La escultura funeraria, el arte de un adiós

Angel con su Game boy en Arsenal Le Comte Arts
Bellísima escultura de un cementerio de la zona de Madrid. Si alguien tiene más datos por favor me los pase y los añado. Posiblemente el autor sea del taller de Jesús Pizarro en la zona de Madrid, pues en su web se encuentra la imagen de este angel jugando con su Game boy.

El arte de un adiós

Arte funerario en cementerios, lugares tranquilos que nos transportan a otros sitios.

Al ir a un cementerio lo que más me ha hecho sentir en calma aparte de la paz que se respira en ellos, es ver  hermosos monumentos funerarios que destacan frente a sencillas lápidas nichos o estelas funerarias, personajes destacados de la sociedad del momento, políticos o bien personajes relacionados con el mundo del arte y la cultura que han permitido que éste adornara su última morada.

La escultura funeraria forma parte de las manifestaciones artísticas más antiguas de la humanidad. Es común en todas las épocas y en todas las sociedades sentir una gran fascinación incluso obsesión por el tema de la muerte, ya que procura realizar el mayor deseo de los hombres: permanecer eternamente presentes en la memoria de los vivos.

El arte funerario tenía una gran importancia, conociendo expresiones excepcionales desde las civilizaciones más antiguas (Egipto por ejemplo). Reflejando en cada una de estas expresiones, las creencias y las formas de ver la muerte de de cada una de las culturas en las que se desarrolló, todos los pueblos intentaban e intentan prepararse para la vida en el más allá y de algún modo permanecer en el mundo de los vivos como es en el caso de los cementerios, mediante exposiciones más o menos artísticas en sus enterramientos, llegando a su máxima expresión artística en Europa durante los siglos XV, XVI y XVII de las divinas manos de los grandes Miguel Angel, Bernini, Verrocchio, Borromini, Cortona y tantos otros grandes maestros.

Bernini en Arsenal Le Comte Arts
Gian Lorenzo Bernini.(Nápoles, 1598 – Roma, 1680). Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni. Mármol. 1671-1674. Capilla Altieri-Albertoni.
Iglesia de San Francisco a Ripa. Roma. Italia.

Esta representación artística, sufrió una marcada decadencia en el siglo XVIII. “Según mi punto de vista, después de los últimos monumentos funerarios de Bernini, poco hubo que valiera la pena en este arte hasta el siglo XIX“.

El historiador de arte Erwin Panofsky (Hannover, Alemania. 1892 – 1968) dijo poco antes de morir durante una de sus conferencias, que quien quisiera escribir la historia del arte de los siglos XVIII, XIX y XX, no podría encontrar su inspiración en los cementerios e iglesias. Con esto, quería recalcar su opinión de que el arte funerario, había alcanzado su máxima expresión y protagonismo en el Renacimiento, para luego ir cayendo en una nefasta conbinación de (pomposidad, sentimentalismo y arcaismo) lo cual hizo que perdiera el lugar destacado que tenía dentro de las bellas artes.

Ya bien entrado el siglo XIX esta tradición artístico cultural esperimenta un nuevo impulso al haber un profundo cambio en las prácticas funerarias occidentales (A grosso modo consistió en la emergencia de un llamemosle entre comillas “nuevo culto a los muertos” propiciado por la creación de cementerios a extramuros de las ciudades a los que se comenzó a visitar asiduamente)

Estos cementerios decimonónicos europeos y su radio de influencia como es América Latina, se llenaron de arquitecturas adornadas, bajo relieves y esculturas, hasta ya entrado el siglo XX.

Se suscitó un interés muy fuerte en las clases pudientes de la época que hizo que gran parte de la producción escultórica fuera destinada a los cementerios, sobre todo al llamemosle mercado americano, exportando una gran cantidad de figuras de mármol con destino a los cementerios del otro lado del Atlántico.

Barrio la recoleta en Arsenal Le Comte Arts
Escultura en el cementerio del barrio de La Recoleta en Buenos Aires Argentina.

Los gustos, la percepción de lo que es bello y qué no lo es, cambian con los tiempos, de pueblo en pueblo, de cultura a cultura, delimitando estos objetos artisticos la función y el rol social, las creencias y valores dentro de una cultura, en la que cobran un valor adicional como testimonios del paso de esa cultura que los creó e hizo posibles.
Bajo esta perspectiva el arte funerario y en especial el de los cementerios históricos adquieren una relevancia particular, permitiendo que nos asomemos a la vida de hombres y mujeres a los que se les rinde homenaje, a los que los construyeron, conocer sus costumbres, crencias,  junto con los valores de esa sociedad, se reconstruyen los momentos históricos en los que aparecieron, (por ejemplo la Dama de Elche y tantas otras obras de arte encontradasa en tumbas que nos permiten conocer mejor esa época histórica). Haciendo que estudiemos su iconografía, el espacio ocupado en el cementerio, la datación de su época, los materiales de los que están hechos y se utilizaban en ese periodo histórico, a través de su estructura y composición.

