La flor de la juventud – Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

La Flor de la juventud

Ladislao von Czachorski. (Polonia. 1850 – 1911)

La Flor de la Juventud es un título apropiado para esta bella obra. Una muchacha en la plenitud de la juventud, rodeada de flores en un lujoso interior, arranca delicadamente una flor de un jarrón de bronce. Este trabajo muestra la altura de las habilidades del artista en la que representa temas de género.

Detalle de La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

El rubor de color de rosa de sus mejillas, los tonos de color rosa de su vestido del siglo XVIII que meticulosamente muestran el reflejo de las flores que se extienden de un florero de bronce, sobre una mesa de mármol, con la acción de recoger flores como para hacer un ramo.

Detalle del jarrón de bronce de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Resaltan en las pinceladas la Belleza y la inocencia de la joven que se ponen en camino para deslumbrar en el espléndido y ecléctico ambiente, denotando un gusto sofisticado a la vez de un gran status social de la bella joven.

Detalle de las flores de  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Ladislao von Czachorski

Ladislao nace en Grabowczyk un pueblecito de Lublin, Polonia, el 22 de Septiembre de 1850. Fue un pintor académico polaco.

Entre 1866 y 1867 estudia en la clase de carácteres de Rafał Hadziewicz en Varsovia. En 1868 se le encuentra en Dresden, de 1869 a 1873 está en Munich. De 1874 a 1877 viaja a Italia y a Francia, estableciéndose en Munich en 1879. Donde pronto se le reconoció como retratista de la burguesía adinerada de Munich, levantando envidias entres sus compañeros de profesión. Fue un representante de la pintura tardía del siglo XIX de la Escuela piloto de Munich – (Münchner Piloty-Schule). Recibiendo una cátedra honoraria de la Escuela de Bellas Artes de Munich. En 1893 fue galardonado con la Orden Vom Heilingen Michael.

Detalle del busto de la obra  La flor de la juventud - Artista polaco formado en Alemania: Ladislaus von Czachorski
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) – La flor de la juventud. 1898. “Detalle”. Óleo sobre panel de madera. 30 x 41cm. Colección particular.

Pintó escenas de género, sobre todo retratos y naturalezas muertas, así como imágenes de las obras de Shakespeare, imitando el estilo de Gerard ter Borch. No mostrando en sus obras, influencias de las tendencias contemporáneas, sus obras están marcadas por un realismo y por  una precisión fotográfica. En su carrera repitió algunas obras que tuvieron éxito como esta que nos ocupa, con cambios menores,  de la cual os dejo otra obra que realizó sobre la década de 1880 a 1890, tocando el mismo tema.  Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Varsovia en Polonia.

Los críticos de arte debido a lo que os comenté antes que era el retratista de moda de la gente adinerada levantando por ello muchas envidias, lo acusaron de la banalidad de sus obras. Cosa que viendo estas dos obras que os dejo, el argumento cae por su propio peso.

Espero os gusten

Retrato de muchacha con vestido lila con flores
Ladislaus von Czachorski. (Polonia. 1850 -1 911) -Muchacha con vestido lila 1880 – 1890. Óleo sobre lienzo. 55 × 78 cm. Museo Nacional de Varsovia. Polonia.

Atte: Arsenal Le Comte Arts

Imagen grande del blog

Si te gusta lo que has visto y leido, suscríbete en el enlace que te dejo aquí debajo mismo, tendrás un bonito detalle

http://eepurl.com/bluh5n

 

 

Patricia Martinez Heredia – La expresión de Patricia

 

Patricia López Heredia - Vespa, Óleo sobre lienzo.

Patricia López Heredia – Óleo sobre lienzo. Haciendo clic en la imagen os lleva a su blog.

La Expresión de Patricia

El blog de Patricia Lopez Heredia

Esta es una entrada atípica, ya que es gratificante estar buceando en la red, en blogs, en busquedas de Google, en redes sociales y que te des de bruces con algo que os llama tanto la atención sin buscarlo, o sea que se os aparezca delante y os deje un rato mirándolo y os den ganas de saber más de ello.

