir en calma aparte de la paz que se respira en ellos, es ver  hermosos monumentos funerarios que destacan frente a sencillas lápidas nichos o estelas funerarias, personajes destacados de la sociedad del momento, políticos o bien personajes relacionados con el mundo del arte y la cultura que han permitido que éste adornara su última morada.

La escultura funeraria forma parte de las manifestaciones artísticas más antiguas de la humanidad. Es común en todas las épocas y en todas las sociedades sentir una gran fascinación incluso obsesión por el tema de la muerte, ya que procura realizar el mayor deseo de los hombres: permanecer eternamente presentes en la memoria de los vivos.

El arte funerario tenía una gran importancia, conociendo expresiones excepcionales desde las civilizaciones más antiguas (Egipto por ejemplo). Reflejando en cada una de estas expresiones, las creencias y las formas de ver la muerte de de cada una de las culturas en las que se desarrolló, todos los pueblos intentaban e intentan prepararse para la vida en el más allá y de algún modo permanecer en el mundo de los vivos como es en el caso de los cementerios, mediante exposiciones más o menos artísticas en sus enterramientos, llegando a su máxima expresión artística en Europa durante los siglos XV, XVI y XVII de las divinas manos de los grandes Miguel Angel, Bernini, Verrocchio, Borromini, Cortona y tantos otros grandes maestros.

Bernini en Arsenal Le Comte Arts
Gian Lorenzo Bernini.(Nápoles, 1598 – Roma, 1680). Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni. Mármol. 1671-1674. Capilla Altieri-Albertoni.
Iglesia de San Francisco a Ripa. Roma. Italia.

Esta representación artística, sufrió una marcada decadencia en el siglo XVIII. “Según mi punto de vista, después de los últimos monumentos funerarios de Bernini, poco hubo que valiera la pena en este arte hasta el siglo XIX“.

El historiador de arte Erwin Panofsky (Hannover, Alemania. 1892 – 1968) dijo poco antes de morir durante una de sus conferencias, que quien quisiera escribir la historia del arte de los siglos XVIII, XIX y XX, no podría encontrar su inspiración en los cementerios e iglesias. Con esto, quería recalcar su opinión de que el arte funerario, había alcanzado su máxima expresión y protagonismo en el Renacimiento, para luego ir cayendo en una nefasta conbinación de (pomposidad, sentimentalismo y arcaismo) lo cual hizo que perdiera el lugar destacado que tenía dentro de las bellas artes.

Ya bien entrado el siglo XIX esta tradición artístico cultural esperimenta un nuevo impulso al haber un profundo cambio en las prácticas funerarias occidentales (A grosso modo consistió en la emergencia de un llamemosle entre comillas “nuevo culto a los muertos” propiciado por la creación de cementerios a extramuros de las ciudades a los que se comenzó a visitar asiduamente)

Estos cementerios decimonónicos europeos y su radio de influencia como es América Latina, se llenaron de arquitecturas adornadas, bajo relieves y esculturas, hasta ya entrado el siglo XX.

Se suscitó un interés muy fuerte en las clases pudientes de la época que hizo que gran parte de la producción escultórica fuera destinada a los cementerios, sobre todo al llamemosle mercado americano, exportando una gran cantidad de figuras de mármol con destino a los cementerios del otro lado del Atlántico.

Barrio la recoleta en Arsenal Le Comte Arts
Escultura en el cementerio del barrio de La Recoleta en Buenos Aires Argentina.

Los gustos, la percepción de lo que es bello y qué no lo es, cambian con los tiempos, de pueblo en pueblo, de cultura a cultura, delimitando estos objetos artisticos la función y el rol social, las creencias y valores dentro de una cultura, en la que cobran un valor adicional como testimonios del paso de esa cultura que los creó e hizo posibles.
Bajo esta perspectiva el arte funerario y en especial el de los cementerios históricos adquieren una relevancia particular, permitiendo que nos asomemos a la vida de hombres y mujeres a los que se les rinde homenaje, a los que los construyeron, conocer sus costumbres, crencias,  junto con los valores de esa sociedad, se reconstruyen los momentos históricos en los que aparecieron, (por ejemplo la Dama de Elche y tantas otras obras de arte encontradasa en tumbas que nos permiten conocer mejor esa época histórica). Haciendo que estudiemos su iconografía, el espacio ocupado en el cementerio, la datación de su época, los materiales de los que están hechos y se utilizaban en ese periodo histórico, a través de su estructura y composición.