El angel de Sel en Arsenal Le Comte Arts
Francisco Cossío y Molina – Angel de bronce en el panteón de la familia Sel realizada en 1909,  se encuentra en el cementerio de La Ballena en Castro Urdiales, Cantabria España. Para saber más clic AQUÏ

Por ello pienso que los cementerios históricos, aunque no se hayan diseñado para ese fin son museos al aire libre, archivos históricos de la cultura material, lugares idóneos para el estudio de cambios culturales ya que nos dan esa información para su estudio las fechas de las lápidas, no siendo sólo sitios usados para enterramientos.
Con los cementerios decimonónicos se inaugura un cambio, una fase concreta de las prácticas funerarias nuestras, las occidentales que reflejan una preocupación por hacer de la muerte algo bello, digno, solemne y exquisito. El embellecimiento de los cementerios, el intento de procurar una “muerte poéticamente bella” a través de la escultura funeraria, permiten que encontremos un principio estético, no de lo que es o no es arte, sino como un hecho cultural, social, con un fin intencionado y con su respectiva consecuencia en la manera de pensar de la persona a la que va dedicada y el estudio de su autor.

El beso de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Joan Font Bernat – El beso de la muerte. Tumba del hijo de la familia Llaudet en Poble Nou Barcelona.
Un esqueleto alado, la muerte, en una actitud casi erótica besa la sien de un joven que se desploma. En torno al año 1930 la familia Llaudet perdió un hijo en plena juventud y quiso hacer una escultura para su tumba que representase los siguientes versos de jacinto verdaguer
“Más su joven corazón no puede más; en sus venas la sangre se detiene y se hiela y el ánimo perdido con la fe se abraza sintiéndose caer al beso de la muerte“
El encargo se hizo al taller familiar de esculturas de mármol de Jaume Barba, a quien desde siempre se le ha adjudicado la creación de la esta bella escultura, referencia en muchas exposiciones de arte funerario. Pero la obra maestra de dicho obrador (que contaba en los años 20 del siglo pasado con dos talleres, uno en Sant Gervasi y otro en Poblenou, cerca del cementerio, donde se hizo esta escultura) fue concebida por Joan Fontbernat, yerno del dueño y considerado el escultor más cualificado del taller, salvo la parte trasera de las costillas, de un realismo impactante, que fue esculpida por Artemi Barba, pariente también de Jaume.
La obra representa la muerte con alas (y no con el atributo de la guadaña como es tradicional) e intenta captar el momento en que el aliento abandona el cuerpo y la persona pasar a manos de la Muerte, que lo acoge con fuerza, casi cómo una enamorada.

 

En la actualidad, la banalización de la muerte, los recursos de las familias,  está llevando a nuestros cementerios a convertirse en auténticas colmenas, en las que ya no hay lugar para este tipo de escultura. El concepto de aprovechamiento del suelo ha llegado ya a estos lugares, lo que lleva a reducir al máximo el espacio, optando por una planificación impersonal, repetitiva y carente de imaginación, que se traduce en largas hileras de bóvedas y tumbas que aquí llamamos nichos.

Pero en estos cementerios siempre hay algunos sitios que se respetan por el valor artístico, historico y cultural que tienen. Muchos de ellos son declarados BIC “bien de interés cultural”,  e incluso se hacen visitas guiadas con el cada vez más en auge del sector del Necroturismo.

En este sector quiero destacar el cementerio monumental e histórico de Granada,  que este año ha sido seleccionado finalista en el II Concurso de Cementerios de España, en las categorías de monumento, escultura, historia documentada y actuación medioambiental. Y en especial a su guía Vanessa Jurado, pues gracias a ella tuve razón de las actividades que se llevan en ese lugar tan mágico como es el cementerio de Granada. Donde se realiza una visita guiada nocturna teatralizada que en cuanto pueda tengo que ir a ver. Si queréis más información clic AQUÍ y AQUÍ.