Esto me pasó a mi con esta artista contemporánea que recién comienza a crear cosas serias en el mundo del arte.

Os cuento. Estaba buscando información sobre el “FIMO” ¿Que que es el fimo? Bueno en realidad Fimo es una marca, lo que pasa que a asumido el nombre del producto a nivel popular como por ejemplo, una carretilla elevadora a nivel popular es una “Fenwick” o una “Casera” es una gaseosa y todo el mundo lo entiende. El fimo es arcilla polimérica o arcilla de polímero, usada por muchos artistas, la mayoría para hacer esculturas, es como una plastilina moldeable que se endurece al calentarla en un horno.

Cómo os decía estaba buscando información y me apareció una entrada del blog de Patricia en la cual habla sobre el tema Aqui.

Me puse a hojearlo y poco a poco vi sus creaciones tanto a nivel de manualidades como de trabajar con lanas y otros productos como sus obras en bisutería.

Eso me llevó a descubrir sus inquietudes y gustos como es la lectura, en la cual coincido con ella en algunas obras de las que ha seleccionado en su blog.

También toma fotos, algunas de verdad son una maravilla, pero lo que más me gustó es descubrir su faceta como pintora. Pues se le nota algo especial en su manera de pintar que te lleva a mirar y remirar los detalles de sus obras. Mi opinión es que a poco que se cultive y coja soltura, será uno de los referentes en el panorama contemporáneo nacional. Por lo pronto sus obras más trabajadas me gustan, ya sea un óleo o una teja pintada o bien un trozo de madera, tiene una serie de obras infantiles que hacen la delicia de cualquier crio.

Como una imagen vale mas que mil palabras aquí os dejo un par de obras de Patricia. El resto lo podéis ver en su blog AQUÍ

Saludos. Atte: Arsenal Le Comte

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

Patricia Martínez Heredia.- Díptico representando la noche y el día. Óleo sobre lienzo.

El arte de: Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

Patricia Martínez Heredia.- Teja con flor, aquí esa flor se llama Cala, creo que es Óleo lo que ha utilizado sobre la arcilla de la teja

 

Arsenal Le Comte Arts

Imagen grande del blog

Si te gusta lo que ves, suscríbete aquí:

http://eepurl.com/bluh5n

Sabina Nore – En busqueda de la inmortalidad “Inmortal quest” – Simbolismo

simbolismo, realismo, surrealismo, mitología, pinturas, arte, arts, art, atenea, palas atenea, athenea, palas athenea,

Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Sabina Nore

Pequeña biografia:

 

Sabina Nore nace en Belgrado, Serbia el 22 de Junio de 1974, pronto marcha a Viena, Austria, donde actualmente reside y trabaja.

De niña pasaba tiempo  visitando el taller de su tía, seducida por los aromas y la atmósfera mágica que de allí emanaba, cazando tesoros con el corazón, establecieron la base para su desarrollo artístico. Fascinada  con la diversidad de las culturas y de las personas, se enamoraba especialmente de todo lo que parecía diferente o exótico, ya fueran baratijas de paises lejanos, costumbres de tierras lejanas, buscando nuevas formas de acercarse a los viejos hábitos. Llevándole esta curiosidad convertida en pasión a interesarse por la psicología.

Va a clases de danza, no le acaba de gustar y cambia por el Hockey sobre hielo, en ambas sobresalió. Habla fluidamente tres idiomas: Alemán, Inglés y Serbio, su lengua natal. A los doce años estudia música en el conservatorio de Viena, Austria, uniéndose a las clases del Profesor Inge Scholl-Kremmel de guitarra clásica, extendiendo su talento y conocimiento, pero el foco de sus gustos y pasiones más firmes se mantuvo en las artes visuales, la psicología y la escritura. Llevándola pese a ser una gran figura musical, a dejar el conservatorio y centrarse en la pintura, estudiando bellas artes y psicología.