El angel de Sel en Arsenal Le Comte Arts
Francisco Cossío y Molina – Angel de bronce en el panteón de la familia Sel realizada en 1909,  se encuentra en el cementerio de La Ballena en Castro Urdiales, Cantabria España. Para saber más clic AQUÏ

Por ello pienso que los cementerios históricos, aunque no se hayan diseñado para ese fin son museos al aire libre, archivos históricos de la cultura material, lugares idóneos para el estudio de cambios culturales ya que nos dan esa información para su estudio las fechas de las lápidas, no siendo sólo sitios usados para enterramientos.
Con los cementerios decimonónicos se inaugura un cambio, una fase concreta de las prácticas funerarias nuestras, las occidentales que reflejan una preocupación por hacer de la muerte algo bello, digno, solemne y exquisito. El embellecimiento de los cementerios, el intento de procurar una “muerte poéticamente bella” a través de la escultura funeraria, permiten que encontremos un principio estético, no de lo que es o no es arte, sino como un hecho cultural, social, con un fin intencionado y con su respectiva consecuencia en la manera de pensar de la persona a la que va dedicada y el estudio de su autor.

El beso de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Joan Font Bernat – El beso de la muerte. Tumba del hijo de la familia Llaudet en Poble Nou Barcelona.
Un esqueleto alado, la muerte, en una actitud casi erótica besa la sien de un joven que se desploma. En torno al año 1930 la familia Llaudet perdió un hijo en plena juventud y quiso hacer una escultura para su tumba que representase los siguientes versos de jacinto verdaguer
“Más su joven corazón no puede más; en sus venas la sangre se detiene y se hiela y el ánimo perdido con la fe se abraza sintiéndose caer al beso de la muerte“
El encargo se hizo al taller familiar de esculturas de mármol de Jaume Barba, a quien desde siempre se le ha adjudicado la creación de la esta bella escultura, referencia en muchas exposiciones de arte funerario. Pero la obra maestra de dicho obrador (que contaba en los años 20 del siglo pasado con dos talleres, uno en Sant Gervasi y otro en Poblenou, cerca del cementerio, donde se hizo esta escultura) fue concebida por Joan Fontbernat, yerno del dueño y considerado el escultor más cualificado del taller, salvo la parte trasera de las costillas, de un realismo impactante, que fue esculpida por Artemi Barba, pariente también de Jaume.
La obra representa la muerte con alas (y no con el atributo de la guadaña como es tradicional) e intenta captar el momento en que el aliento abandona el cuerpo y la persona pasar a manos de la Muerte, que lo acoge con fuerza, casi cómo una enamorada.

 

En la actualidad, la banalización de la muerte, los recursos de las familias,  está llevando a nuestros cementerios a convertirse en auténticas colmenas, en las que ya no hay lugar para este tipo de escultura. El concepto de aprovechamiento del suelo ha llegado ya a estos lugares, lo que lleva a reducir al máximo el espacio, optando por una planificación impersonal, repetitiva y carente de imaginación, que se traduce en largas hileras de bóvedas y tumbas que aquí llamamos nichos.

Pero en estos cementerios siempre hay algunos sitios que se respetan por el valor artístico, historico y cultural que tienen. Muchos de ellos son declarados BIC “bien de interés cultural”,  e incluso se hacen visitas guiadas con el cada vez más en auge del sector del Necroturismo.

En este sector quiero destacar el cementerio monumental e histórico de Granada,  que este año ha sido seleccionado finalista en el II Concurso de Cementerios de España, en las categorías de monumento, escultura, historia documentada y actuación medioambiental. Y en especial a su guía Vanessa Jurado, pues gracias a ella tuve razón de las actividades que se llevan en ese lugar tan mágico como es el cementerio de Granada. Donde se realiza una visita guiada nocturna teatralizada que en cuanto pueda tengo que ir a ver. Si queréis más información clic AQUÍ y AQUÍ.

Cementerio de Granada en Arsenal Le Comte Arts
Momento de una representación nocturna en el cementerio de granada

Como curiosidad, el necroturismo, que así se denomina esta nueva corriente, da pie a numerosas anécdotas y momentos como por ejemplo ver a mujeres besar-tocar-frotar la tumba de Victor Noir en el monumental cementerio de Père Lachaise en París. Victor era un periodista del diario La Marseillaise, que murió a manos de Pierre Bonaparte tras una acalorada discusión por la defensa del honor del tío de Pierre, Napoleón Bonaparte. La estatua que cubre su tumba le muestra tumbado boca arriba, tal y como debió quedar tras el disparo. Al parecer, sobresalía de su entrepierna un bulto debido al tamaño de sus atributos, algo que ocasionó el rumor que decía que si una mujer lo tocaba aumentaba su fertilidad. De esta manera, la estatua, que durante un tiempo cercaron para evitar escenas subidas de tono, luce un brillo dorado en la boca y en la entrepierna debido a los roces y tocamientos a los que es sometida.

Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts
En el cementerio parisino de Père Lachaise se halla esta tumba, la de Victor Noir, periodista francés asesinado en 1870 por el primo hermano de Napoleón III .
La escultura muestra la forma exacta en la que quedó el periodista tras ser asesinado.
La tumba y la estatua que la cubre, es célebre por su generosa entrepierna y es visitada por cientos de mujeres,que subidas sobre la escultura y frotándose sobre la parte más llamativa, piden quedarse embarazadas, ya que se le atribuye el don de la fertilidad.

Algunos cementerios como este monumental Père Lachaise de París, están tan introducidos en la sociedad que para los habitantes de París es como si fuera un parque, donde familias enteras salen a pasear por él, siendo introducido en las visitas de los Tour Operators en sus excursiones principales a la ciudad de París, recibiendo más de dos millones de visitas anuales

Chopin, Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts.
Tumba de Chopin en el cementerio Père Lachaise de París

Y acabo esta entrada con la escultura de un gran escultor como es Josep Llimona i Bruguera (Barcelona 1864 – 1934) que siempre me ha fascinado, (Espero visitarlo algún día).

Se trata del Angel exterminador. Es una escultura de piedra de estilo Modernista, realizada en 1895, se levanta sobre los restos de un antiguo cementerio que a su vez está construido sobre los restos de una iglesia gótica en el municipio de Comillas en Cantabria. Por cierto os dejo esta curiosa historia del cementerio AQUÍ.

Angel. de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Josep Llimona i Bruguera (Barcelona. 1864 – 1934) – Angel exterminador 1895. Cementerio de Comillas. Cantabria.

Nos leemos en la próxima entrada.

Atte: Arsenal Le Comte

Arsenal Le Comte Arts

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La Piedad Invertida – Javier Castillo Zurita, por encargo de Marina Vargas. (Neobarroco)

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La Piedad invertida o la Madre muerta, Javier Castillo Zurita, bajo encargo de Marina Vargas. Modelado en barro blanco tamaño natural.Molde y positivo en resina+GelCoat. 2012. 152 x 138 x 96 cm
. Marina realizo varias interpretaciones de esta obra realizandolas con resina de poliester y después policromándola

– La Piedad invertida o la Madre Muerta –

A simple vista, esta escultura ideada por Marina Vargas, 
vemos que hace referencia a La Piedad de Miguel Ángel. 
Pero también se inspira en las famosas piezas de Bernini llamadas 
“Theatrum Sacrum”, como, por ejemplo, El éxtasis de Santa Teresa 
y el de la Beata Ludovica Albetoni

Marina Vargas (Granada, 1980)

Se forma en Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha mostrado su obra en las ciudades de Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga, Milán, Nueva York, México, Monterrey o La Habana, ganadora de premios como el INJUVE (Madrid) y INJUVE (Málaga), ambos en 2008, Premio Internacional de Pintura Focus Abengoa (accésit) en 2008, o las Becas de Creación Iniciarte (Sevilla) en 2009, o la otorgada por la Fundación Antonio Gala, en 2006, entre otros.

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Marina Vargas junto a su obra de la Piedad invertida o La Madre muerta.

Marina Vargas, le encargó el modelaje de esta obra al escultor Javier Castillo Zurita, (aquí a continuación, os dejo un video de su proceso), realizándola en barro blanco. Con ella a realizado varias interpretaciones a cada cual más bella e impactante con resina de poliester.

He conocido esta obra hechando una ojeada a las obras que se expusieron en  ARCO de Madrid en el 2014, buscando algo nuevo contemporaneo, o alguna pieza blasfema de las que habitualmente aquí se exponen. Cuando de repente vi esta imagen dejándome impactado por su belleza, profundidad y desgarro. Viendo una imagen de un Jesús sereno, pausado y doliente, sosteniendo en brazos la agonía de su Madre,  un cadáver yaciente, sin sostener nada en la mano, pues en otras versiones sostiene un corazón sangrante en ella. Que impacto, que fuerza la interpretación actual que hace Marina de la famosa Piedad de Miguel Ángel, pero en la que el hijo es el que lleva en brazos a la madre.

Neobarroco, con una muy cuidada puesta en escena, produciéndome un diálogo interior de mis ideas preconcebidas de mi educación cristiana. Feminidad, violencia por lo trágico de la muerte y el amor con que el hijo sostiene en la muerte a su madre, dan vueltas en mi interior admirando la creacion con un simbolismo alusionando a Miguel Angel con una identidad contemporanea.