Cementerio de Granada en Arsenal Le Comte Arts
Momento de una representación nocturna en el cementerio de granada

Como curiosidad, el necroturismo, que así se denomina esta nueva corriente, da pie a numerosas anécdotas y momentos como por ejemplo ver a mujeres besar-tocar-frotar la tumba de Victor Noir en el monumental cementerio de Père Lachaise en París. Victor era un periodista del diario La Marseillaise, que murió a manos de Pierre Bonaparte tras una acalorada discusión por la defensa del honor del tío de Pierre, Napoleón Bonaparte. La estatua que cubre su tumba le muestra tumbado boca arriba, tal y como debió quedar tras el disparo. Al parecer, sobresalía de su entrepierna un bulto debido al tamaño de sus atributos, algo que ocasionó el rumor que decía que si una mujer lo tocaba aumentaba su fertilidad. De esta manera, la estatua, que durante un tiempo cercaron para evitar escenas subidas de tono, luce un brillo dorado en la boca y en la entrepierna debido a los roces y tocamientos a los que es sometida.

Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts
En el cementerio parisino de Père Lachaise se halla esta tumba, la de Victor Noir, periodista francés asesinado en 1870 por el primo hermano de Napoleón III .
La escultura muestra la forma exacta en la que quedó el periodista tras ser asesinado.
La tumba y la estatua que la cubre, es célebre por su generosa entrepierna y es visitada por cientos de mujeres,que subidas sobre la escultura y frotándose sobre la parte más llamativa, piden quedarse embarazadas, ya que se le atribuye el don de la fertilidad.

Algunos cementerios como este monumental Père Lachaise de París, están tan introducidos en la sociedad que para los habitantes de París es como si fuera un parque, donde familias enteras salen a pasear por él, siendo introducido en las visitas de los Tour Operators en sus excursiones principales a la ciudad de París, recibiendo más de dos millones de visitas anuales

Chopin, Pere Lachaisse en Arsenal Le Comte Arts.
Tumba de Chopin en el cementerio Père Lachaise de París

Y acabo esta entrada con la escultura de un gran escultor como es Josep Llimona i Bruguera (Barcelona 1864 – 1934) que siempre me ha fascinado, (Espero visitarlo algún día).

Se trata del Angel exterminador. Es una escultura de piedra de estilo Modernista, realizada en 1895, se levanta sobre los restos de un antiguo cementerio que a su vez está construido sobre los restos de una iglesia gótica en el municipio de Comillas en Cantabria. Por cierto os dejo esta curiosa historia del cementerio AQUÍ.

Angel. de la muerte en Arsenal Le Comte Arts
Josep Llimona i Bruguera (Barcelona. 1864 – 1934) – Angel exterminador 1895. Cementerio de Comillas. Cantabria.

Nos leemos en la próxima entrada.

Atte: Arsenal Le Comte

Arsenal Le Comte Arts

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Nicolás Obery – El universo oscuro

Alegoría de Nicolás Obery a Gustave Courbet en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Courbet desesperado. Arte digital y Scratch – Board.

Nicolás Obery

Sumergido en su Fantasmagorik

Bienvenidos a un universo oscuro, a medio camino entre espectros misteriosos de humo y scratch-boards para adultos, nacidos de la mente creativa del prolífico artista digital parisino Nicolas Obery.

En la cumbre de su carrera como director artístico, (Trabaja para: Adidas, Nespresso, Biotherm, Nuxe, Martell, Mumm, Casio… Y muchas más). Se propuso crear una colección de obras de arte a caballo entre lo real y la fantasía, emergiendo una creación fascinante a la que llama Fantasmagorik.

Alegoría de Dalí y Da Vinci de Obery en Arsenal Le Comte Arts
Nicolás Obery (Francia) – Memento Monna. “Detalle” Surrealista recreación de la Gioconda de Da Vinci con el rostro de Dalí en un Memento Mori. Medios Digitales, scratch-board monocromo.

Fantasmagorik

Este sueño, es una serie de retratos numéricos monocromo, empleando en muchos de ellos aparte de medios digitales, técnicas de scratchboard. Cada retrato está compuesto por muchas digamos, “esculturas digitales” más pequeñas, que va uniendo y montando como un puzzle hasta conseguir estas impresionantes obras de marcadas tendencias Steampunk, siendo el objetivo principal de Nicolás el recrear un universo paralelo en el mundo surrealista, reinterpretando  y reproduciendo elementos y personajes míticos.