A la edad de 26 años se convierte en co-fundadora de una empresa internacional de diseño y desarrollo web, centrando su talento en las artes bajo modelos comerciales, aprendiendo el dificil arte de la codificación.

Su arte es tan versatil como su personalidad, pudiéndolo enfocarlo en varias tendencias, ya sea surrealista, fantástico o visionario, poético y otros, pero todo, absolutamente todo, impregnado con un gran carga de simbolismo, como la que lleva esta pintura impactante que he elegido de su amplia obra, la cual paso a analizar, eso si, siempre es un análisis bajo mi punto de vista, es la impresión que a mi me causa después de contemplarla largo y tendido. Si queréis saber más de la obra de esta artista, pinchad aquí y aquí.

simbolismo, realismo, surrealismo, mitología, pinturas, arte, arts, art, atenea, palas atenea, athenea, palas athenea, detalle

Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

Análisis

Mis impresiones de la obra:

Me impactó a primera vista esta obra, recordándome esta mujer guerrera a Palas Atenea. Detrás de la mujer guerrera vemos el planeta Venus en la cima de su trayectoría con una gran carga simbólica  ya que lo plasma la autora con un círculo, representando lo absoluto, la perfección, uniéndolo a la vestimenta guerrera de la mujer, símbolo de una dominación femenina que abarca toda la obra.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La artista junto a la obra, observemos la gran calidad en el autorretrato.

La escena representada como una mujer herida, sentada en un campo de batalla, sin disminuir para nada su dignidad por el hecho de estar herida, irradia un gran magnetismo, más allá de sus rasgos físicos ocultos por el yelmo, no causando indiferencia. Tiene flores en la mano, siendo otro símbolo de feminidad al igual que Venus. Podría parecer un símbolo de paz (pacifismo hippie representado con flores), pero no lo es, ya que la mujer lleva el casco en la cabeza,  sin duda la obra no lleva ningún mensaje de paz, sino que se afirma en el dominio de lo femenino en toda la pintura. Los colores para nada son cálidos, en su mayoria son frios, predominando los azules, símbolo del poder por su relación con el espacio, y el cielo, de  altura y profundidad por su relación con el cielo y el mar. Símbolo de poder para los egipcios, sus reyes se vestían con aderezos de color azul, significando para los simbolistas, lo intangible, lo etereo, la entereza y el cumplimiento de la palabra dada.

simbolismo, realismo, surrealismo, mitología, pinturas, arte, arts, art, atenea, palas atenea, athenea, palas athenea, detalle

Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

El cabello revuelto muestra la energía y la fuerza de la mujer junto con su gran capacidad de amar al ser de color negro. Adentrándonos en la carga sensual de la obra pues como vemos, está rodeada de flechas ardientes, símbolo masculino por excelencia. Su gemelo es traspasado por una flecha, haciendo manar un torrente de sangre. Pierna; zona erógena femenina, flecha; símbolo masculino, herida manando, flechas ardientes alrededor, todo se une para mostrarnos un símbolo de penetración puro con alta carga sexual, dominado por Venus en el amanecer, con la luz de la transición de la noche al día, un ensueño, un retrato onírico en azul que, “vuelvo a repetir, bajo mi punto de vista”  la artista quizás nos esté representando un momento de éxtasis, después de un acto sexual.

simbolismo, realismo, surrealismo, mitología, pinturas, arte, arts, art, atenea, palas atenea, athenea, palas athenea, detalle

Sabina Nore (Belgrado. Serbia. 1974) – Busqueda de la inmortalidad. “Inmortal quest” Detalle. Óleo sobre lienzo. 180 x 120 cm. Modelo: La misma Sabina Nore.

¿Podría ser la pérdida de la virginidad?

Los símbolos así me lo dicen:

Venus = Virgo.

Flechas = Símbolo masculino.

Flechas encendidas = Ardor masculino.

Flores = Símbolo femenino: (Blancas = Virginidad; – Rosas = Poesía, romanticismo; – Rojas = Pasión).

Herida = Penetración.