Logra generarme dudas, sensaciones, sentimientos, comparaciones, al ver esta obra cargada de dramatismo, brutalidad y belleza combinada, donde la madre es ungida por la caricia del otro, aquel que más la adora, entregándole con ello su deidad, provocándome reacciones ante el amor, la muerte y porqué no, dudas en la fe.

Las distintas interpretaciones que hace Marina de la Piedad invertida, están realizadas con resina de poliester policromada, con unas medidas de 152 x 138 x 96 cm. O sea son de tamaño natural. Todas representan la escena de la Piedad vaticana de Miguel Angel con la salvedad que las de Marina, la muerta es la Virgen, que está sostenida por Jesús. La escena es acojonante, aunque cuando nos fijemos en el rostro de la virgen, comparándolo con la Piedad del vaticano, ya no parece una joven dolorosa, si no más bien una santa en éxtasis.

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Detalle de la cabeza de la vigen, donde podemos apreciar que ya no es el rostro de una virgen dolorosa, si no que se asemeja más a una santa en éxtasis, recordándonos a la Santa Teresa de Bernini.

Cómo véis su expresión es cercana al Extasis de Santa Teresa de Bernini, incluso con la caida del brazo, ¿abatida, extasiada? probablemente una magnífica expresión de dolor nacida de la mano de Javier (no olvidemos, que fue el autor de la pieza original para después hacer el molde). En cuanto a su cuerpo, no va tan recatada como suelen representarnos a la virgen, el cuello del vestido, nos deja adivinar un escote, y sus piernas, no son sólo insinuadas, sino que se dejan ver por debajo del vestido. En cambio la expresión del Cristo, es neutra, reflejando más bien pasividad, que no la pena esperada por la situación.

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Detalle del proceso de modelaje de la figura a cargo de Javier Castillo Zurita

Sin embargo de todas las versiones que nos ha realizado Marina, la que más me ha impactado es la realizada en enero del 2014 en la Galería Javier Lopez de Madrid, titulada: Marina Vargas; La muerte por las manos

La composición está formada por dos piedades invertidas, enfrentadas y cohesionadas en una performance sublime. Donde, La Piedad “Externa” de color blanco, sujeta el corazón sangrante de La Piedad “Interna” de color rojo, a la cual le falta el corazón. Es importante destacar el revestimiento de la escultura, que parece esgrafiada con hilos dorados que se entrelazan como finas ramas posándose sobre la figura. Según palabras de la artista son como venas (ella misma las llama “entrañas”), buscando de esta manera sacar fuera lo que escondemos, como un campo energético interior descrito con un entramado de líneas de luz.

Según palabras de Marina:

Mi primera intención al invertir los papeles de La Piedad de Miguel Ángel fue la de humanizar una imagen sagrada. Pues lo más natural es que a un hijo se le muera un padre. Pero también quería situarme en ese fino límite entre lo sagrado y lo profano, para reivindicar un regreso a lo femenino, desde lo primigenio. Y por supuesto para evidenciar el poder y el papel de la mujer en lo religioso. Son aspectos que aún están flotando en la sociedad en la que vivimos y que tienen que ver mucho con la política.

Un detalle de estas obras es que cada una de ellas, lleva en su interior según palabras de la autora, en las entrañas, algo dentro que es como una recarga extra simbólica… “La primera Piedad invertida, por ejemplo, lleva una caja con una inscripción en su exterior: QUE NADA NI NADIE ME CORTE LAS ALAS. Su interior contiene elementos y objetos que he guardado mucho tiempo conmigo y me han acompañado… De estos objetos no doy ninguna información porque es mi secreto… Es como un altar dentro de otro…”.

Explicaba Marina Vargas en una entrevista a Fer Francés (@FerFrances1) “La Piedad Invertida responde a invertir nuevamente los valores, humanizando la historia. Pues lo natural es que a un hijo se le muera un padre y no al revés. Se trata de una inversión de la pieza como ídolo y no como imagen (…) el tamaño debía ser a escala humana. Muerta la madre de Dios, muere la matriz, la energía creadora y no existe Dios. Al invertirse el concepto, se invierten los poderes. Y lo sagrado y lo profano prácticamente están ligados y al límite”.

Aqui os dejo un enlace a la web de Marina Vargas.

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Imagen de las dos obras enfrentadas en la galería Javier Lopez de Madrid

 

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Atte: Arsenal Le Comte

Dragón con papel Maché

Sencillamente magistral los resultados de Dan Reever (Seatle – USA) con el papel maché, sobran las palabras, aquí os dejo este video y su sitio web.