Alegoría de Obery de Marilyn en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Monroe, Scratch-board y medios digitales

Photoshop es su caja de herramientas principal, con la cual Nicolás dibuja y esculpe diversos e intrincados pequeños objetos para crear una biblioteca de imágenes (pelo, flores, tubos, ojos, bocas, animales, insectos, …) los cuales añade a trozos de imágenes y como ya dije antes en algunas utiliza el Scratch-board, para crear las obras finales. Usando un juego contínuo de contrastes (sobre todo entre blancos y negros), enfatizando la figura sobre fondos completamente oscuros. Estoy seguro que detrás de cada una de sus obras deben de haber un montón de horas de trabajo, Superman, Batman, Marilyn, Lady Gaga, Hellboy, los muñequitos de Lego y muchos más, son sólo unas de las caras conocidas que nacen de nuevo después de pasar por la imaginación sin freno de Nicolás. ¿Cuales son las fuentes de inspiración de Nicolás? La lista es larga e incluye a Salvador Dalí, Arcimboldo, Da Vinci, Magritte, Philippe Pasqua, Oleg Dou, Smirkmasks, Kris Kuksi, entre otros sin distinguir de épocas ni de estilos.

Hellboy en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Hellboy. Scratch-board y medios digitales

Fantasmagorik es una serie de más de doscientas pinturas digitales. Mezclando ingeniosamente referencias a la cultura pop e iconos como (Marilyn Monroe, Madonna, etc) y homenajes a artistas surrealistas como Salvador Dalí, Magritte e incluso renacentistas como Arcimboldo o Da Vinci, (su Memento Monna es fascinante). Nicolas compone retratos intrincados, sus composiciones complejas recuerdan la obra de Kris Kuksi, que cita como fuente de inspiración. Sus rostros pálidos extravagantes también muestran los guiños a la religión, el Steampunk y el día de los muertos en Méjico. (Sus Catrinas son bellísimas).  Un verdadero placer para los ojos y la mente que conduce al espectador a un mundo de fantasía, sensualidad y humor.

Catrina, Scratch board en Arsenal Le Comte Arts

Nicolás Obery (Francia) – Catrina. Scratch-board y medios digitales

A continuación os dejo una galería con algunas de sus obras. Haced Clic en ellas para ampliar las imágenes.

Si queréis saber más sobre su vida y obra, en su web, haced clic AQUÍ, Su site en Béhance, AQUÍ y su pagina de Facebook AQUÍ.

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Nos léemos en la próxima entrada. Saludos

 Arsenal Le Comte

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Virgen o Madonna del Magnificat – Sandro Botticelli.

Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Uffizi, Florencia. Italia.
Aquí se aprecia la fina obra de orfebreria realizada con hilo de oro, sobre la cabeza de la virgen y la corona.

Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510)

Virgen del Magnificat o Madonna del Magnificat

Es una de las grandes obras del maestro renacentista del Quattrocento italiano. La obra es lo que se llama un TONDO o cuadro circular, teniendo 118 cm de diámetro, por lo cual las figuras representadas en la obra son casi de tamaño natural. Está realizada al temple con hilo de oro sobre panel de madera o tabla.

En la actualidad se encuentra en la galería de los Uffizi de Florencia en Italia.

Tondo de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, 1481. Tondo al temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia.

La obra muestra unos contornos bien definidos con presencia de bastantes curvas debido a su composición circular. Destaca la luz producida por los colores, que son una preciosa mezcla de cálidos y frios, predominando los rojos y los azules, los cuales crean un juego destacado de luces dando una sensación más cercana y recogida, al combinarlos con la luz procedente del exterior que nos da una sensación más mundana y alejada, prestando gran atención  a los detalles, siendo un fina labor de orfebrería, como puede verse en la corona, el velo ondeando o las orlas de los mantos, realizados con finos hilos de  oro.

Detalle de uno de los angeles
Sandro Botticelli (Florencia, Italia.. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Aquí apreciamos el fino trabajo de orfebreria realizado con hilo de oro sobre la cabeza de los ángeles.

Botticelli creo esta obra sobre 1480, siendo uno de los cuadros  más famosos de su época, ya que fue motivo de muchas réplicas, de las cuales han llegado hasta nuestros días, cinco de ellas.

La obra fue cubierta con abundante pintura, hilos y pan de oro. Contiene como ya dije antes figuras de tamaño casi natural, siendo la virgen coronada por dos ángeles sin alas cómo reina de los cielos. La corona es un delicado trabajo de orfebreria con pintura e hilo de oro como bien podéis apreciar en la imagen con la que abro esta entrada, que consiste en multitud de estrellas, siendo una alusión a la “Stella Matutina” (Estrella de la mañana), uno de los himnos de la época dedicados a María.

Destaca la proporción de las figuras, haciendo que aquellas de mayor importancia devocional como son la virgen y el niño sean de mayor tamaño que las demas, creando en tan poco espacio una solución tan compleja delante de la ventana de piedra, que podemos mirar por ella hacia fuera, entre María y los ángeles de la izquierda, dejándonos ver un amplio panorama trazado con las reglas de la perspectiva atmosférica, influenciado por los grandes maestros flamencos de la época.