Sangre = Desfloramiento, pérdida de la virginidad.

Sangre en la punta de la lanza = Eyaculación.

Como he comentado varias veces esto es todo bajo mi punto de vista después de contemplar la obra durante un rato, admirando cada detalle de ella, me gustaría que me escribieseis abajo, en los comentarios, vuestros puntos de vista junto con vuestras sensaciones y así conversamos un rato sobre arte.

Hasta la próxima.

Atte: Arsenal Le Comte

Imagen grande del blog

 

 

Magacine La Esfera – Ilustración de Manuel bujados y versos de Emilio Carrere “La Duquesita”

la esfera, magacine, revista, arte, arts, ilustracion, poemas, versos, art deco, art nouveau, ilustracion

Manuel Bujados (España. 1889 – 1954) – Serie: Las mujeres de Rubén Dario. “El Hada Madrina” 1915. Magacine La Esfera, Octubre 1915. Dibujo que acompañaba a los versos de Emilio Carrere Moreno (Madrid, 1881 – 1947) “La Duquesita”

Mila, la duquesita,

dulcemente recita

una rima de oro.

¿De quién es esa voz

que se diría

que es una melodía?

-Es la voz que yo adoro.

______

¿Y la suave y monjil

manita de marfil

que en el clave sonoro

ritma una melancólica balada?

 

-Esa es la perfumada

manita que yo adoro.

______

-Esa cabellera rubia

que cae como áurea lluvia,

¿quién tiene ese tesoro?

Qué hada madrina

dióle esos hechizos?

-Son los clorados rizos

de la mujer que adoro.

______

.Esa dulce amada mía

es una melodía,

 

 es un lirio, una estrella

Consultando a la sabia margarita,

la linda duquesita suspira:

¿Quién es ella?

-Sabe el secreto, Mila,

la blanca flor sibila

que tu blancor trasunta.

¿Quién es ella?,

-me Ha dicho lá mimosa

muñeca de oro y rosa…

¡Y ella me lo pregunta!

Emilio Carrere


La Esfera:

El magacine La Esfera, fue una publicación de arte lujosa financiada por Prensa Gráfica Española, también está detrás de Nuevo Mundo. Funcionó desde desde 1914 hasta el inicio de la Segunda República Española en 1931. Hemeroteca Digital ha digitalizado 867 temas. Consiguío reunir a lo más selecto del arte de aquella época como fueron los dos artistas que os he traido en esta entrada, cada uno con un estilo diferente, un escritor y un pintor.

Emilio Carrere Moreno:

Emilio Carrere Moreno (Madrid, España. 1881 – 1947) – fue un poeta, periodista y narrador español, perteneciente a la corriente poética del decadentismo modernista.

Emilio Carrere, alcanzó la popularidad en las primeras décadas de siglo XX como el cantor de la bohemia madrileña. Sus poesías y sus numerosos relatos difundieron con delectación el inframundo de los marginados y hampones en poemas como “La musa del arroyo” que fue memorizada por varias generaciones de madrileños. Su afición por el teatro, sin embargo, es uno de los aspectos menos estudiados de su pintoresca figura.

Carrere nació en Madrid el 18 de diciembre de 1881 de Eloísa Carrere Moreno, madre soltera de 29 años, y Senén Canido Pardo. El padre del futuro escritor llegará a ser diputado a cortes, magistrado del Tribunal Supremo y Presidente del Tribunal de Cuentas. Don Senén, sin embargo, no hará acto de presencia en la vida de Emilio más que de manera intermitente.

Tras la vocación primeriza por la pintura Carrere ya se interesó por el teatro. Para satisfacer su vocación se inscribió en las clases de declamación de Don Juan Casañer en el Centro Instructivo del Obrero fundado por Alberto Aguilera, sociedad de enseñanza popular, donde se impartían enseñanzas para las clases menesterosas.