Saludos.

Atte: Arsenal Le Comte.

http://gourmetpapermache.com/

Magia en la escultura – Philip Jackson (Inverness, Escocia – 1944)

estatua de bronce

La astucia femenina bronce Height : 400 mm / 15.5″ Width : 430 mm / 17″ Depth : 180 mm / 7″

 

Rebosantes de delicadeza, sensibilidad desde cualquier ángulo que las observemos, haciendonos evocar que están salidas de un cuento de hadas.

los centinelas

Los centinelas – Bronce – Height : 364 cm / 143″ Width : 122 cm / 48″ Depth : 109 cm / 43″

 

Philip Jackson es uno de los más importantes escultores figurativos que actualmente trabaja en Gran Bretaña. El estilo de Jackson, en sus propias palabras, es diverso. Ha creado obras que, satisfaciendo sus propias visiones, son a la vez inquietantes y dramáticas. Las esculturas de Jackson que invitan a la reflexión e inspiración, han ganado muchos premios. Su obra combina un estilo poderosamente ejecutado con un talento que ha demostrado tener un gran atractivo.

escultura de bronce

The Doge – Bronce – Height : 630mm / 25″ Width : 387mm / 14.5″ Depth : 390mm/ 15.5″

 

Philip Jackson nació en Escocia durante la II Guerra Mundial y ahora vive y trabaja en West Sussex. Fue a la Escuela de Arte de Farnham. Después de dejar el colegio, era un fotógrafo de prensa durante un año y luego se unió a una compañía de diseño como escultor. El cincuenta por ciento de su tiempo lo emplea en encargos y el otro cincuenta por ciento en esculturas para su galería. Es bien conocido por sus piezas mayores al aire libre, como el joven Mozart en Chelsea y la escultura Jersey Liberación. Sus fuentes de inspiración han sido Epstein, Rodin, Henry Moore, Oscar Nemon y Kenneth Armitage. Pero la influencia más poderosa en su vida es su esposa Jean, que trabaja con él.

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http://www.philipjacksonsculptures.co.uk

Escultura basada en los estudios de Da Vinci sobre el “Ornitóptero”

Da Vinci

Estatua basada en la obra de Leonardo da Vinci. “Ornitóptero”. Artista desconocido. Actualmente expuesta en la Opera Laboratori Fiorentini, Florencia, Italia.

En nuestra sociedad, la copia está mal vista y va implícita una pérdida clara del valor de la pieza reproducida a partir de la original.

La copia en nuestro entorno sociocultural, demuestra que uno no tiene autosuficiencia, capacidad propia para crear o llegar a soluciones, además de ir en detrimento del respeto por el esfuerzo ajeno del que sí lo ha conseguido.

Mas en el contexto en el que lo hacen los que copiaron a Da Vinci,  lo enmarcamos en el contexto de la copia  para el aprendizaje y el beneficio común de nuestra especie, llegar a soluciones más eficientes y respetuosas con el medio ambiente en el cual vivimos. En definitiva, para aprender a hacer las cosas bien.

Durante toda su vida, da Vinci estaba fascinado por la idea de volar y pasó muchas horas diseñando una máquina voladora“.  Partió de los estudios realizados por Roger Bacon sobre 1250.  Asimismo Da Vinci estudió y copió el vuelo de las aves en su sueño de emularlas, estudió su estructura, la relación de las plumas y los huesos, el aleteo etc. Diseccionó muchos pájaros y comparó los huesos humanos con los de las aves, las costillas, las falanges etc. Más tarde con los materiales de los que disponía, trató de llegar a soluciones más o menos acertadas, como fue el “Ornitóptero”.  Y lo que no cabe duda que sus estudios fueron muy útiles para los que vinieron después. Un ornitóptero es un aerodino que obtiene el empuje necesario del movimiento batiente de sus alas de forma análoga a como lo hacen las aves y de ahí su nombre que en griego significa “pájaro” (ornos, ornitos) “con alas” (pteros).

En la exposición que se celebró en el año 2007 en el en el Museo Tecnológico de la Innovación, en San José, California. USA. Llamó poderosamente la atención esta estatua cuya autoría aún desconozco, (si alguien lo sabe agradecería que me lo dijese) basada en los estudios de da Vinci, que representa la transformación del hombre en ave, preparando la transformación de su brazo en ala, preparándose para emprender el vuelo. Actualmente se encuentra en la Opera Laboratori Fiorentini de Florencia en Italia.

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