Detalle de los angeles de la izq. de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Sandro Botticelli (Florencia, Italia. “Detalle”. 1445 – 1510) – Madonna del Magnificat, “Detalle”. 1481. Temple con hilos de oro sobre tabla. Galeria de los Ufizzi, Florencia. Italia. Detalle de los tres ángeles de la izquierda de la obra.

En esta obra crea un dinamismo espectacular, los tres angeles de la izquierda se mueven hacia la madre y el niño. El de la parte delantera está arrodillado, sosteniendo un libro abierto y un tintero. La virgen es animada por el niño Jesús para que moje la pluma y escriba las últimas palabras del “Magnificat” (De ahí le viene el nombre a la obra), que comienza en la página de la derecha con la gran “M” inicial, dándole esa acción un movimiento fluido a la obra. A continuación os dejo un detalle para que lo aprecieis.

Detalle de las manos de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de las manos de la virgen y el niño animándola a escribir el Magnificat

Tenemos otro detalle simbolista excepcional, debajo de la obra apreciamos como la madre y el niño sostienen ambos una granada, con toda la carga simbólica que ello conlleva. Ambos celebran ese símbolo de la pasión, símbolo también de la resurrección, sumándose al estado de ánimo básico con el que desea Botticelli introducirnos, de melancolía y meditación con la pintura, haciendo que la virgen nos anticipe la pasión por la que pasará su hijo, concentrada en escribir, dejando entrever el lugar importante que ella ocupa.

Detalle de la granada en las manos de la virgen y el niño en Arsenal Le Comte Arts
Detalle de la granada sostenida por la virgen y el niño, símbolo de pasión y de la resurrección. (Disculpar pues al agrandar la imagen se pixeló algo, pero se aprecia aún bien el detalle de la fruta)

En el fondo de la imagen se nos abre un paisaje, donde permite tener al observador una visión del paisaje exterior. Estos paisajes presentes en algunas de sus obras, nos apuntan a las influencias que en Botticelli ejercieron los grandes maestros flamencos de la época, como fueron Jan van Eyck, Rogier van der Weyden y Hubert van der Goes.

Las relaciones comerciales entre Italia y los paises bajos, habían sido muy intensas desde el siglo XV. Haciendo que muchos mercaderes y banqueros florentinos, viajasen hacia el norte. Entre los recuerdos que estas personas se traian de sus viajes, eran pinturas que revelaban otras concepciones e ideales artísticos. Los pintores italianos, particularmente admiraban la ejecución detallada de los motivos pictóricos individuales, la confección realista de las figuras en las imágenes, y el efecto de la atmósfera de los paisajes, tomando prestadas algunas ideas de sus colegas del norte de los Alpes y adaptándolas a su forma de pintar.

Detalle del ange de la derecha de la Madonna del Magnificat de Botticelli en Arsenal Le Comte Arts
Detalle del rostro del angel de la derecha, posiblemente sea Lorenzo el mágnifico

Esta obra fue la más cara y costosa que Botticelli creo en toda su vida, por lo que nos hace adivinar que el empleo liberal del oro en la obra, sin restricciones, habría sido por deseo expreso de la persona que encargó el trabajo. Se dice, que están idealizados los retratos de los hijos de los Medici. La cabeza de la figura detrás de la Virgen es el retrato de Lorenzo el Magnífico en su juventud. Glorificando su nombre con el Magnificat que la virgen escribe.

El Magnificat que escribe la virgen es el siguiente, (Os lo pongo traducido del Latín):

Mi alma glorifica al Señor,
Y mi espíritu se regocija en Dios mi Salvador.
Porque ha mirado la humillación de su esclava,
Porque he aquí, ahora todas las generaciones
me llamarán bienaventurada.
Porque el Poderoso ha hecho obras grandes por mí,
y santo es su nombre.
Y su misericordia es de los que le temen
de generación en generación.
Él hace proezas con su brazo.
Él dispersa a los soberbios
en el pensamiento de sus corazones.
Quitó los poderosos de sus tronos
y exaltó a los humildes.
Ha llenado el hambre con las cosas buenas;
ya los ricos los despide vacíos.
Él ha ayudado a Israel su siervo,
acordándose de la misericordia;
Como habló a nuestros padres,
a Abraham y a su descendencia para siempre.

Gloria al Padre y al Hijo y al Espíritu Santo.
Como era en el principio, ahora y siempre será,
un mundo sin fin.
Amén

Saludos y hasta la próxima entrada.

Arsenal Le Comte Arts

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