En esos años juveniles, el poeta se sintió deslumbrado por el mundo de la farándula y él mismo evocó, a menudo, su experiencia de juventud como cómico de la legua:

“Me gustaba la vida de la farándula, de inquietud y aventura, que armonizaba con mi rebeldía espiritual. Cuando apenas tenía bozo, entré en una compañía de melodramas domingueros que dirigía D. Juan Casañer, un viejo actor de la época romántica…Algunas veces hicimos obras de Zorrilla y del Duque de Rivas, y declamando los versos de Don Álvaro en el escenario o por las calles y jardines, a la luz de la luna, comencé a sentir la emoción de la poesía…Don Álvaro o la fuerza del sino es la obra que más me gusta de esa escuela. Además, me recuerda la adolescencia, cuando yo era un niño muy triste y muy pobre -¡siempre la Miseria, desde las primeras horas de mi vida!- tenía entonces una novia que se burlaba de mi traje deslucido, y a la que nunca besé en los labios…A fuerza de dolor comencé a ser poeta…Recuerdo que mis primeros versos los escribí para recitarlos en público. Estaba la compañía de Casañer en Barbieri. Me repartieron un papel de Rey mago en El nacimiento del Mesías. La obra era detestable; yo tenía que decir dos quintillas realmente repugnantes…Yo abomino de las quintillas: son ramplonas, rellenas de ripios y latiguillos, son versos dignos de los poetas del siglo pasado -Camprodón, Rodríguez Rubí y demás paladines del cascote poético.- Pues bien; entonces escribí ocho endecasílabos y se los di al apuntador, y ya en escena, cuando tenía que decirle mi pequeño parlante al Niño Dios, me equivoqué; el público me largó una grita enorme, me echaron a la calle y…me hice poeta”

Manuel Bujados:

Manuel Bujados (Viveiro, España. 1889 – 1954) – fue pintor e ilustrador. Nació en Viveiro en Galicia, España. Desde aproximadamente 1914 hasta 1934, vivió la vida bohemia en Madrid antes de viajar a Bell Ville, Argentina para hacerse cargo del negocio familiar. Los comisarios de una exposición en Lugo en el año 2009 describen a Bujados como respetado y conocido tanto en España como en América Latina, en la época que nos ocupa, tanto como en la pintura, como en las ilustraciones que son influenciadas por el estilo de Aubrey Vincent Beardsley (Brighton, Inglaterra. 1872 – 1898).  Publicando en revistas tan prestigiosas de la época como  La Esfera, Mundo Gráfico, Nuevo Mundo, y Por Esos Mundos .

José Francés, crítico de arte de La Esfera, fue una influencia importante para Bujados, dejándose guiar por él para centrarse en la ilustración. En la Esfera trabajó junto  Salvador Bartolozzi, Rafael de Penagos y el ya comentado Emilio Carrere.

la esfera, magacine, revista, arte, arts, ilustracion, poemas, versos, art deco, art nouveau, ilustracion

Manuel Bujados (España. 1889 – 1954) – Ilustración para el Magacine La Esfera, Octubre 1915.

 

 

Los signos del Zodiaco – Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989)

zodiaco,dali, Dalí, litografia,arte,arts,tauro

Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Tauro” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Salvador Dalí

Los signos del zodiaco (1967) – Litografías sobre papel gouache

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en una madrugada, era la primavera del año 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: “A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí”.

zodiaco,dali, Dalí, litografia,arte,arts,capricornio,surrealismo

Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “Capricornio” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Niño adelantado a su tiempo, a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce estudia las obras de Picasso y se hace cubista y a los quince se convierte en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes reproducciones con ya un marcado estilo personal, para la sección titulada “Los grandes maestros de la Pintura”.

Pero hoy no voy a poneros su biografía pues se merecería una entrada inmensa, sino que lo voy a centrar en la última etapa de su vida artística y en especial a estas 13 litografías representando a los signos del zodiaco.

En 1967, el publicista Leon Amiel encargó a Salvador Dalí una serie de litografías con un tema muy especial, los signos del zodiaco. En esta galería podemos ver el resultado de esta interpretación surrealista muy inspirada en la Edad Media, sobre todo en Géminis que lo pinta como un hermafrodita.  Leo (vitriolo verde, símbolo de la piedra filosofal), Piscis (Pez sin huesos, el azufre naciente) y el cangrejo de Cáncer se vuelve la langosta lunar. Esta serie limitada de 250 ejemplares del excéntrico genio que era de signo Tauro, todavía puede comprarse por varios miles de dólares aquí

zodiaco,dali, Dalí, litografia,arte,arts,surrealismo,surrealista

Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – Los signos del zodiaco. “El Zodiaco” 1967. Litografías sobre papel gouache.

Bajo su estética singular y que tanto lo caracterizo que fue el surrealismo, Dalí dejó otro gran legado no solo en pinturas y esculturas, sino también en ilustraciones e intervenciones fotográficas, trabajos que pocos conocen.

Dentro de ese gran abanico de obras que no son tan conocidas se encuentran este juego de 13 litografías en papel gouache que realizó el genio en 1967,  como ya comenté antes bajo encargo de un publicista llamado León Amiel.

Dichas litografías las ejecutó de acuerdo a la tendencia que se tenia en ese entonces, ya que durante los sesenta muchas personas eran fieles seguidores de la astrología y creían en lo que los astros les deparaba.

Esta cosmología de Dalí, se inicia a mediados de los años 60, siendo el último período de su vida en el que conservó la lucidez y estuvo en condiciones de comprender el mundo que le rodeaba, es cuando se interesa por el movimiento hippy y, más adelante, por la teoría de las catástrofes. De este período surgieron sus últimas grandes telas, en especial, La Pesca del Atún un cuadro en el que evoca la nueva era de Acuario anunciada por los profetas de la contracultura. Este penúltimo Dalí se siente, él mismo, hippy y está dispuesto a ser considerado como el profeta de los hippis, pero es el período, paralemente, en el que su desbarajuste interior aumenta hasta lo indecible. Su fin está próximo.

La pesca del atún

Aquí os dejo un video en el que presenta su última gran obra “La pesca del atun” en el que podemos apreciar lo tronado que estaba ya el Divino Salvador Dalí

Esta obra monumental fue el Summun que realizó sobre su era de Acuario, la cual está cargada de símbolos, Necesitó dos veranos el de 1966 y el de 1967 para acabar esta tela plagada de personajes dionisíacos. Es una especie de testamento, el resultado de 40 años de experiencia apasionada en la investigación pictórica. Dalí dice de ese cuadro: “Tras leer a Teilhard de Chardin, que según él, el universo y el cosmos eran limitados, me di cuenta de que precisamente esa limitación, contracción y límites del cosmos, hacían posible la energía, todas las partículas elementales poseen esta formidable energía hiperestética en virtud de esos mismos limites y contracciones. De alguna manera, esto nos libera de la angustia terrible extendida por Pascal, que consideraba que los seres eran insignificantes al lado del cosmos, y nos conduce a la idea de que todo el cosmos y el universo convergen en un punto que, en el caso presente, es “La pesca del Atún” ahí reside la energía terrorífica de este cuadro.

surrealismo, dalí, salvador dali, dali, oleo, oleo sobre lienzo, pesca, atun, arte, art, arts

Salvador Dalí (Figueras, España. 1904 – 1989) – La pesca del Atún. 1966 – 67. Oleo sobre lienzo. 304 .x 404 cm. Fundación Paul Ricard, Bundol. Francia

La Era de Acuario,

verá la desaparición de las violencias sanguinarias.

Por el momento acabamos de asesinar al Pez“.

Salvador Dalí.

Bueno a lo que íbamos, es que es tan grande la obra de este genio que me salgo del tema central del post embebiéndome y quedándome maravillado con cualquiera de sus creaciones. Vale ya no me extiendo más y aquí os dejo una galería con las 13 litografías sobre papel gouache que creó Dalí en esta etapa tan ya estrmbótica de su vida.

Clic en las imágenes para agrandar